Monthly Archives: September 2011

Cake + Ximena Sariñana @ José Cuervo Salón

September 30, 2011

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Por: BigIdeas (OzCorp) y moonman y /// Fotos: Diego Figueroa

Con motivo del quinto aniversario de la revista Warp, se juntaron dos propuestas muy diferentes, que fue como unir una crema de cacahuate con mermelada, que para algunos puede sonar sabroso, pero a nivel práctico acabó dominando un sabor sobre otro ya que la expectativa de ver luego de tantos años a la banda de Sacramento, California sobrepasó el regreso a los escenarios mexicanos de Ximena.

Ximena Sariñana

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Esta fue su primera presentación luego de alejarse de tierras mexicanas para producir su segundo disco homónimo al lado de grandes nombres como Dave Sitek de TV On The Radio o Greg Kurstin que trabajó con Lily Allen, así como su “comadre” Natalia Lafourcade. Con tal calibre de producción era infalible que pasara algo mal, pero no contaban con el malo de la historia: el ingeniero de sonido. Sus primeras canciones sonaron con una tenue voz y una ecualización dispareja, dejando que canciones como “Shine Down” sonaran opacas. Eso sí, los músicos con los que se hace acompañar (en especial el baterista y bajista) mostraron sus habilidades en todo momento. Lo malo es que por las circunstancias el público reaccionó de la misma forma que Ximena se dirigió al público: por momentos alegre pero “nublado”.

Cake

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Queremos pastel, pastel, pastel…

Receta para un sabroso (y muy divertido) concierto:
(puede rendir alrededor de más de 1500 porciones)

Ingredientes:

1. Cinco integrantes provenientes de California.
2. Una voz (John McCrea) que aunque a primer escuchan, parece monótona y sin cambios, en realidad transmite un sentimiento bastante acogedor de cercanía junto con una fllojera muy sabrosa.
3. Una trompeta instantáneamente reconocible (Vince DiFiore), que servirá para aderezar la mayoría de las composiciones.
4. Una producción de seis discos a lo largo de 20 años de carrera, entre los cuales el segundo y el tercero tiene algunos clásicos de la década pasada.
5. Un público incrédulo que nunca pensó que los podría ver por fin.

Preparación:

Se toman todos los ingredientes, para proceder a mezclarse en el José Cuervo Salón, que increíblemente en esta ocasión tuvo un sonido bastante respetable. Se procede a ignorar a la persona telonera del concierto, porque honestamente, quien tiene ganas de verla, sosa y sin ningún chiste, son tonadas genéricas que se escuchan en cualquier lado. Con la excitación del público creciendo conforme pasa el tiempo -así como su impaciencia- se logra sentir una verdadera nostalgía en el aire. Para mucha de la gente que se encuentra aquí, las canciones que posiblemente escuchen, les abrirán una verdadera avalancha de recuerdos. Y creo que la banda lo sabe, después de todo parte de su característico sonido proviene de acá. Desde el principio comienza la nostalgía, con la última canción -”Sad Songs and Waltzes”- de su más famoso disco (Fashion Nugget) y es de éste de donde se extraerán la mayor partre de temas viejos que conformarán el concierto. La otra parte se compone de su más reciente producción (Showroom of Compassion).

Claro que después de tanto tiempo y tantos discos, es imposible que se ejecuten todas las rolas que a uno le gustaría escuchar. Las dos omisiones más grandes para todos fueron “Short Skirt, Long Jacket” y “Sheep Go to Heaven”, sin embargo, nos tocaron otras cosas, que tal vez no sean lo suficientemente desconocidas, no dejan de ser unas joyitas: “Satan Is My Motor”, “Mexico” (que aunque sonaba obvio que la deberían de tocar, uno nunca sabe como funciona la cabeza de los músicos) y la fregonsísima “Frank Sinatra” (el mejor momento para mí). Para el encore, antes de la banda, sale todo un conjunto de mariachis, y John solo nos pide disculpas si las cosas no funcionan del todo, ya que lo ensayaron apenas un par de horas antes. La tercera canción es la que vuelve loca a todo el público, uno de los covers mas famosos pero controversiales (Gloria Gaynor se dice que lo odia), “I Will Survive” suena a todo lo que da en el recinto, la espera ha valido la pena. (Éste es el mejor momento para el resto de la gente). No conformes con esto, tocan otro cover para cerrar con broche de oro, “The Distance”, donde los que aun no se habían deschongado, se encargan de hacerlo. Es el fin del concierto, pero ha resultado extremadamente divertida toda tertulia. Una parte de mi adolescente interno esta bastante feliz.

Setlist:
Sad Songs and Waltzes
Opera Singer
Frank Sinatra
Long time
Sick of you
Mustache Man (Wasted)
Stickshifts and Safetybelts
Satan Is My Motor
Wheels
Love you madly
Guitar
Never there
Encore:
Comanche
Mexico
I Will Survive
War Pigs
The Distance

Post escrito por: moonman

Nobukazu Takemura + Koota Tanimura @ Radar UNAM

September 30, 2011

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Por: Luis Arce (@lsfarce) /// Fotos: Roja (Claudia Ochoa)

Nobukazu Takemura siempre se ha caracterizado por ser un músico al que resulta imposible encasillar o categorizar dentro de un género musical definido. Desde sus comienzos, a mediados de los ochentas como DJ enfocado hacía el hip hop, pasando por los trabajos que realizó con Yamatsuka Eye (Boredoms), en una vena mucho más experimental, o a finales de los noventas cuando entregó al mundo, a través de Warner, dos discos excepcionales, Child’s Eyes en 1997, y Milano en 1999; esta clase de obras le generaron una atención mucho más centralizada en el mundo de la electrónica y la música experimental, después trabajó con bandas como Yo la Tengo, y Tortoise, hasta tocar los límites del glitch y el microsound bien entrada la primera década del siglo XXI. Al charlar con él sobre la propuesta de un disco, consideró que el proceso de “crear un disco, es algo mucho más parecido a la vida, pues cuando un álbum llega al público se convierte en algo del pasado; como la manera en la que crece el cabello o las células de la piel mueren. Todo va cambiando”. No busca un estilo en específico, sino que muestra una expresión directa con la música, trata de imprimir en ella, sus emociones. “Si mi estilo cambia tanto a lo largo de los discos, es porque también cambio con los años, pues no pienso en una sola línea musical. Hay músicos que siguen una sola línea, pero en realidad se encierran en un caparazón, pues no lo hacen desde el fondo de sí mismos, sino para cumplir las exigencias comerciales o del público”. La propuesta de Takemura estaba sentada, explorar el fondo de sí mismo, para explicárselo a los demás. El acto adquiere una categoría específica cuando es llevado a escena, aquí, todo se resuelve en un juego sonoro y visual que cautiva por la sensibilidad con la que está plasmado. La presentación comienza con una larga secuencia de sonidos acompañada de un video, cuyo monólogo refiere a la fragilidad del instante, el recinto se encuentra, quizás maravillado, quizás perturbado por la velocidad de la presentación, que decantaba cada momento con una expresividad interminable.

Los sonidos tomaban la sala cuando era pertinente, y la proyección restituía la formalidad del momento, cuando era necesario. Era imposible no pertenecer a esta clase de manifestaciones. No importa cuando lo intentemos, cuando las expresiones tratan del alma y esas cosas, es muy complicado no atender a ellas. Al terminar la primera parte del video, Koota Tanimura, sorprendió a los asistentes, al llenar la sala con el sonido de su guitarra, que no resultó molesto ni mucho menos, al contrario; la forma en la que Tanimura se presentó ante el público mexicano fue tremendamente agradable y como un vendaval de ondas, colocadas en el momento preciso del tiempo, la sala entera tembló ante gigantesco feedback. La música se transformaba, era evidente, los escuchas mismos se transformaban ante la presentación.

Siempre esquivo de las categorizaciones, Takemura me habló además de su idea respecto a la evolución musical, para él, “la música murió a partir del año 2000, cuando el auge del internet sofocó las expresiones particulares de cada lugar, haciendo que todo se volviera aburrido y repetitivo” –podríamos argumentar que posiblemente Takemura nunca se ha escuchado a sí mismo, pero bastara con saber que la forma en la que llevaba su música al escenario trascendía esta idea de decadencia, entregándole a todo un hermoso lustre. Efectivamente, mucho del ambiente musical se ha transformado en un formulario aburrido, pero presentaciones como la suya, evaden esa categoría, son la excepción. Sí, por excepcional.

Por si no fuera suficiente, los dos músicos demostraron todas las posibilidades de su lenguaje; donde cada nota, cada micro-sonido, cada concepto en particular, numeró unas mil o tres mil manera de entender la música, durante la segunda parte del concierto, entregando piezas suculentas y mucho más vistosas de composición musical, piezas que alegraron a aquellos desorientados que seguían ahítos debido a la primera parte del espectáculo. Tendríamos que hablar en específico de dos piezas, la primera “Un pequeño cuento”, donde los artistas se hacían acompañar de la historia de dos muchachas, para centrar la musicalidad en los espacios vacíos de la realidad. Cada vez que la película mostraba una pausa, Takemura y Tanimura desenvolvían una interpretación singular, permeada tanto por la musicalidad oriental, como por el avant-garde y la improvisación. Algo diferente había sido fabricado, durante la entrevista, Koota Tanimura me explicó que la idea crear algo singular le fascinaba desde hace mucho tiempo, pensaba además que la tecnología transformaría nuestra manera de entender la música, dejando que cada persona ofreciera su propia versión particular del mundo. Se encontró de pronto muy decepcionado, me dice: “Todo el mundo fabrica cosas similares, con las mismas herramientas”, posiblemente tenga razón, la tecnología no le ofrece a la música un incentivo para mejorar, sino que también puede ser utilizada de una manera más pragmática y austera; “el hecho de tener esas herramienta a la mano, de manera tan simple, obstruye un poco el hecho de tener una razón para hacer la música”, entonces la gente tira notas, acordes, y melodías poco expresivas, y en las que “Ha desaparecido la individualidad de cada lugar”. Para Tanimura, la música debería entenderse como una entidad casi religiosa, en ella, cada expresión ocupa su lugar, “la religión católica, a pesar de ser la misma en Europa, como en América, trasciende sus categorías y ofrece en cada lado del mundo, una expresividad distinta”; quizás esa fue la intención primigenia de un espectáculo como el de ayer, donde todo se resolvió en una de las piezas más hermosas que interpretaron en toda la noche, la cual cerró el concierto con armonía, inteligencia y sensibilidad. Casi podías sentir los colores, encontrarte en tu asiento con la sensación de ser invadido y atravesado por la yuxtaposición de sonidos e imágenes, que te llevaban a visitar lugares muy remotos de la sonoridad, y con suerte, hasta muy remotos lugares de ti mismo. Uno de los mejores concierto del año.

Post escrito por: Luis Arce

Video: Björk /// Moon

September 29, 2011

Björk /// Moon
Dir. Björk + Inez and Vinoodh, M/M Paris + James Merry.
Sencillo del disco Biophilia

Post escrito por: moonman

System Of A Down @ Palacio de los Deportes

September 29, 2011

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Por: Alejandro Martínez (ARCHIE) @mcnarchie /// Fotos: Fernando Aceves // OCESA

Cuando se anunció que este cuarteto de Glendale, California se reunía después de varios rumores, pocos pensábamos en una extensa gira y menos que contemplaran América Latina y México.

Después de la noticia de que System Of A Down pisaría por primera vez nuestra tierra, la expectativa creció a pasos agigantados aún cuando el grupo no parecía tener un reconocimiento total o digamos en cierto modo “comercial” para abarrotar uno de los recintos tradicionales en la ciudad más grande del mundo. El resultado fue una venta de boletos considerablemente rápida, y sobre todo que las entradas se agotaron antes que otros eventos que creímos se irían antes que los de SOAD.

Llega el día y el Domo de cobre se prepara para una singular noche de buen rock que sorprende a bastantes incluyendo a su servidor, no por el hecho de incredulidad en la calidad de la banda, sino por la gran cantidad de fans que tienen aquí en México y la lealtad del público nacional que cada vez más se refleja como uno de los mejores del mundo en cuestión del rock y la música.

Entrando de lleno al concierto, la banda abridora Yokozuna tuvo un muy buen recibimiento del personal al intepretar su dirty-rock-garage de calidad y que sus dos integrantes ya muestran tablas sólidas. Con temas como “Slam y Minifaldas” y “Salpícame”, el dueto de guitarra y bateria cerraron positivamente su actuación cumpliendo como buenos teloneros siendo un proyecto cada día con más madurez.

Cabe mencionar que el inter entre Yokozuna y SOAD no estuvo nada mal, resaltando que en ocasiones o en su mayoría se toca todo un disco, ahora se revivió el ambiente noventero con temas de Faith No More o Rage Against The Machine (¡Ya que los traigan otra vez!). Cayó una manta frontal color blanco tapando el escenario y mientras se hacíala prueba de sonido y se prepara todo para la sálida del “System”, como suele llamarsele, luce el logo de la banda a todo lo ancho y alto del escenario.

Alrededor de las 21:30 se apagaron las luces del Palacio y se enciendieron las del stage, comienzan los primeros riffs de “Prision Song” y la banda presente comenzó con los aplausos y festejos. El sonido sin temor a los comentarios de incredulidad por un lugar como el “Palacio de los Rebotes”, estuvo casi impecable (si no es que le quitamos el cási). Entrando “BYOB” cae la manta delantera y surge la del fondo, ahora en viceversa, negra con el logo en blanco y luciendo de manera imponente con la mezcla de luces que cabe destacar también lucieron durante todo el show.

Serj Tankian enfundado en camisa blanca se gana la atención desde la primer frase, la base muy potente con Shavo y John brillando en cada nota, y el guitarra y líder Daron Malakian que acaparó con sus arreglos, riffs y peculiar forma de baile, canto e interpretación haciendo de esta noche un viaje a finales de los noventa y principios de este milenio. Pasaron los minutos y desfilaron temas como “Radio/Video”, “Hypnotize”, “Psycho” mientras la manta del fondo fue cambiando. Llega el primer gran momento al sonar los acordes de “Chop Suey” haciendo explotar el recinto y los coros multitudinarios. De ahí hacia adelante se complementó con bastante poder y cada vez más intensidad, que si bien muchos nos remontamos a varios años atrás. También hubo muchísima gente de la nueva generación que expresaba su emoción hacia los de descendencia Armenia.

Un largo viaje por la discografía de System que convierte a esta noche del Palacio en una de las más memorables de este año. Cerrando con cortes de sus primeros trabajos como “Suit Pee”, Tankian expresando su cansancio hacia el dominio del poder sobre el pueblo, la libertad y los abusos en el mundo. Sonaron “War?”, “Spiders”, “Cigaro” y rematan con “Toxicity” y “Sugar”: dos ganchos al hígado que provocaron la reacción masiva con brincos, algunos círculos de slam en la parte delantera y principalmente una gran ovación en agradecimiento a uno de los conciertos memorables del 2011 y que a pesar de que muchos se sintieron en una máquina del tiempo y sin demeritar la calidad de la música actual, es de agradecer que el rock se mantenga, resurga, reviva o como quieran calificarlo. El tiempo no deteriora la calidad y si en estos tiempos surgen proyectos a destajo, eventos como el de hoy son signo de que el rock no debe dejarse a un lado. ¡Gran Noche!

Setlist:
Prison Song
Soldier Side – Intro
B.Y.O.B.
Revenga
Needles
Deer Dance
Radio/Video
Hypnotize
Question!
Suggestions
Psycho
Chop Suey!
Lonely Day
Bounce
Lost in Hollywood
Kill Rock ‘n Roll
Forest
Science
Mind
Innervision
Holy Mountains
Aerials
Vicinity Of Obscenity
Tentative
Cigaro
Suite-Pee
War?
Toxicity
P.L.U.C.K.
Sartarabad
Sugar

Post escrito por: archie

MP3: Quiero Club /// Días Perfectos

September 28, 2011

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MP3: Quiero Club /// Días Perfectos
Luego de lanzar tres canciones aisladamente, Quiero Club por fin anuncia su tercera producción, la cual saldrá a inicios del próximo año. Para aprovechar el lanzamiento digital de esta nueva canción, Luis Fara nos escribió unas palabras al respecto:
“Días Perfectos” es el primer tema que realizamos en la Ciudad de México, donde ahora residimos. Es una co producción entre nuestros productores de cabecera, Gustavo Mauricio y Boscop Benavente junto al talentoso Ernesto García.
Este será el primer sencillo que se desprende de nuestro tercer álbum de estudio que saldrá a la venta a principios del 2012. A su vez, se incluye en un EP, titulado con el mismo nombre, el cual incluirá nuestros anteriores sencillos “Música”, “Las Propiedades del Cobre” y “Qué Hacer En Caso de Oír Voces” junto a algunos remixes y que estará disponible a partir de octubre.


Minidoc Me Hace Ruido /// Quiero Club

Post escrito por: moonman

MP3: Antoine Reverb /// Memory Interrupted

September 28, 2011

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MP3: Antoine Reverb /// Memory Interrupted
Como en el juego de las sillas, Antoine Reverb decidió que para su segunda producción Everything is a Foreign Language To Me (la cual estará editada con el sello Arts & Crafts México) varios integrantes cambiaran de posición para alternar las vocales e incluso instrumentos musicales.
La suavidad que los distinguía su producción pasada se ha hecho a un lado para darle paso a las guitarras eléctricas y sus respectivos reverbs ,los cuales representan un lado más shoegaze y sicodélico que no nos habían mostrado.
Para explicarnos mejor esta etapa más ruidosa de esta interesante agrupación tapatía, el guitarrista Diego (quien en este disco se soltó) nos escribió unas palabras:
“Es la canción con mensaje más directo en el disco (a pesar de que la letra fue escrita por dos personas que la abordaron desde perspectivas diferentes) y una de las más pegajosas y densas. Benjamín toma la voz principal y Cynthia y Andy lo apoyan en los coros.
Es una muestra del lado más psicodélico y ruidoso (casi shoegaze) que la banda ha tomado”.


Sesión Me hace Ruido /// Antoine Reverb

Post escrito por: moonman