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Festival Aural: Sun Ra Arkestra @ Teatro de la Ciudad

Mayo 16, 2013

Por Beatriz Borges /// Fotos: BigIdeas (OzCorp)

Podríamos decir que el teatro estuvo lleno, que la música no sonó hasta que todos estuvieron en sus lugares bien sentaditos, con instrumentos en mano. Podríamos, pero así no son las cosas en Saturno. La Arkestra invadió de color y sonido el Teatro de la Ciudad desde el momento en el que Marshall Allen puso el primer pie en el escenario; los demás le siguieron el ritmo, palmo a palmo, cantando. Era imposible no saber que estaban ahí y no sólo en el teatro, sino en la ciudad, iluminando todo con el tintineo de las cuentas de colores de sus trajes inspirados en Egipto y su extraordinaria forma de poner a bailar a cualquiera.

La mayor parte de los videos que había visto sobre sobre ellos eran de los años ochentas, todos brincando, cantando, arrojándose al suelo, enloqueciendo. Así que con algo de resignación, fui al concierto esperando ver a una banda legendaria de octogenarios que ya no podrían tocar con el arrebato de antes, pero oh, oh! gran sorpresa la mía cuando Knoel Scott, a sus 57 años, dejó estupefactos con sus bailes que parecían una extraña mezcla entre capoeira, danzas africanas tradicionales y break dance; además de encabezar dos filas de conga por toda la planta baja, todo esto, sin dejar de tocar. Debo decir que en este momento el público se quedó corto: todos se hundían tímidamente en sus asientos mientras los integrantes de la banda rondaban los pasillos, todos tan conmocionados por ver a estas leyendas junto a ellos, que parecía que el único atrevimiento que podían hacer era sacar el celular, y tomar una foto. Cuando digo ídolos lo digo con toda causa, pues al parecer todos los que estábamos ahí, sabíamos sino todo, si mucho de la Arkestra.

Con un setlist conformado, en su mayoría, por canciones de su disco Sound of Joy, – probablemente su álbum más digerible, algunos de sus fans más estrictos pudieron sentirse decepcionado. Puede que hayan asistido ahí, esperando momentos más atascados, mucho más cercanos a la vena avant-garde de sus composiciones. Sin embargo, el concierto le puso la nota suave a la noche y sinceramente no creo que alguien haya salido inconforme. Además, quedó claro que lo entregaron todo, pues aunque no hubo encore, Marshall Allen volvió al escenario y cantó unas líneas aplaudiendo (Más que música parecía una especie de disculpa por ya no poder salir a tocar de nuevo. Igualmente, se agradece).

Algunos podrán decir que la Sun Ra Arkestra está constituida por un grupo de eclécticos chiflados. Lo de chiflados lo acepto con agrado, pues todo implica cierto grado de demencia. Pero la definión ecléctica del conjunto es bastante exagerada. Lo que Arkestra tiene es toda una filosofía de vida llevada a la música, donde se reinterpretan los estándares de jazz, que si quisieran bien podrían llegar al noise, pasando por el free jazz.

La Arkestra toma a la música como un lenguaje no sólo universal, sino espiritual. Y es sorprendente como los años no han distorsionado esta visión dentro de su música, a pesar de que su fundador ya no esté para guiarlos. Vamos, ni siquiera la edad les ha quitado las ganas de bailar y tocar para crear una energía que en efecto, no es de este mundo. Por todo ello, sólo puedo decir: ¡larga vida a la Sun Ra Arkestra!

Por cierto, es bueno saber que todavía viajan con su vestuarista por delante.

Patti Smith @ El Plaza Condesa

Mayo 12, 2013

Por Pati Peñaloza @patipenaloza / patipenaloza.blogspot.com /// Fotos: BigIdeas (OzCorp)

Patti, you are my mother!

“Be hopeful, be free!! You are the future!!” Gritó el viernes a una audiencia en su mayoría joven, de entre 15 y 40 años, esperanzadora, generosa, voz guía, desde el púlpito hecho escenario, Patti Smith, madrina del punk y madre nuestra, capaz de mantener viva su fe en lo que piensa, cree y canta. Fe en la palabra, la poesía, el amor a la naturaleza, el arte, la gente. Esa fe inquebrantable que le hace decir y cantar las cosas con una convicción tan férrea, que persuade a quien la mire, la toque, la escuche.

“Patti, you are my mother!!” se oyó entre el público la noche del 10 de mayo, en un atiborrado Plaza Condesa, foro fresón un tanto adverso a la esencia espiritual de quien sorbió de primera mano a los poetas beat Allen Ginsberg, William Burroughs, Gregory Corzo. Inevitable fue comparar este concierto con el que ofreció en su primera visita, el 5 de Mayo de 2012 en el Museo Anahuacalli Diego Rivera, con un gran vestigio arqueológico detrás, la luna llena en lo más alto, una tenue llovizna, y algunos grados menos de cansancio corporal en ella, quizá olvidado por la exaltación de encontrarse con pupilas mexicanas por primera vez, y por actuar en un lugar tan significativo, entusiasta como es de la vida y obra del muralista mexicano, así como de la pintora Frida Khalo.

Punk esperanzado

La retroalimentación es muchas veces la mitad de un concierto, y fue un elemento determinante para bajarle dos rayitas a la intensidad, el que al Plaza acudiera mucha gente que no la conocía muy bien, mucho fresilla, mucho hipstercito, que en silencio fueron a toparse con LA leyenda. Si bien esto es loable, la energía en el ambiente, la mística, no fue la misma.

Pero lejos de las comparaciones con el concierto pasado, la poeta y fotógrafa estadounidense, discípula de Bob Dylan, definitivamente volvió a entregar su corazón. No pudo evitar el arrojar su mirada materna, desprendida, idealista, tierna, mientras cantaba a sus discípulos, ya fuera destilando verbos poéticos y entrando en trance chamánico, hipnótico, o haciendo reventar los alaridos de los presentes en medio de una tormenta de palabras, de figuras de amor o melancolía, o quizá simplemente sentada en la orilla del escenario, saludando con la manita cual mami diciendo “hola” a sus hijos desde la ventana.

El punk neoyorquino de Smith, visto como libertad, como volatilidad de alma, más que como la desesperanza de sus congéneres londinenses de fines de los años 70. Lo que en los Sex Pistols fue “no future”, y en The Ramones fue ironía callejera, en Smith es fragilidad de espíritu, esperanza empatada con la embestida (esa sí, harto punk) que implica buscar la verdad y desenmascarar la hipocresía y el mercantilismo.

Directo y a la cara

Sin un gramo de maquillaje, cabellos enmarañados, saco negro, playera guanga, jeans y botas, como siempre ha postulado en actitud feminista, desenfadada (y punk, por supuesto, insistimos), Smith se hizo acompañar de su músico y coautor inseparable, Lenny Kaye en guitarra y Jay Dee Daugherty, ambos con ella desde sus inicios; en bajo y teclados, Tony Shanahan (en la banda desde los 90) y su hijo Jackson Smith en segunda guitarra.

Ya fuera a punta de rocanrol simple y directo, o de atmósferas que sirvieran de cama a sus plegarias, mantuvo encendidos los corazones con su ímpetu vital. Y mientras en el Anahuacalli el público, lleno de visibles seguidores, se mantuvo en éxtasis saltando y coreando cada uno de sus 20 temas, en el Plaza prácticamente sólo saltaron con “Because the night”, “Gloria” y “Rock n’ Roll Nigger”, tres de sus temas más emblemáticos. O quién sabe: quizá el silencio en los demás temas obedecía a que atentos fueron a escuchar, a conocer, a aprender. Simplemente fue otro momento.

Por su parte, Patti Smith, ya más entrada en confianza con la chilanguiza, dedicó su concierto al citado Rivera y al escritor chileno Roberto Bolaño (afamado por plasmar escenarios mexicanos en su novela Los Detectives Salvajes, de 1998). Con exactitud, sus impecables músicos seguían a la poeta según sus diálogos con la audiencia, siempre tras sus pasos y a su mando, dando más un soporte a su entrega poética que desplegando complejidades armónicas o arreglísticas. “Tres acordes y el poder de la palabra”, sentenciaba Smith en los años 70. Rock directo y a la cara. No importa si el ritmo tiene algo de balada, reggae, blues. El punk late detrás, más que como género, como un postulado, un principio vital, una actitud.

De su histórico Horses (1975), sonaron “Kimberly”, “Redondo Beach”, “Birdland”, “Free Money” y la citada “Gloria”, de Van Morrison, con su legendario agregado: “Jesus died for somebody’s sins but not mine”. Del Radio Ethiopia (1976): la extraordinaria “Pissing in a river”. No faltaron, del Easter, la ya nombrada “Because the night”, escrita en coautoría con Bruce Springsteen, así como “Dancing barefoot” y el poema “Babelogue”, seguido siempre por la épica “Rock n’ roll Nigger”: “Outside of society, is where I want to be!” para cerrar la noche. Antes, hubo interesantes covers como “It’s a dream” de Neil Young, o “Born to lose” de The Heartbreakers, entre otros. Muy bello fue oír la suave pero intensa “Beneath the Southern Cross“ del magnífico y poco valorado Gone Again (1996).

Con los latidos en la mano, y arrancando con furor las cuerdas de su guitarra al final del concierto, Patti Smith agradeció la generosidad de su público, y prometió volver, tal y como por la mañana dijo en entrevista con la emisora Reactor 105: “Mi próximo disco estará sin duda impregnado de mis visitas a México”.

Tras hora y media de fugaz pero profundo concierto, los cerca de dos mil asistentes aceptamos nuestra comunión con ella y dijimos: “Amén”.

Setlist
Kimberly
Dancing Barefoot
Redondo Beach
April Fool
Fuji-san
Birdland
Free Money
Ghost Dance
Beneath the Southern Cross
Night Time
(We Ain’t Got) Nothing Yet
Born to Lose
Pushin’ Too Hard
It’s a Dream
Because the Night
Pissing in a River
Gloria
Encore:
Banga
People Have the Power
Babelogue
Rock ‘n’ Roll Nigger

Triángulo de Amor Bizarro + Trajano! @ Ocho Y Medio, Madrid

Mayo 8, 2013

Triángulo de Amor Bizarro

Trajano!

Texto: Lalo Rojas de Pasaje Alternativo /// Fotos: Sofía B. Manzano

El Ocho Y Medio es uno de los clubs más famosos de Madrid por la intensidad que se vive de noche en cada una de sus sesiones. Sabía que hacían conciertos, pero no me imaginaba que tan bien podía sonar un concierto de rock, menos cuando tienes a uno de los exponentes más energéticos de la escena española sobre tu escenario.

Se presentó el Triángulo de Amor Bizarro acompañados por Trajano!, una joven propuesta madrileña que tenía la responsabilidad de abrir el show.

Trajano! es una de esas bandas que te sorprenden. Ésta fue la tercera oportunidad que he tenido de verlos en vivo y creo que ésta fue la que mejor sabor de boca me ha dejado. Su directo sigue creciendo y se nota que la química entre el escenario y cada uno de los integrantes es cada día mejor. Su EP Terror En El Planetario, se escuchó potente, oscuro y empapado en los peculiares vocales de su frontman.

Luego llegó el turno de los gallegos Triángulo de Amor Bizarro. Su presencia en el escenario es energía pura desde la primera nota que sale de sus instrumentos. Desde el principio, estos cuatros españoles lanzaron sencillos a toda velocidad. Comenzando con temas como “La malicia de las especies protegidas” y ‘”Amigos del género humano“, que invitaban a los asistentes a dejar sus chamarras a un lado y entrar en calor.

Los ánimos de aquellos que nos dimos cita esa noche, fueron creciendo con el paso de cada canción. No había mucho tiempo entre cada corte, el set iba rápido y preciso. Una de las canciones más aplaudidas fue “De la monarquía a la criptocracia“, ese infalible sencillo que se ha convertido en parte clave de su acto en vivo.

En vísperas del lanzamiento de su nuevo álbum Victoria Mística, esta presentación sirvió para tocar algunos de sus nuevos sencillos. Uno en particular, que parece será titulado “Follar“, fue el culpable de que la pista se dividiera dando paso al famoso slam.

Una guitarra distorsionada, un misterioso sintetizador, una poderosa batería, un profundo bajo y una mística voz, fueron la fórmula para que el Triángulo de Amor Bizarro regresara triunfante a Madrid. El sonido fue impecable y ahora las ganas de escuchar su nuevo material se han potencializado. Habrá que esperar.

MP3: SRASRSRA /// Mi Madre

Abril 30, 2013

Este dúo de La Coruña, Galicia está formado por Zipo y Víctor y ambos comparten alineación con Triángulo de Amor Bizarro, Leroy y Los Masoquistas.

Desde el año 2010 forman parte de la potente escena noise gallega. Después de varios EPs, demos y de señalarse en la escena underground en multitud de conciertos, nos sorprenden con este primer LP denominado Puchao, editado en noviembre de 2012, bajo la disquera Discos Humeantes, en donde explotan 18 temas repletos y cargados de energía e irreverencia punk de corta duración cercana al minuto, de manera directa, ruidosa, y con letras extravagantes, llenas de sarcasmo y absurdos juegos de palabras, con sonidos reverberados y de impronta punk-rock junto con el frescor, diversión, y el delirio que podemos apreciar en “Oliendo a pis” o “Mi Madre“, así que si os animáis podemos seguirlos de cerca y disfrutarlos.

Bandcamp

OMD @ Teatro Metropolitan

Abril 20, 2013

Por Chispas /// Fotos: Salvador Bonilla (OCESA)

Tras su sobresaliente presentación en el Corona Capital 2011, Orchestral Manouvres in the Dark decidió regresar a México para complacer a sus fans de hueso colorado y a los no tan fans a presentarnos su más reciente album English Electric. No era de extrañarse que la mayor parte de la gente que asistió a dicho concierto era gente mayor a 35 años, pues si bien OMD fue una banda muy influyente en el New Wave y el Punk del Reino Unido en los años 80.

OMD vino con su banda completa: Andy McCluskey, Paul Humphreys, Martin Cooper y Malcolm Holmes, iniciando el concierto con temas de su nuevo álbum: “Decimal” y “Please Remain Seated” y con esos sintetizadores únicos que los caracterizan comenzaron el viaje a todos los recuerdos de cada uno de nosotros.

La manera de contagiar esa energía y entusiasmo con ese baile eléctrico de parte de McCluskey hacia su público fue inigualable, de solo verlo te ponías a bailar, su emoción de estar en México se notaba y bajo una atmósfera de colores neones iluminando todo el Teatro Metropolitan, OMD siguió con su set mezclando las recientes canciones con sus más grandes éxitos, tales como “If you leave” y “Souvenir”, dos increíbles baladas que fueron muy bien recibidas.

Andy y Paul, estaban tan sorprendidos de ver como sus fans les aplaudian fuertemente, que los dejaron un momento para ovacionarlos como se debe. El concierto seguía con temas como “Sister Mary Says”, “Joan of Arc” y “Maid of Orleans” hasta que llegó a “So In Love”, otro gran tema de la noche. De repente se escucho ese sonido único que todos hemos bailado y que sabemos perfectamente de que canción se trata, así es “Enola Gay”, una de las canciones más esperadas con la que OMD decidió terminar la primera parte del show, retírandose del escenario y dejándonos unicamente sus beats de esta canción hasta que terminará.

Sin embargo sabíamos que faltaba más por parte de ellos y después de un breve descanso antes de su encore, el público con sus aplausos y gritos deseaba verlos y escuchar más éxitos, la banda subió al escenario tan sorprendidos de ver como la gente se entregaba a ellos.

Regresaron con “Walking on the Milky Way” y al término de esta canción gritos y gritos de la gente por oír “Secret”, así que la banda no tuvo más remedio que complacerlos, luces rojas, azules y flashes nos llenaban de emoción hasta que la hora final llegó y “Electricity” fue el tema indicado para darle fin a este increible concierto.

Indudablemente fue un concierto que nos transportó a otro lugar, que nos dió recuerdos nostálgicos y que nos dejó apreciar a esta banda clásica que merece un gran respeto por ser una banda con grandes éxitos del pasado que significan mucho en el presente.

Setlist
Decimal
Please Remain Seated
Metroland
Messages
Tesla Girls
Dresden
History of Modern Pt 1
Forever Live and die
If you leave
Souvenir
Night Café
Joan of Arc
Maid of Orleans
Ours System
Kissing the machine
So in love
Sister Marie Says
Locomotion
Sailing on the Seven seas
Enola gay

Encore
Walking on the milky way
Secret
Electricity

Anamanaguchi @ Caradura

Abril 9, 2013

Por Hugo Juárez @poketronik /// Fotos: BigIdeas (OzCorp)

Anamanaguchi, el grupo de “chiptune indie rock” de Nueva York que saltó a la fama por la realización del soundtrack del videojuego de Scott Pilgrim, visitó por primera vez la Ciudad de México para darnos una probadita de su próximo disco y alegrar los oídos de todos los nintenderos.

En un Caradura donde ya no cabía ni un Game Boy más, los muchachos de Anamanaguchi entregaron justo lo que los fans estaban pidiendo: melodías simples compuestas por sonidos de consolas de videojuegos, aderezadas de una guitarra eléctrica, un bajo y una batería.

Si bien para el “oído no entrenado” (es decir, aquellos que no están familiarizados con los sonidos de los videojuegos de antaño) todas las rolas en su discografía suenan igual, la sorpresa de la noche vino cuando interpretaron dos tracks de su próximo disco, Endless Fantasy (a la venta el 14 de mayo de 2013): de pronto hasta los más escépticos comenzaron a agitarse, y su sonido se tornó mucho más electrónico y rítmico, perdiendo la monotonía. Sin duda, el momento cumbre de la noche fue cuando interpretaron la canción que da nombre a su nuevo disco, la cual, auguramos, tendrá éxito incluso fuera del mundillo de los ñoños.

Y es que es cierto: tu grado de ñoñez es directamente proporcional a la pasión con la que disfrutaste el concierto de esta banda. Y, sin duda, a juzgar por la divertida que se dio el autor de este texto, su grado de ñoñez anda en Super Sañoñín Fase 10, estado al que llegamos los que estábamos ahí gracias a los temas del soundtrack del juego Scott Pilgrim vs. The World que la banda interpretó.

Pero Anamanaguchi también se dio el tiempo de tocar algunas de sus canciones más desconocidas, las cuales fueron bien recibidas por los asistentes en su mayoría. A pesar de ello, la duración del concierto fue demasiado corta, muy probablemente por lo limitado de su discografía. El ritmo del concierto decayó un poco al final por la misma razón, pero durante el mismo hubo momentos variados para bailar, cabecear y hasta cerrar los ojos relajadamente para sentir mejor los bits.

La energía de sus integrantes (Peter, autor; James, bajista; Ary, guitarrista; y el baterista Luke) nunca bajó, hubo interacción con el público, y una onda hippiosa-nerd-videojueguil hizo que la noche fuera muy agradable.

Aunque aún cueste trabajo meter su música en un género definido, escuchar a Anamanaguchi en vivo es toda una experiencia que debería satisfacer a los amantes de las curiosidades musicales y a los miembros de la generación Nintendo (incluso si eres de los que piensa que usar un Game Boy como instrumento musical sea una blasfemia). Para los videojugadores de toda la vida, todo el tiempo fue inevitable cerrar los ojos e imaginar a qué juego le podría quedar cada rola que la banda tocó.

Como nota al margen, hay que decir que los organizadores debieron calcular mejor el cupo del recinto, pues había demasiadas personas en el lugar y el concierto se volvió menos disfrutable. El poder nerd nunca debe ser ignorado: recordemos que en este tipo de eventos los nerds y ñoños salen de los rincones más insospechados, y cuando menos te lo esperas, abarrotan los lugares, aunque pareciera eso iba a ser imposible.

3 Doors Down + Daughtry @ Arena Ciudad de México

Marzo 12, 2013

3 Doors Down
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Daughtry

Texto y fotos Diego Figueroa /// tresrolas.com

Muchos de nosotros tenemos ese amigo “atrapado en los 90”, que a la fecha sigue escuchando a Gin Blossoms, Everclear, o más bandas que en algún momento pudimos escuchar en los soundtracks de películas como American Pie (sólo esperemos que no sea fan de Dave Matthews Band). Si usted tiene uno de esos amigos, seguramente ayer lo podía encontrar en la Arena Ciudad de México para ver a dos bandas de las cuales ha de tener un par de discos, pero jamás en la vida imaginó verlas en vivo, no por el hecho de que fueran actos internacionales inalcanzables, o nuevas bandas independientes que de la noche a la mañana ganaran seguidores de culto, sino porque probablemente no sean del tipo de bandas que amasen miles de fans en nuestro país, a pesar de ser grupos de discos de platino en los Estados Unidos, pero como dicen, “estuvieron los que tenían que estar”.

Daughtry arrancó la noche con su rock alternativo de manufactura, perfeccionado por su paso por American Idol, del cual resultó finalista. Baladas guitarreras, rock alternativo y los guitarrazos suficientes para ganar “cred” con el público. Con 15 canciones y casi hora y media de show, Chris Daughtry y compañía repasaron su catálogo del cual destacó “Gone Too Soon”, con Chris en la guitarra acompañado por el piano de Elvio Fernandes (a quien también le delegó parte de la responsabilidad de comunicarse con el público en español) para después entrar con la fuerza de toda la banda para el coro final. Para el cover de “In The Air Tonight”, original de Phil Collins, contó con la participación de Brad Arnold, vocalista de 3 Doors Down. Después de interactuar con el público y regalar algunas playeras, siguieron “Home” y “September”, momento en donde ocurrió el momento emotivo para la banda, ya que los visuales mostraban fotos de las familias de los integrantes de la banda. El guitarrista Josh Steely fue el más emotivo, volteando frecuentemente a la pantalla, dando la espalda al público y señalando cuando aparecían sus familiares. Paciencia Josh, ayer terminó la gira y pronto volverás con ellos.

Vendría el momento de la banda estelar de la noche, 3 Doors Down. A diferencia de Daughtry, quienes se veían un poco reservados concentrándose en sus instrumentos, desde el primer momento Brad, Todd, Chris, Greg y Chet (bueno, Greg no tanto, el estaba limitado a la batería pero desde ahí se defendía) corrían por todo el escenario. 3 Doors Down repasó casi todo el álbum The Greatest Hits, recopilación que lanzaron apenas en noviembre de 2012, comenzando con “Time of My Life” de su más reciente producción de estudio. Por la reacción de la gente, parece que los tracks más recientes eran los mejores recibidos, salvo alguno que otro fan de antaño que si reconoció “Duck and Run”, apenas la tercer canción de la noche, extraída del disco debut lanzado en el 2000.

De pocas palabras, Brad Arnold agradecía constantemente al público. Los que estaban en pista ignoraron por completo las sillas y se reunieron en la barricada a pesar de algunos intentos de seguridad por contenerlos. Chris Daughtry devolvió el favor a Brad y subió el escenario para cantar “Landing in London”, canción en la que originalmente hacen dueto con Bob Seger. La mitad del set se caracterizó por juntar las canciones tranquilas de la banda, así como las nuevas que incluyeron en Greatest Hits, guardando toda la fuerza para el cierre que comenzó con un cover a “Symphony of Destruction” de Megadeth que ligaron hábilmente con “Better Life”. Regresaron del encore con “Kryptonite”, primer sencillo de la banda y probablemente con la que la mayoría los conocimos. Nuevamente Chris Daughtry sube a hacer segundas voces y Brad se arriesga a invitar al público a cantar, afortunadamente es correspondido. Por último, “When I’m Gone”, una canción que dedicó habitualmente a las fuerzas armadas durante la gira en Estados Unidos. Aquí en nuestro país marcó el cierre de la gira de ambas agrupaciones que agradecieron la respuesta del público que fue poco, si, pero que en ningún momento dudó en hacer el viaje a la Arena y corear estas canciones como si fuera el año 2000.

Red Hot Chili Peppers @ Palacio de los Deportes

Marzo 6, 2013

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Por Juan Carlos Figueroa (@elfiggs) /// Fotos: Fernando Aceves (CIE)

Llegamos al Palacio de los Deportes a ver a la banda abridora, Har Mar Superstar, la cual cumplió su papel como buena primer banda con su vocalista (al que algún fan se le ocurrió llamar Ron Jeremy sin bigote) que invitó a Josh Klinghoffer a tocar su penúltima rola mientras se despojaba de todo menos su trusa. Una banda cumplidora a la que le podrías dar chance cuando no tengas nada que hacer.

Después de esperar unos 40 minutos y el episodio Full Monty con Har Mar Superstar, por fin salió Chad seguido por Flea y Josh para hacer un poco de jammin’ hasta que Kiedis apareció para comenzar el concierto con “Monarchy Of Roses”, canción que para muchos era prácticamente desconocida (si no escucharon el último disco), acto seguido “Dani California“, una rola que aunque no es la más icónica hizo empezar a moverse hasta los más fans que sólo esperaban canciones del Californication para atrás.

La tercer canción fue “Otherside“, que nos llevó épocas en donde el discman era tan básico como un iPhone y todos tenían ese disco con la alberca roja y el cielo de agua. A partir de aquí, el concierto no nos dejó ir al baño hasta que acabó el toquín. “Can’t Stop“, “She’s Only 18” y “Hey Oh” fueron tres rolas con las que la gente siguió en la fiesta de los Peppers hasta que vino “The Adventures Of Rain Dance Maggie” la cual pasó sin pena ni gloria.

Siguiente escena: “Me And My Friends” dejó notar a los verdaderos fanáticos de la banda que brincaban solos entre una multitud que no sabía si les estaba dando un ataque de epilepsia por todo lo que habían fumado. “Parallel Universe” regresó a todos a la vida, tanto, que se podían ver algunos mosh pits dentro de la tribuna los cuales se disolvieron a los pocos minutos para dar paso a “Under The Bridge“, canción en la cual la banda se dejó de escuchar por la cantidad de voces que cantaban al unísono.

“Higher Ground” nos dejó en claro que es el mejor cover que le han hecho al Sr. Wonder. Siguió “Californication“, canción en la que en el sólo se notó claramente la falta de Frucsiante en la agrupación, aunque para “By The Way” ya se nos había olvidado.

El encore empezó con un pequeño solo de Chad Smith que daba pie a la entrada (parado de manos) a uno de los grandes bajistas de la historia que nos demostraba que los años literalmente se la pelan, empezaron con “Around The World” en donde algunos mirrreyes de plano se lanzaron al slam con matudos y pelones. Después vino “Meet Me At The Corner” para terminar con “Give It Away“, una canción que cerró la fiesta con broche dorado.

Al final Flea cerró agradeciendo a este país vecino cual le tiene un gran cariño. Un gran regreso de esta banda de California que nos quedó a deber mucho después de aquel concierto del Foro Sol en la gira del Stadium Arcadium.

Entrevista /// BeGun

Marzo 1, 2013

Por Lalo Rojas Pasaje Alternativo /// Fotos EskenaziEncursiva cortesía Subterfuge Records

Barcelona actualmente es la casa de proyectos electrónicos como John Talabot y Pional. Ahora ha adoptado el sonido de BeGun. Un productor catalán que se envuelve en una atmósfera sintética que nos transporta a una paisaje sonoro similar al de proyectos como Gold Panda, xxyyxx, Giraffage y en nuestro país, Teen Flirt.

A pocas semanas del lanzamiento de su EP San Francisco y el anuncio de que formará parte del festival Sónar 2013. Tuvimos la oportunidad de hablar con él y así entender porque se ha convertido en uno de los proyectos españoles más propositivos de este año y uno de los mejores fichajes del sello Subterfuge.

Junto a Pol formas Supercola; un proyecto electrónico que se ha caracterizado por lo bien que llevan a cabo los mashups. Ahora tienes BeGun, una propuesta mucho más cercana al sonido de productores como xxyyxx o Koreless.
¿Qué te llevo a trabajar en estos sonidos? ¿Cómo es que nace la idea de comenzar BeGun?
Mi intención a la hora de empezar este nuevo proyecto fue la de dar un paso adelante que quizás con SuperCola no se iba a dar. Y de hecho, BeGun no nace de un día para otro sino que ha sido un proceso de muchos meses de trabajo en la sombra. Desde que era un chaval he estado ligado en mayor o menor medida al mundo de la música, siempre me ha gustado cerrarme en el estudio, componer nuevas canciones y explorar nuevos sonidos aun siendo consciente de que luego no podría aprovecharlas en mis sesiones. Di el paso definitivo a BeGun cuando me di cuenta de que a lo mejor aquello que tenía escondido en mi “cajón” tenía más valor que aquello que enseñaba… ¡Espero no haberme equivocado!

Hace poco lanzaste tu EP San Francisco. El lanzamiento viene acompañado por 3 remixes al sencillo “San Francisco”. ¿Cómo describirías en 3 palabras esta canción?
Buff…¡¡¡No es fácil!! Yo diría que la canción tiene un punto optimista, un punto sugerente y un punto melancólico a la vez.

¿De los 3 remixes cuál es tu favorito? Y si no tienes uno favorito. ¿Qué es lo que piensas que caracteriza a cada uno de ellos?
De los 3, el que más me gustó es el de Giraffage, es quizás quien consiguió un enfoque más intimista y más cercano al referente musical del proyecto. Aun así, a la hora de escoger los remixes para el EP, lo que buscamos es que cada uno le diera al tema original una dirección diferente que a su vez fuera coherente entre sí. La intención fue que cada uno tuviera su propia “personalidad” y que pudieran funcionar en varios terrenos.

Tus temas llevan el nombre de ciudades. ¿Por qué has decidido manejar esta misma línea al ponerles nombre?
En realidad por dos razones. La primera (la “oficial”), porque la intención es que la canción en sí sugiera un viaje sonoro hacia esa ciudad, un viaje que cada uno pueda interpretar a su manera y llevar a su terreno… a modo de leit motiv del proyecto. Y la segunda (la “no-oficial”), porque siempre se me ha dado fatal poner nombre a una canción electrónica y estaba cansado de poner nombre a los temas con lo primero que se me pasaba a la cabeza o muchas veces, lo primero que me encontraba en la mesa a la hora de guardar el set (tengo todavía temas antiguos con nombres freaks como “Lucky Strike”, “Mouse” o “Go to sleep”).

¿Cómo es un acto en vivo de BeGun? ¿Te inclinas más por hacer un DJ Set o tienes preparado un “live”?
A día de hoy, la versatilidad es fundamental y sobretodo tratándose de un estilo que en España no es fácil. Por eso, hemos planteado los dos formatos: un Dj set vía Ableton Live con mucho tema reeditado (herencia de mi anterior proyecto en cuanto a la forma de trabajar el directo) y un Live set con varios controladores, un sampler y unos visuales sugerentes a cargo de Borja Conde, el realizador visual con el que trabajamos los directos y los vídeos de BeGun.

Tres canciones que nunca faltan en un set de BeGun.
Es difícil escoger sólo tres porque siempre intento ir actualizando los temas. No han habido tres canciones que se hayan mantenido desde el primer día, seguramente lo que se ha dado más son artistas que más o menos siempre acaban cayendo en los sets. Quizás los más repetidos diría que Gold Panda, Sweater Beats y algún remix de Star Slinger.

La semana pasada te confirmaron como parte del festival Sónar 2013. ¿Cómo tomaste esta noticia?
Pues para alguien que nacido y crecido en la ciudad del Sónar, no sólo es un orgullo enorme que me hayan dado esta oportunidad sino también una responsabilidad aun mayor. Al final, la música no sólo es una cuestión de inspiración mágica sino más bien de mucho curro (chamba-trabajo)… y eso es lo que me toca, trabajar duro para estar a la altura del festival.

¿Qué bandas que tocarán este año te gustaría ver?
Los que más: Nicolas Jaar, Gold Panda, Lindstrom, Aluna George, Ólafur Arnalds Trio, Mary Anne Hobbs, Krystal Klear, Eats everything, Fantastic Mr Fox y a mi compatriota bRUNA.

Barcelona parece ser la cuna de la música electrónica en España. La gran mayoría de las bandas españolas que escuchamos son de ahí. ¿Qué crees que tiene esa ciudad a nivel cultural que da origen a tantos proyectos electrónicos?
Aunque a veces soy algo crítico con ella, Barcelona es seguramente una de las ciudades más cosmopolitas de Europa y eso es una confluencia de muchos factores: clima, arquitectura, oferta cultural, el mismo Messi, etc. Hemos sabido exportar una marca “Barcelona” que ha atraído talento de fuera y eso hace indirectamente que el talento de dentro crezca. Aun así, aunque desde fuera no se tenga ese feeling, lo que no hemos sabido exportar es un producto Made in Barcelona… todo el mundo considera a la ciudad como icono del ocio nocturno, pero eso no ha ido ligado a la exportación del talento local, porque lo hay y mucho. No somos un país con demasiada solera en el mundo de la electrónica… mal que me pese, esa es la realidad.

Recomiéndanos 3 proyectos españoles y una canción que debamos de escuchar de cada uno.
Es muy difícil escoger sólo 3!! Como decía antes, hay mucho talento en este país y están surgiendo cada vez más proyectos con mucha calidad. Escogeré 3 de Barcelona que me gustan especialmente (barreré para casa) y más que una canción, les recomiendo un paseo por sus respectivas webs: The suicide of western culture ,BFlecha ,Headbirds

Ya nos regalaste el EP San Francisco y un magnífico video. ¿Qué podemos esperar próximamente de BeGun?
El próximo paso del proyecto es la publicación del segundo EP en Abril, un par de mixtapes que saldrán en breve en dos medios Españoles y dos remixes para Hola a Todo el Mundo y The Suicide of Western Culture más una canción de descarga gratuita que sacaré también en breve y para la que tengo preparado algo ‘especial’. Además de esto, en paralelo estamos también trabajando en el vídeo del siguiente single, que esta vez tendrá como destino la ciudad de ‘Shangai’.

Si tuvieras que definir la esencia de BeGun en tan solo UNA frase. ¿Cómo la definirías?
Me gustó mucho la frase que escogió Sónar en la biografía de BeGun que subieron a la web del Festival: Precisión sintética.

Sitio Oficial

Video: BeGun /// San Francisco

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Reseña: Jason Molina /// Autumn Bird Songs

Febrero 8, 2013

jasonmolina Jason Molina
Autumn Bird Songs
Graveface Records
8.5

Por Señor Malhaje

Muy poco se había escuchado de Jason Molina y de su banda, Magnolia Electri Co., desde 2009, año en que el cantautor de Chicago editó con sus chicos el precioso Josephine y junto con Will Johnson (Centro-Matic) un disco a medias. Poco después de aquellos meses tan prolíficos, Molina desapareció de la escena musical después de suspender la gira de Molina & Johnson, el motivo fue una enfermedad, un cáncer que casi acaba con él y que le obligó, una vez recuperado, a ponerse a trabajar en una granja para poder pagar el tratamiento recibido. Todas estas historias de facturas médicas siempre me recuerdan a la triste historia de Vic Chesnutt.

Casi sin promoción, desde un sello discográfico casi desconocido y cuatro años después, Molina ha decidido publicar nuevo material. Este viene presentado de una forma muy especial y limitada, (apenas 300 copias): un libro que compila el trabajo gráfico de William Schaff, responsable del artwork de grupos como Godspeed You! Black Emperor o mismamente del último disco de la anterior banda de Jason, Songs: Ohia. Al final del libro, de una factura impecable, encontramos el disco de 10 pulgadas con las nuevas ocho canciones, llamadas Autumn Bird Songs. Los listados cortos son marca de la casa de Jason Molina, tanto en sus discos en solitario o con banda, quizás se deba al fuerte contenido emocional que encontramos en sus melodías y letras.

Esta nueva entrega no es una excepción, Jason Molina vuelve a hacer lo mejor que sabe hacer en solitario: tocarnos canciones preciosas con su guitarra, sin la ayuda de nada más. Con un sonido parecido a Let Me Go (no solo debido al componente Lo-Fi, no tan pronunciado aquí), pero prescindiendo del piano o de la caja de ritmos, solo escucharemos una acústica y esa portentosa voz a la que la enfermedad no le ha restado nada.

Molina se sabe poseedor de una sabiduría musical, continuador de una tradición que conoce y que lleva en sus cuerdas vocales, donde se encuentran el Blues, Folk y Country. Aquí no es menos, en sus (por lo general) cortas canciones, Autumn Bird Songs nos lleva a la música de raíces norteamericana, escuchamos los lamentos y las tristes melodías que se quedan con nosotros para siempre, y encontramos referencias a trabajos anteriores del músico (“Owl and Raven” recuerda no solo en el título a “Alone with the Owl“). Y esto último es quizás lo más interesante de este disco: no es una ruptura, Jason Molina no se ha salido de su camino, su honestidad sigue presente y sigue escribiendo y cantando como si nada hubiera pasado, con valentía y con una obra coherente con el resto de sus trabajos.

Escucha: Jason Molina /// No Hand Was At the Wheel