Author Archives: Fo

My Morning Jacket @ Auditorio BlackBerry

Octubre 15, 2012

mmmj1
mmmj2
mmmj3
mmmj4
mmmj5
mmmj6
mmmj7
mmmj8

Por: Fo (Flickr /// soundplusvision.tumblr.com) /// Fotos:BigIdeas (OzCorp)

Ver algún acto musical en vivo puede ser una experiencia decepcionante o satisfactoria. Al verlos en un festival, sobra explicar que deben ser concretos y convivir poco con el público, lo cual limita la interacción, la improvisación y sobre todo, la libertad en el escenario. El mejor momento para comprender la capacidad en vivo de un conjunto es cuando cierran un festival o durante un concierto que protagonizan. Tras la proliferación de shows nacionales e internacionales, pocos son los que dejan una sensación de noche memorable; es esta misma razón la que hace que pensemos ¡qué fino y refrescante es ver a My Morning Jacket fuera de un festival!

El show del 12 de octubre en el Auditorio Blackberry, evento en el que la revista Warp festejaba su sexto aniversario, no pudo ser mejor preámbulo para el Festival Corona Capital, donde el quinteto también se presentaría. Sin embargo, sin las presiones de un itinerario, My Morning Jacket ejemplificó el cómo las bandas deben ofrecer un concierto: Guitarras poderosas, arpegios acústicos, metronómicas percusiones, incansables jammeos, un conmovedor saxofón, un oso de peluche con poncho rojo y otro dorado listo para ser alzado al final de la presentación, fueron solo algunas de las características que Jim James terminó de colorear a cada entonación.

MMJ no es el tipo de banda que viene a cumplir con un concierto; es el grupo que hace que hasta el último centavo invertido para el concierto valga la pena. En seis álbumes, muchos otros eligen tocar por una o dos horas cuando mucho; pero ellos no. Tocaron por dos horas y media y aunque parezca increíble, dejaron a la gente con ganas de más. Desde los éxitos recientes como “Outta My System”, “Evil Urges”, “Holdin’ On To Black Metal” o “I’m Amazed”, el quinteto ya cumplía con un buen show, pero lo mejor fue cuando sonaron las improvisaciones. La energética guitarra de James y Carl Broemel en “Lay Low”, la desesperación con la que “Run Thru” provocaba gestos de agonía y la eterna –pero INCREÍBLE- versión de “Dondante” extendida por veinte minutos, eran como una suspensión en el tiempo (probablemente en algún tipo de paraíso físico). Además de esas exitosas versiones en vivo, también sonaron favoritas en sus álbumes como “It Beats For You”, “The Way That He Sings”, “The Day is Coming” y el cierre: el poder de “One Big Holiday”.

Aunque agradecieron mucho al público la paciencia para verlos después de su primera presentación en México (2008 en el Zero Fest), se mostraron felices en el escenario. Cinco músicos en perfecta cohesión y placer absoluto; es un grupo que disfruta su trabajo y que ama compartirlo. MMJ limitó su show a dos horas y media, pero de quererlo, pudieron tocar por cuatro horas entre jams, canciones de culto y hasta reversiones a clásicos como el que alguna vez grabaron de “Take My Breath Away” (Si, el clásico cursi de Berlin en la película ochentera Top Gun).

Tal vez todos los que debíamos dormir temprano para ir al Corona Capital llegamos desvelados y cansados al día siguiente, pero escuchar un show como el del pasado viernes ameritan el desgaste. Muchos actos de nombres inflados hacen más ruido, venden más y hasta regresan más rápido, pero deben aprender de conjuntos como My Morning Jacket el arte de realizar un concierto. No se trató de la entrega, se trata de saber porqué la música une a tantas personas en un solo lugar y el porqué esta labor se debe hacer bien. Por eso, es digno repetir ¡qué fino y refrescante es ver a My Morning Jacket fuera de un festival!

Escucha a Fo los lunes a media noche en Ibero 90.9.

Ver: My Morning Jacket /// Unstaged

DJ Shadow @ Centro de Espectáculos Premier

Noviembre 1, 2011

djshadow3
djshadow2
djshadow4
djshadow6
djshadow7
djshadow1

Por: Fo (Flickr /// soundplusvision.tumblr.com) /// Fotos:BigIdeas (OzCorp)

DJ Shadow se presentó el pasado 29 de octubre en el Centro de Espectáculos Premiere, ubicado en la frontera entre el Estado de México y el Distrito Federal. Su aparición estaba rodeada de los clásicos obstáculos que involucran la dificultad para que el transporte público pueda acercarse al lugar, las obras que cierran la avenida principal más cercana y la poca amistosa vialidad que caracteriza la zona. Este sitio no se distingue por contar con el mejor sonido, pues la arquitectura con que fue diseñado no ayuda a que el sonido sea claro. Si a eso agregamos que salió al escenario hasta las 0:30 del día siguiente, su acto no parecía augurar mayor éxito; afortunadamente, hizo que todas estas vicisitudes fueran olvidadas tan pronto se subió a la Shadowsphere.

Desde que puso pie en la tarima y dijo el preludio para su show, Josh Davis advirtió al público que no escucharían los éxitos que un DJ convencional pone en su set para que la gente se emocione. Aclaró que la música que pondría sería suya y que haría lo mejor para que los asistentes disfrutaran por la siguiente hora y media. Notó que en el público algunos llevaban sus álbumes en vinil y les dijo que al final los firmaría; subió a la esfera y comenzó el espectáculo.

La Shadowsphere es –como su nombre indica- una esfera que cuenta con proyectores colocados a su alrededor, y muestran imágenes asociadas tanto al ritmo de la canción que ejecuta. Tras ella, hay una pantalla en la que aparecen ilustraciones que complementan la experiencia y ayuda a generar la sensación de espacio. Su tuvo una introducción musical para comprender lo que ocurriría durante el concierto e inició en forma con “Building Steam With a Grain of Salt”. Aunque ninguna de sus canciones tuvo la particularidad de aparecer completa, los segmentos que sonaban de las que se reconocían arrancaron gritos del público en numerosas ocasiones. “Walkie Talkie”, “This Time” y “I Gotta Rokk” hicieron bailar a los asistentes; sin embargo, en ciertos momentos cedían a la reflexión y comprensión visual de las imágenes en la esfera que acompañaban los sonidos oscuros que distinguen el trabajo de Davis.

Al inicio de la presentación, él no aparecía ante el público más que con algunas proyecciones que mostraban el interior de la Shadowsphere. Tiempo después, giró esta para que apareciera ante el público y mostrara su talento frente a las tornamesas y para sorpresa de algunos, en percusiones. La iluminación del lugar permitía que DJ Shadow honrara su alias y daban preferencia a los visuales que le acompañaban. Como bien dicta su estilo, los momentos clave en esta actuación aparecieron cuando mezclaba tracks como “You Can’t Go Home Again”, “I’ve Been Trying”, “Blood on the Motorway” o “What Does Your Soul Look Like”; aunque los momentos clave ocurrieron al sonar “Six Days” y la que cerró el show “Organ Donor”. Cabe resaltar que “Redeemed” marcó un extraordinario intermedio con las imágenes de los suburbios norteamericanos al amanecer y la historia narrada a partir de esta imagen, así como “Sad and Lonely” para marcar el momento más reflexico en el concierto. Al final, sonó “(Not So) Sad and Lonely” para soltar los créditos del concierto a modo de película y que Josh se despidiera de los asistentes, no sin antes firmar los viniles del público como prometió al principio. Con nostalgia en los créditos, una canción melancólica y un público satisfecho finalizó la presentación del DJ de San Francisco.

Josh Davis mostró ante un público fiel y expectante, que no se necesita de una banda completa para destacar en un escenario; sólo hace falta hacer bien lo que uno sabe. Aunque fue apoyado por un excelente proyecto visual, él fue quien gestó la idea de circunferencia que, convirtió por un momento, un foro complicado en una esfera que nos transportaba a diferentes escenarios. Su presentación fue exitosa y aunque estuvo llena de fieles, los que fueron por morbo o sin conocerlo, ahora tendrán la curiosidad de conocer por qué este DJ, tal y como él dijera, no es un tornamesista cualquiera.

5 breves de The Horrors

Octubre 9, 2011

thehorrors2011

Por: Fo (Flickr /// soundplusvision.tumblr.com) /// Foto: Neil Krug

Recientemente, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Tom Cowan, bajista y tecladista de la banda británica The Horrors. En esta breve sesión, Tom nos contó en forma muy concreta sobre la música que la banda escuchó para crear Skying, técnicas de expresión artística y hasta cómo prefiere escuchar la música. A continuación, las preguntas, respuestas y traducciones de nuestra comunicación con Tom Cowan.

Recuerdo una entrevista hace un tiempo, previa a su última visita a México, donde Faris contaba que The Horrors siempre persiguen un sonido diferente y Skying claramente lo logra en todo modo posible. También leímos que Faris enseñó a Rachel Zeffira el trabajo de Phil Spector con la música de las Ronettes en los sesentas. ¿Qué fue lo que la banda escuchó durante las sesiones de Skying?
Todo tipo de música. Escuchamos mucho de los Beatles, Harmonia y Brian Eno por mencionar algunos. Escuchamos mucha música… mucha. Habremos pasado por cerca de cien álbumes durante ese período.

Cuando escuchan música, ¿qué artefacto prefieren para reproducirla? Una tornamesa, iPod o reproductor de CDs?
No creo que sea muy importante con que escucha (la música) la gente, sino que escuchen buena música. Personalmente, prefiero escuchar mucha música en mi computadora o en mi tornamesa. Odio los CDs. No me parece que sean buenos.

¿Cuál es la canción perfecta para tocar a la medianoche?
“Your Love” de Frankie Knuckles. Nada le gana a eso.

¿Siguen haciendo los fanzines que lanzan de acuerdo a sus álbumes?
No en realidad, aunque planeamos trabajar de vuelta en eso. Planeamos algo especial para nuestros fans, aunque será hasta el próximo año.

Ustedes son el tipo de músicos que realmente merecen el título de “artistas” y no parecen mostrar algún tipo de límite para expresarse. ¿Hay alguna técnica –nueva o vieja- que les gustaría intentar?
Hay técnicas de sonido y creación que me gustaría intentar. La música generativa me interesa mucho.

ENGLISH VERSION

I remember an interview a while ago prior to your last visit to Mexico City. Faris told me The Horrors always pursue for a different sound and Skying clearly achieved it in every possible way. We also read that Faris’ taught Rachel Zeffira Phil Spector’s work behind the Ronettes’ music in the sixties. What did The Horrors play during the Skying sessions?
All kinds of stuff. We were listening to a lot of Beatles, Harmonia, Brian Eno to name but a few. We listen to a lot of music lots, we must have gone through 100 albums between us during that period.

When playing music, what do you rather? A phono player (turntable), iPod or cd player?
I don’t think it’s important really what people listen to music with, just that they listen to good music. I personally listen to a lot of music on my computer or on my turntable. I hate CDs though, I really don’t think they’re very good at all.

What’s the perfect song to play at midnight? (Yours and someone else’s).
Frankie Knuckles – Your Love. Nothing beats that.

Are you still running the fanzines of your albums?
Not really, although we’re planning on getting back into that. We’re planning something special for our fans to come next year though.

You’re the kind of musicians that truly deserve the title as “artists” and you don’t seem to find any sort of boundary to express yourselves. Is there any technique -new or old- you would like to try?
There are techniques of sound and music creation I would like to try. Generative music interests me quite a lot.

Reseña: Radiohead /// The King of Limbs

Febrero 19, 2011

king-of-limbs Radiohead
The King of Limbs
9.2

Radiohead retoma su carrera discográfica con un paso que ya no es sorprendente. Continúa con su tradición iniciada en 2007 al enviar el correo para anunciar la llegada de su nuevo The King of Limbs. A diferencia de aquella ocasión, la banda pone precio a la descarga oficial de la nueva placa y eleva con cierta moderación la edición física de este trabajo al que denomina como “Álbum / Periódico”; incluye largas hojas de arte, 625 piezas del mismo y una pieza plástica de color con calidad “oxo-degradable”. La versión digital llegaría a las direcciones electrónicas de los interesados el 19 de febrero de 2011, aunque ellos mismos deciden leakear el esperado material junto con el sencillo videoclip de la canción “Lotus Flower”. El resto de la historia se relata con mayor intensidad entre los Trending Topics de Twitter y las innumerables reacciones mediáticas.

El regreso de Radiohead es una obra contundente, sincronizada y perfectamente construida, aunque familiar. Sus primeras cinco partes son más elaboradas, densas en escucha y claras en sonido; sin embargo, el cambio ocurrido a partir del melancólico piano acostumbrado en “Codex” trae a la memoria la costumbre de las dos primeras partes en la trilogía de Berlin de David Bowie (los álbumes Low, Heroes y Lodger) al separar los tracks rítmicos de la primera mitad para alcanzar una reacción más reflexiva y relajada para su segunda sección.

Aparecen las canciones inspiradas bajo la electrónica inteligente al estilo Aphex Twin, Flying Lotus y Squarepusher (“Feral”), la influencia clásica del jazz (“Bloom”) y los memorables dejos de Kraut (“Morning Mr. Magpie” y “Lotus Flower”) que hemos reconocido previamente en Kid A y Hail to the Thief. Algunas de las canciones como “Give Up the Ghost” y “Separator” denotan una estructura en capas que poco a poco se conjuntan como piezas de Lego que embonan a la perfección. La voz de Thom Yorke sigue como uno de los ingredientes esenciales, cuyo liderazgo melódico rompe con las sólidas edificaciones instrumentales que predominan en el octavo esfuerzo discográfico de los de Oxford.

Desde un nivel emocional, Radiohead se olvida de las manifestaciones de hastío gubernamental y se relajan para disfrutar un planeta que anticipa su inevitable cambio de orden. Letras como la ya mencionada “Give Up The Ghost” denotan la madurez que exige el dejar las molestias del pasado detrás y (lo que nosotros interpretaríamos como) “dejar de cargar la cruz”, para rescatar vivir en un planeta de conciencia biodegradable. El quinteto se deja de las poses y acepta su destino con –hasta ahora- ocho ilustraciones inteligentes, cuya explicación visual conoceremos hasta después del 9 de mayo, fecha en que enviarán las versiones físicas de The King of Limbs.

Una de las características que más se agradecen en las producciones de los de Oxford es la necesidad de reinventarse continuamente. Aunque no es un sonido ajeno a nuestros oídos, esta producción preserva la imperiosa necesidad de revisarse en más de una ocasión para comprender su contenido, pues desmenuzar cada uno de los detalles que la distinguen es una de sus virtudes. The King of Limbs no presume ser la cumbre en su historial discográfico, pero si la obra en que Radiohead consolida su estatus como la banda más trascendente de las últimas dos décadas.

Video: Radiohead /// Lotus Flower

UNKLE @ Circo Volador

Noviembre 3, 2010

UNKLE

unkle-1

unkle-2

unkle-3

unkle-4

unkle-5

unkle-6

unkle-7

Sleepy Sun
sleepysun-1

sleepysun-2

sleepysun-3

sleepysun-4

sleepysun-5

Fotos y texto: Fo (Flickr /// soundplusvision.tumblr.com)

Entre el exceso de conciertos que ha distinguido al mes de octubre en los últimos años, 2010 sobresale con actos esperados por muchos años (Pixies, Air, Belle and Sebastian o Arcade Fire), conciertos imperdibles (Broken Social Scene, CocoRosie) y hasta un festival de enormes proporciones (Corona Capital). Incluso, el último día de este mes había un par de conciertos entre los cuales elegir: Señor Coconut y UNKLE. Sin el afán de discriminar a Uwe Schmidt –quien ya había visitado la Ciudad de México-, y con la obvia referencia al título, los británicos despertaron gran interés y se convirtieron en la opción natural para cerrar un mes de conciertos inolvidable.

Para sorpresa y desinformación de algunos, el conjunto de Oxford contaba con un acto abridor que incluso colaboró con ellos para la realización de su disco Where Did the Night Fall: Sleepy Sun; la misma banda que vio frustrada su presentación en suelo mexicano cuando ocuparon el mismo rol durante el concierto de Arctic Monkeys en abril pasado. En esta ocasión los californianos si se presentaron e hicieron gala de un sonido stoner, plagado de cambios de ritmo y guitarras predominantes. Aunque empezaron su acto con nerviosismo, inmediatamente lo superaron y se soltaron ante el público sorprendido por tal entrega en el escenario. Pese a su corta carrera, Sleepy Sun despertó mucho interés y mostró suficiente calidad para iniciar una noche rodeada por el halo peculiar que envuelve al Circo Volador.

Después brincó al escenario el estelar de la noche: James Lavelle bajo su alias UNKLE. Apoyado por músicos en guitarra, voz, bajo y percusión, el artista británico empezó su actuación con una introducción instrumental que rompió al continuar con los primeros acordes de “The Answer”. A partir de ese momento, el outfit en el escenario conectó con la audiencia y se mantendrían así por la hora y media que duró el concierto.

Desde que la banda puso pie en el escenario, observó un panorama eufórico y emocionado al que sabían que no les podían quedar mal. El mismo Lavelle se colocó frente a uno de los pedestales al inicio del concierto instigando a la gente a brincar y a dejarse llevar por la música. Esa sensación lo maravilló a lo largo de toda su presentación y hasta lo hizo manifiesto en las pocas ocasiones en que tomó el micrófono para agradecer al público –con limitadas frases en español y constantes brincos en el escenario-. Se trató de un concierto donde el entorno producido por la música asumía su naturaleza oscura, las luces turnaron su color entre los predominantes rojo y azul y la intensidad no cesó incluso varios minutos después de que terminara el evento.

La selección de canciones parecía no ser desconocida para los asistentes. Desde el repertorio de su última placa hasta la revisión de algunas canciones trascendentes en la historia del proyecto, UNKLE se interesó en mostrar sus cualidades musicales más que una lista de los grandes éxitos y eso no contuvo las emociones de la audiencia. Si acaso, la parte más reprochable fue reducir el contenido del aclamado Psyence Fiction a una canción hacia el final del concierto; sin embargo, tal situación es comprensible si nos remontamos a los momentos donde Lavelle promocionaba este álbum –ya sin DJ Shadow- y requería de cinco tornamesistas en vivo para poder realizar adecuadamente cada composición.

Una de las interrogantes previas al evento era saber que ocurriría con las voces invitadas en las grabaciones de UNKLE; dicha cuestión fue aclarada cuando Gavin Clark, quien aparece en un par de ocasiones en su último LP, tomó el micrófono y cantó sus primeras líneas. Él mismo fue la voz en la mayor parte de las canciones que la banda presentó durante el show. En otras, Lavelle tomó el control y recurrió a las grabaciones de la voz original para respetar la fuerza de la versión en estudio. Tal fue el caso de, “Burn My Shadow” –canción originalmente interpretada por Ian Astbury (The Cult), y otros éxitos representativos como “Reign” y “Restless” –con las obvias ausencias de Ian Brown y Josh Homme (Queens of the Stone Age) respectivamente-; sin embargo, el poder y la contundencia en el escenario bastaron para hacer que dichas carencias pasaran desapercibidas… con sus debidas proporciones, por supuesto.

Aparte de las ya mencionadas, otras muy aclamadas fueron “Natural Selection”, “Ablivion” –con la voz del mismo James- y “Eye for an Eye”, misma que dio paso al acostumbrado encore. Al regreso, ejecutaron “Heaven”, “Lonely Soul” e “In a State”, la canción que cerró la noche en el Circo Volador. Pese al clamor de la gente por más, Lavelle salió y pidió una disculpa pues no saldrían a tocar más. A los pocos minutos y con ligera decepción, los asistentes abandonaron el recinto.

Aunque las críticas del público eran mezcladas, se distinguía la sensación de un buen concierto. UNKLE no sólo despertó la necesidad por más canciones, sino que también invitó a que su material discográfico fuera escuchado con mayor detenimiento y apreciación. El cierre para este caro y gastado mes de octubre valió la pena, pero es también la promesa de que esta calidad se debe mantener y sobre todo, que respetará a su protagonista esencial: el público.

Setlist
Intro
The Answer
Burn My Shadow
Chemistry
Natural Selection
Reign
Restless
Ever Rest
The Runaway
Keys To The Kingdom
Glow
Ablivion
Eye For An Eye
Encore:
Heaven
Lonely Soul
In A State

Reseña: Chikita Violenta /// TRE3S

Septiembre 6, 2010

chikitaviolentatre3s Chikita Violenta
TRE3S
Arts & Crafts México
8.7

Chikita Violenta lanzó TRE3S, su tercer estudio después de casi tres años de silencio discográfico. Se trata de once canciones nuevas que se pasean por cantidad de géneros e influencias para lograr como resultado un material diferente e interesante. El conjunto capitalino muestra en su nuevo material que tiene un gran talento en cuanto a la creación musical, y que va más allá de su espíritu emprendedor y el entusiasmo por apoyar una escena musical propositiva; sin embargo, lo más destacable en esta nueva producción es que este trabajo arroja como resultado el verdadero interés de hacer un álbum y no alcanzar la devaluada y mercantilizada condición del ‘rockstar’.

TRE3S cuenta con la producción de Dave Newfeld y las diferentes condiciones de volver a trabajar con él, apoyaron a reinventar el sonido del cuarteto en varios aspectos. Uno de ellos es la inclusión del baterista Zoell Farrugia, quien otorga mayor contundencia en el desarrollo de las canciones. Otro aspecto renovador fueron las diferentes condiciones de grabación, pues la atmósfera de un estudio hace un tanto predecible la realización y que al ser creado desde una iglesia, convirtió al ambiente en un catalizador. Por otro lado, la narrativa del álbum rompe con las melodías fáciles acostumbradas para dar protagonismo a inusuales paisajes instrumentales. Pese a contar con invitados de lujo –cuya lista va desde Broken Social Scene y The Stills hasta el mismo Newfeld-, la presencia de estos no se convirtió en el acostumbrado name drop que hace vender discos, sino un apoyo real para lograr el resultado esperado. La consecuencia de todos estos factores es simplemente inesperada y sorprendente.

El sonido de TRE3S no descubre ningún hilo negro, pero tampoco parece estar interesado en hallarlo. Su oncena melódica no dura más de treinta y cinco minutos que fluyen con agilidad y que requieren de varias escuchas para un juicio adecuado. “Tired”, “ATPG (All The pretty Girls)” y “Supercycle” traen a la memoria los trabajos anteriores de Chikita Violenta, pero la contundencia y poder de “Roni” y “The Pause”, así como los rompimientos de estructura en “España” y “All I Need is a Little More”, o los paisajes instrumentales de “Holiday” y “The Monster (Was Last Seen Approaching the Power Plant)” toman desprevenido al escucha que termina de revisar la placa sin percibir todos los detalles. Se convierte en un bombardeo de posibilidades en las que cada gusto puede encontrar algo que le acomoda, y que al provocar la ansiedad por más, puede quedar a deber; sin embargo, esta debilidad no es más que el resultado natural de un trabajo que genera satisfacción.

TRE3S es una producción arriesgada, aunque por momentos parece ir a lo seguro. Su mayor virtud es la extraordinaria composición, misma que facilita la posibilidad de escucharlo en su totalidad sin adelantar las canciones. Su progresión melódica lo hace amable para todo tipo de público y cuenta con la capacidad para alcanzar a diferentes audiencias en diferentes latitudes. Lamentablemente, también posee diferentes elementos que lo hacen una obra digna de ser apreciada y valorada por oídos ajenos –los que no estigmatizan a una banda de modo gratuito como muchos otros pseudo-especializados hacen-. Es relevante mencionar que no se debe considerar como un álbum experimental, pero tampoco es un estilo convencional que merezca ser encasillado en calificativos de pretencioso o replicante.

Para Chikita Violenta, el mayor reto no era lanzar el álbum y lograr una crítica positiva, sino poder presentarlo con el mismo interés que se despierta al escucharlo en algún reproductor. Por ahora, se aproximan varias presentaciones locales, así como una gira internacional como apoyo de diferentes representantes del sello que les cobija (Arts & Crafts). Por ahora, TRE3S se presenta como uno de los trabajos nacionales más destacables en lo que va de 2010 y es símbolo de madurez en el estilo de la banda. Esperemos que sea también la promesa de que esta banda realice grandes álbumes con propuesta para el futuro de su carrera y el malestar de sus detractores.

Reseña: The Roots /// How I Got Over

Agosto 11, 2010

theroots-howigotover The Roots
How I Got Over
Def Jam Records
8.5

The Roots tiene la virtud de enseñar la música negra con un orgullo digno de reconocer por los creadores del jazz, blues, soul y todos los géneros que la raza blanca ha hecho populares. El septeto había anunciado su abandono de las producciones discográficas y se convirtió en el outfit de cabecera para un show de TV nocturna en Estados Unidos. Afortunadamente, regresaron para realizar un álbum de extraordinaria manufactura y clase mundial.

How I Got Over es la producción 2010 de los de Filadelfia y desde los primeros segundos de su primer track (“A Peace of Light”) logra enganchar al escucha con sus elegantes grooves. El flow implementado la mayoría de sus catorce tracks expone un escaparate de estilos que mezcla rimas atinadas con spoken word contundente y sampleos de acertada selección. El estilo del conjunto no se aleja mucho de su costumbre hip hop, soul y jazz, pero como ya es costumbre en The Roots, rompe con los estereotipos de incluir géneros que denotarían supuesta antonimia musical.

Como bien hicieron en un pasado al incluir fragmentos del trabajo de Radiohead o Cody Chesnutt, “Los Legendarios” invitaron a colaborar a los Dirty Projectors, y Joanna Newsom -particularmente un sampleo con su voz en la canción de The Milk-Eyed Mender “The Book of Right-ON”-, así como la finísima participación de Yim Yames de My Morning Jacket -en este caso de los Monsters of Folk- para lograr “Dear God 2.0”, una versión más nocturna de la original del supergrupo. Otras colaboraciones más apropiadas al estilo afroamericano de este grupo incluyen a John Legend, Dice Raw, Peedi Peedi y P.O.R.N., entre muchos otros nombres.

La duración del álbum es corta -cuarenta y dos minutos y medio aproximadamente-, pero deleita a sus escuchas desde la primera hasta la última de sus canciones. El liderazgo de ?uestlove hace de How I Got Over una de las producciones más sobresalientes del año no sólo por sus percusiones de precisión cronométrica, sino por el contenido lírico en el álbum. La temática existencial, política y el espíritu combativo de su raza hacen meditar sobre los tantos vaivenes de la cuestionable modernidad (“Why is the world ugly when you made it in your image? / And why is livin’ life such a fight to the finish?” -”¿Porqué el mundo feo si lo hiciste a tu semejanza? / ¿Y porqué vivir la vida es una pelea hasta el final?”- “Dear God 2.0”).

Lamentablemente su producción tiene la maldición del estereotipo y a veces lo fino no califica ante los oídos del adicto a las luces y la brillantina. Aunque es un extraordinario trabajo, no descubre algún hilo negro en la música ni despertará el interés de las masas ajenas a la melomanía o al hip hop. Para los interesados, es un trabajo que disfrutarán incansablemente. The Roots entregó una de las mejores producciones en sus más de veinte años de carrera y es casi tan sobresaliente como sus presentaciones en vivo. Es una pena que se estén dedicando a ser la banda de planta en “El Show de Jimmy Fallon”, porque cuando crean música logran la ansiada perfección de la que pocas bandas se pueden jactar.

soundplusvision.tumblr.com

Video: The Roots /// The Fire

Chikita Violeta + Capo @ El Imperial

Abril 10, 2010

Chikita Violenta

chikitaviolentaimp1

chikitaviolentaimp2

chikitaviolentaimp3

chikitaviolentaimp4

chikitaviolentaimp5

Capo

capo1

capo4

Fotos: BigIdeas (OzCorp)

Chikita Violenta regresó a los escenarios después de un largo espacio período dedicado a proyectos empresariales y la grabación de su esperado nuevo material discográfico. Fue una noche especial donde un par de los integrantes de la banda –Armando David y Zöell Farrugia- festejaron su cumpleaños y compartieron con los asistentes algunas canciones nuevas de su producción venidera. Si bien son catalogados como una banda que sigue con fidelidad los lineamientos musicales de Broken Social Scene, Chikita se desprendió de esa etiqueta con este nuevo trabajo y modifica el sonido con el que usualmente los conocimos.

Pese a su limitado espacio, el escenario de El Imperial nunca ha sido impedimento para que las bandas que se presentan realicen gran despliegue de su talento; pero esta ocasión parecía ser demasiado reducido para las aptitudes que mostró el quinteto. Baterías reforzadas y mucho más notorias, guitarras distorsionadas y reverberantes, además de los cantos sigilosos de Luis Arce y Andrés “El Wero” Velasco, dejaron en claro que el sonido de Chikita Violenta tiene suficiente propuesta para sorprender. Las indispensables en su repertorio –“Laydown” y “War”- sonaron bien, pero se vieron opacadas por la fuerza que promete su próximo estudio.

Esta presentación fue en el marco de una “Fiesta Esencia” de la revista Marvin, donde además de Chikita Violenta, se presentó Capo como acto abridor, el cual tuvo un sonido muy similar a Zoé.

Fiel a su costumbre,El Imperial llenó su cupo pese a que dicho festejo y resultó un pretexto ideal para llegar al trabajo o escuela con desvelo, pero con la sonrisa orgullosa de las noches largas.

Massive Attack @ Auditorio Nacional

Febrero 23, 2010

massiveattackmex1

massiveattackmex2

massiveattackmex3

massiveattackmex4

massiveattackmex5

Fotos: Fernando Aceves // OCESA

El dueto de Bristol demostró su trascendencia y poder musical con un set cargado de oscuridad, impacto visual y auditivo; pero sobre todo, con una clara muestra de perfeccionismo ejecutado en vivo.

Martina Topley-Bird inició el trance de la noche con “Phoenix”. Desde ese momento, el suave canto de Martina envolvió la atmósfera para llevarnos de la mano por una noche impredecible. Su set comprendió versiones semiacústicas de “Sandpaper Kisses”, “Lying” y “Poison” ante un público respetuoso y expectante; sin embargo, “Too Tough” –canción con la que cerró su actuación- delató la potencia que nos hipnotizó el resto de la noche. La sencillez de la cantante se hizo notar cuando avisó a los asistentes que podrían verla al finalizar su presentación en los puestos de merchandise donde podrían comprar el disco para que después lo firmara.

Tras el respectivo tiempo de transición entre un acto y otro, se apagaron las luces. La banda ocupó los puestos: dos baterías a los costados, guitarras, bajo y un puesto al frente con teclados y micrófonos donde Robert Del Naja (3D) apareció con los primeros acordes de “United Snakes”. Desde ese instante las percusiones advirtieron que el sonido sería perfecto.

La selección de canciones fue principalmente enfocada a Mezzanine y a Heligoland (por obvias razones de promoción). Los visuales fueron impactantes, con leyendas constantes de crítica social y colores que hacían comprender las metáforas en el uso de verde y rojo. Massive Attack trajo a tres de sus voces más distintivas para interpretar sus diferentes éxitos: Martina Topley-Bird, Shara Nelson (para sorpresa de los asistentes) y el icónico Horace Andy con su peculiar estilo.

Demostraron ser un conjunto que se preocupa por marcar a sus escuchas. Desde “Risingson” llegaron estas imágenes de crítica social a los movimientos militares en países de medio oriente; las dispares cifras del consumo gubernamental en el mundo comparada con el tercer mundo en “Girl I Love You” –con la primera aparición de Horace Andy- y la angustiosa sensación de desamparo durante “Psyche” con Martina en la voz. En “Future Proof” mostraron que las versiones serían más extensas acompañadas de guitarras poderosas y envolventes, mientras que Topley-Bird hacía gala de un estreno hipnotizante en “Invade Me”.

Desde ese instante, la banda ya tenía al público en sus manos; pero terminó de consolidarlo al empezar con la oscura versión en vivo de “Teardrop”. La ternura de este himno fue oscurecida con la voz desnuda de Martina y una instrumentación sutil, pero tan conmovedora como para derramar una lágrima de melancolía entre admiración y estupor. A partir de ese momento llegó la avalancha con los más grandes éxitos del outfit de Bristol.

“Mezzanine” nos trasladó a los países con mayor índice de esclavitud política con tintes rojos en las pantallas, mismas que relataban las experiencias de aquellos desafortunados. “Angel” nos sumergió en la perversión más profunda de una balada de intención sensible. El primero instante de Blue Lines apareció con una versión extendida de “Safe From Harm” –cuyo final abrupto fue rematado con un aplauso interminable de satisfacción-. El estilo susurrado de Robert Del Naja hizo que “Inertia Creeps” nos llevara a un clímax de intensidad reprimida por los definidos lugares del venue, pero que no podía ser más que sublime. Así fue como tomaron el descanso del tradicional encore.

Regresaron al escenario con “Splitting the Atom” en este rendez-vous entre la profunda voz de Grant Marshall (Daddy G), Del Naja y Horace Andy, cuyo final con una trompeta invitada le dio un final sopresivo y extraordinario. En ese momento, Daddy G tomó el lugar al frente del escenario supliendo a 3D para “Unfinished Sympathy”; una de las canciones más perfectas en la historia sólo podía ser perfeccionada en el Auditorio con el poder vocal de Shara Nelson y cuyo escalofrío prolongado (a nivel personal) no podía entender mayor admiración. “Atlas Air” fue ilustrada con imágenes alusivas a los itinerarios de aeropuerto en verde, que al tornar a rojo mostraban trayectorias bélicas de misiles mientras la potencia de la canción aceleraba el ritmo cardiaco. El cierre del concierto fue la versión más impresionante de “Karmacoma”; las reconocidas percusiones, el silencio instrumental a la mitad de la canción y nuevamente, el final con trompetas enmarcó una noche auditivamente perfecta.

Massive Attack nos demostró que no se necesita seguir fórmulas pop para alcanzar el reconocimiento público ni la adoración comercial. Un show valiente, con temas políticos y hasta cuestionamientos a la libertad mexicana en año de Bicentenario de la Independencia y Centenario de la Revolución. Nos dejan un par de moralejas: la primera apela a la calidad de los conciertos que presenciamos por amor y nos vemos obligados a relegar el sonido o los visuales; la segunda es a conocer nuestro entorno y hacerlo accesible para todos… después de todo, sus visuales estaban traducidos al español para que todo su público los comprendiera.

Setlist
United Snakes
Babel
Risingson
Girl I Love You
Psyche
Future Proof
Invade Me
Teardrop
Mezzanine
Angel
Safe From Harm
Inertia Creeps

Encore:
Splitting The Atom
Unfinished Sympathy
Atlas Air
Karmacoma

Lo mejor de los 2000s /// Revivals

Noviembre 13, 2009

revivals

Por: Rodrigo Fdez de la Garza (Fo)

La música nueva no es original; todo es el refrito del refrito del refrito y se necesita tomar la influencia más olvidada para merecer ser escuchado. El más original es el que mejor sabe reinventar una tendencia y tiene el gusto de fundirlo con alguna otra influencia. La creatividad musical parece reducirse a las tendencias que dictan las bandas que el festival de Coachella regresa a la vida; sin embargo, esta carencia inventiva nos ha llevado a respetar más a los clásicos y nos ayuda a revalorar a los que ni en su tiempo fueron apreciados.

Los que no tuvimos la fortuna de ver a Joy Division –porque acabábamos de nacer cuando Ian Curtis se suicidó-, tuvimos una segunda oportunidad cuando New Order volvió a los escenarios. Presenciar la coreografía de cuatro robots en medio de luces neón nos hizo comprender porque Kraftwerk fue la influencia básica para la música electrónica; mientras que la cálida voz de Dylan nos recordó porque los grandes no necesitan de un gran espectáculo para sobresalir. Esta primera década en el milenio trajo el resurgimiento de varios sonidos que teníamos olvidados por evolución, vergüenza o desconocimiento y por ello, en Me Hace Ruido decidimos hacer un conteo para reconocerlo; estos son los 12 Revivals Más Importantes de la Década:

2000smia

12. Favela Funk
Un sonido sucio, rítmico y pecaminoso que es tan aplaudido como criticado. Polémico como el reggaetón, el favela funk tomó por sorpresa los oídos de esta ecléctica década y recibió acogimiento del hipster de colores fluorescentes. Grupos como Cansei de Ser Sexy, Bonde Do Role, Major Lazer –y hasta M.I.A.- nos hicieron bailar sin represión y despertaron los instintos con sus provocativos bailes.

2000sscissorssisters

11. Disco
La música disco elevó su estatus de “canción de boda” para incluirse en la selección obligada de cualquier selector en clubs. La cuestionable reputación de este género fue complementada con elementos rock, electro y pop hasta ser revalorada en algo digno de apreciarse. Scissor Sisters, Of Montreal y Hercules and Love Affair llenaron de color las pistas de baile e hicieron que hasta los homofóbicos sacaran bailes extravagantes reprimidos en su apariencia de macho.

2000sstoneroses

10. Madchester
Diluido entre ritmos bailables proliferantes, 24 Hour Party People nos recordó la pasión y el exceso de escuchar a los Happy Mondays o los Stone Roses. Kasabian, Datarock y hasta The Rapture no replicaron esta influencia, pero hicieron de la pista de baile una congregación con ideología contestataria.

2000sradiohead

9. Kraut Rock
Una capa, sobre otra capa, sobre otra capa… la eterna búsqueda del sonido perfecto atizado con bajos pronunciados y duraciones sin cuestionar. El estilo musical con mayor intelecto, gusto y desafío debía ser reintentado por los nombres básicos en la década como Radiohead, Wilco y hasta Sonic Youth. El estilo del que pocos se atrevían a hablar, ahora es el sonido meta de Deerhunter, Fujiya & Miyagi o LCD Soundsystem.

2000samywinehouse

8. Sonido Motown
El pop vocal femenino no solo se resguardó en estos diez años tras los nombres de Britney Spears, Christina Aguilera o la misma Madonna. Sin caer en exageradas comparaciones con Aretha Franklin o Diana Ross, la aparición de la polémica Amy Winehouse, la delicada Feist o –simplemente- The Greatest de Cat Power, llenaron de elegancia y talento las rockolas digitales en esta época. Fiona Apple se habrá esfumado de la esfera comercial, pero su antítesis de la perfección cincuentera trascendió en un pop rebelde y lleno de personalidad.

2000ssufjanstevens

7. Pop Psicodélico
Brian Wilson regreso durante la mitad de la década para cerrar el ciclo que dejo abierto desde el ’66 con Smile –la continuación de Pet Sounds-. Se topó con los impresionantes arreglos de un Sufjan Stevens, las visiones infantiles de Joanna Newsom y la elevada evolución del estilo al que dio origen cuando escuchó a Animal Collective. Aunque brillante en todas sus facetas, Smile pasó un tanto desapercibido pues sus sus seguidores habían superado su legado antes de aparecer.

2000sjackwhite

6. Blues Rock
Los atascones de guitarras llenas de virtuosismo ilustraron a todos los que se acostumbraron a los bares lounge y martinis de cuarta. Gracias a Jack White, Wolfmother y los Black Keys tuvimos regresos de Led Zeppelin y The Who, para impartir lecciones de explosividad en el escenario. Los nostálgicos y puristas los avalan.

2000stvontheradio

5. Shoegaze
La distorsión, baja fidelidad y reverberaciones excesivas del shoegaze no sólo regresaron con el resurgimiento de My Bloody Valentine o The Jesus and Mary Chain. Incontables nombres de post rock –que van desde Mogwai hasta Austin TV- se han valido de este recurso para dar forma a sus creaciones. Fue la segunda mitad de la década la que nos dejó escuchar este sonido barrido en TV on the Radio, The Pains of Being Pure at Heart, The Horrors y hasta The Magnetic Fields, sólo por mencionar algunos nombres que respaldaron la existencia y revisita de esta tendencia.

2000sarcticmonkeys

4. Garage Punk
Esta década vio la caída de dos grandes nombres en la historia del punk: Joey Ramone y Joe Strummer. Sus muertes no sólo nos trajeron innumerables reediciones de sus materiales, también apareció una gran cantidad de seguidores e imitadores de su ideología DIY. The Libertines, Arctic Monkeys, Kaiser Chiefs y hasta el regreso de Green Day o Rancid tuvieron un paso exitoso gracias a reformular este básico estilo, aunque carecieron de su facultad más importante: la esencia.

2000sdevendrabanhart

3. Folk
El 9/11 hizo recapacitar a la juventud en 2001, hasta recuperar su primitiva necesidad por apreciar la naturaleza y la sencillez de la vida. Esta década se convirtió en el escaparate ideal para todos los que inspirados en Dylan, Cash o Nick Drake y no encontraban salida para honrar su legado. Las diferentes versiones del género –country, rock, freak, etc.- fueron el pretexto ideal para que Devendra Banhart, Kings of Convenience o My Morning Jacket dejaran la etiqueta indie y fueran firmados por disqueras grandes; aunque las causas eran el mejor pretexto para componer música folk, el calentamiento global y Greenpeace no tienen la culpa de regresar a los abraza-árboles a las calles.

2000sdaftpunk

2. Synth-Pop Ochentero
Un sintetizador más y sería ridículo… tanto como el regreso de los colores neón en la vestimenta. Una de las máximas futuristas en la década –Discovery de Daft Punk- dinamitó la dependencia hacia la pista de baile y se mezcló con la necesidad de verse en la oscuridad. Tal vez Kanye West tiene la culpa de regresar los lentes menos funcionales a los outfits hipsters, pero Phoenix redimensionó el legado de Hall & Oates y recordamos porqué New Order o Depeche Mode siguen con vigencia.

2000sjoydivision

1. Post Punk
El sonido más repetido a lo largo de esta década fue un constante bajo recargado en notas pesadas y tendencia bailable. Las añoranzas diluidas por Joy Division, Blondie, Talking Heads y The Cure –aunque sin cabelleras extravagantes- inundaron nuestros oídos vía Interpol, The Killers, Gossip, The Stills, Franz Ferdinand, etc. En México, los escuchamos con Los Dynamite, Candy, en casos específicos, hasta Los Fancy Free o Kinky. El regreso del post-punk abrió el camino a la oscuridad maquillada y a los sintetizadores polvosos que se guardaron en 1991 en los armarios.