Fotos: BigIdeas (OzCorp)

En Inglaterra todas las miles de nacientes bandas están buscando ser la próxima sensación (o “the next big thing” como bien decía Dan Le Sac VS Scroobius Pip). En México aún no existe este tipo de cultura, pero si la adaptáramos, Zoé definitivamente ocuparía este lugar. ¿Por qué? Porque son una banda que ha creado su propio sonido evitando mucho de los lugares comunes que todos los de la generación indie caen.

Desde sus primeros días en Cuernavaca han creado una legión de fans que se han ganado a pulso por sus constantes presentaciones. El clímax de esto fue su presentación en el Palacio de los Deportes hace un año, que quedó inmortalizado en el disco 281107. Ahora para seguir en este punto alto, lanzan el disco Reptilectric, una producción en la cual experimentan llevando su sonido a donde no habían imaginado.

En el caso de Zoé, ¿cómo fue el proceso de integración?
León: Creo que como cualquier otro. Nos conocimos casi todos en la prepa en Cuernavaca, menos Rodrigo porque vivía en Monterrey. Ángel tenía su grupo, por otro lado yo tenía otro con Chucho y Sergio, nos llamábamos El Clan, luego tuvimos que cambiar el nombre porque nos enteramos que había uno que se llamaba así.

En casi todo inicio de un grupo hay un periodo de covers…
Sergio: Nosotros nunca tuvimos uno.
L: Sergio y yo siempre nos sentábamos a escribir las canciones.

¿Qué discos son los que tenían como gusto compartido?
S: Nos gustaba mucho The Beatles, pero sin duda la primer banda que nos abrió la puerta musicalmente al hacer algo más sofisticado y contemporáneo fueron The Charlatans, especialmente la canción “Weirdo”, al igual que The Cure y todo lo que fue la escena de Manchester.

En la década de los 90, el rock mexicano tenía muy tatuada el águila en el pecho en el sentido de que debía sonar muy “latino” para encajar en la escena, ¿por qué optaron por un camino distinto?
S: Nunca nos latió la onda del misticismo y los nopales.
L: Queríamos hacer una música que sonara a nivel internacional.
Ángel: Por eso nos gustaba Fobia porque eran los únicos que sonaban distintos a todos.

Supongo que en esa época de aprendizaje fueron a muchos conciertos para aprender cómo una banda se mueve en el escenario
L: En esa época México estaba muy castigado en ese sentido, sólo íbamos a conciertos de Fobia o Caifanes. Creo que hoy en día hay gran faceta para la nueva generación de rockeros ir a ver a grupos que tardaban años en venir.

Normalmente previo a ser masivamente descubiertos, un grupo lanza un EP, o disco corto, ¿cómo fue en el caso de ustedes?
L: Hubo un disco que eran una serie de demos de canciones que luego salieron en nuestro primer disco. Esas grabaciones las vendíamos en nuestros conciertos… Creo que en el Chopo aún consigues copias.
S: Las primeras grabaciones las hicimos en 4Track, en cassette, todavía no teníamos acceso a las computadoras. Teníamos un amigo que le gustaba la grabación y gracias a él y a un tío que es músico tuvimos acceso en grabar en PC, creo que eso fue en nuestra tercera camada de demos.

En las primeras veces que se metían al estudio de grabación, ¿qué diferencia sintieron a comparación de tocar en vivo?
S: Nos aventamos a algo que no conocíamos bien. Decidimos hacer el disco financiado con la lana de un amigo que nos apoyó. Era una experiencia nueva, pero ya teníamos algo de experiencia al hacer los demos. Canciones como “Miel” se transformaron y se definieron a la hora de grabar.
L: Algunas otras canciones que tocábamos en nuestros inicios les pasó lo contrario, no se escuchaban bien, así que las descartamos.

¿Ustedes mismos se producían?
S: Sí, en varias canciones nos ayudó un amigo llamado Uriel, que nos ayudó en canciones que tenían más orientación al sonido electrónico, por ejemplo en “Deja te conecto”.
L: Ahí fue cuando conocimos a Phil Vinall, quien se volvió nuestro productor de cabecera. Les mandamos las rolas sin mezclar y nos fuimos a Londres para terminar la mezcla con él.

Cuando comenzaron su carrera, hace más de 10 años, no había tantas herramientas de promoción como Myspace, ¿cómo empezaron a promocionar el disco?
L: Cuando regresamos de Londres, empezamos a ver quien lo quería editar. Nuestra opción fue Sony, ya que ellos sí creyeron que nuestro proyecto sería un hitazo, lamentablemente en esa época canciones como “Deja te conecto” era productos muy extraños. Nos ayudaron mucho a ser masivamente conocidos.

Un momento mágico para un grupo es cuando escuchan por primera vez su sencillo en la radio, ¿cómo fue en su caso?
L: Increíble, no lo podíamos creer.
S: Fue una sensación bonita, pero breve, porque cuando sacamos “Asteroide” Radioactivo no la quería tocar. Creo que la banda fue creciendo de show en show y los medios comenzaron a voltear a nosotros por la convocatoria que teníamos. Me acuerdo que el primer concierto donde nos dimos cuenta que a la gente le gustaba nuestra música fue cuando nos invitó Jumbo y Zurdok a abrir su gira “Odisea” en el Salón 21.

Una de las cosas que llaman mucho la atención de Zoé es la relación que tienen con sus fans, ¿cómo han mantenido esa buena relación?
L: Cuando tocas es cuando los fans confirman que eres su banda favorita. Ese cariño surgió a través de las tocadas en vivo.
S: Algo que también lo hace una relación especial y emotiva son las letras de León, ya que les llega de una manera más profunda. Hemos tratado de hacer obras completas, que a lo mejor en el primer o segundo disco no lo logramos tal cual, pero tenemos la fortuna de tener fans de discos y no nada más de sencillos.

¿Qué aprendieron del primer disco para darle dirección a Rocanlover?
L: Hay tres diferencias importantes: la primera es que el primer disco era una compilación de canciones de todos los años que llevábamos y que no habíamos tenido la oportunidad de sacar, hay canciones del 93 o 97; segunda: en Rockanlover por primea vez ya era un conjunto de canciones hechas y destinadas para este proyecto; y por último tuvimos acceso a un estudio más pro al que habíamos tenido acceso.

¿Ustedes llegan con cosas hechas al estudio?
L: Llegamos con los demos. Del Rockanlover para acá Phil nos ha felicitado porque llegamos con cosas más armadas. Nos confesó recientemente que con los primeros demos con los que llegamos le deban risa.
S: Ahora ya llegamos con algo más armado, hay canciones que están muy bien y otras que estaban pésimas y le dábamos otra vuelta.
L: Desde que mezclamos con él, se ha convertido en nuestro maestro. Todos lo que hemos aprendido de lo que debemos o no hacer ha sido por él.
S: No es una persona clínica o académica, sino que se mueve más por intuición e instinto, aunque tiene una formación más técnica y clásica como ingeniero. Él trata de romper las reglas y no le importa que los niveles estén en rojo, ni nada de lo que el manual dice. Siempre nos dice: “Confía en tus oídos, no en tus ojos”.

El gran salto de su carrera fue lanzar el EP The Room, ¿para ustedes cómo fue el cambio de Sony a Noiselab?
L: Fue la segunda vez que Sony nos daba una carta de retiro: en la primera lloramos y en la segunda lo celebramos. Estábamos muy libres y después de “Love” las cosas se empezaron a balancear a nuestro favor y empezamos a construir lo que sería Memo Rex… pero nos colgamos mucho y decidimos sacar unas canciones antes y probar la independencia con Noiselab. Fue un experimento para ver que podía pasar.

A partir de la exposición mediática por el sencillo “Dead”, ¿no sintieron un cambio en sus vidas al convertirse en la próxima gran banda de México?
L: Cuando tocamos en el Vive Latino ahí sí decíamos: “Órale, que pasó”.
S: Nuestro manager nos propuso hacer un Metropólitan, y nosotros le decíamos: “Estás loco, no lo vamos a llenar jamás”, y cuando nos dimos cuenta ya teníamos dos fechas. Esos fueron los indicios de la gran convocatoria que “Dead” provocó.

Con el concierto y disco 281107, cerraron el ciclo de Memo Rex. ¿Después no sintieron presión por dar el siguiente paso?
S: Era lo lógico, pero no nos sentimos presionados de superarnos a nosotros mismos al hacer mejores canciones. A lo mejor en Memo Rex.. sí sentimos más ese tipo de presión.
L: Ese concierto en el Palacio de los Deportes fue como cerrar el ciclo de 10 años y nos sentíamos frescos para empezar de nuevo.

Desde que concibieron Reptilectric, ¿quisieron hacerlo fuera de México?
L: Teníamos ganas de grabarlo en otro estudio y otra ciudad. Al final lo logramos porque lo grabamos otra vez en Texas, donde hicimos Memo Rex… es un lugar ideal para relajarse y trabajar. La mezcla la hicimos en Los Ángeles… fue una experiencia nueva… No sé si la volveríamos a hacer ahí.

Por ser un entorno texano, ¿no hubo cierta influencia del lugar?
S: Este lugar está aislado de todo, es un rancho en la frontera con Juárez, a media hora de El Paso. Te sientes tan aislado que no puedes ni quieres salir a ningún lado.
L: El estudio es de ensueño, el dueño del rancho es un amor y tiene una colección de guitarra que vale cientos de miles de dólares. Si necesitas un instrumento hablaba y te lo conseguía. Dormíamos y comíamos ahí, y por mo mismo se volvió una experiencia muy intensa.
S: Parecía que estábamos atrapados en la película El día de la marmota.
Á: A final de cuentas el lugar dio buenos resultados.

En la canción “Reptilectric” se nota que quisieron hacer más experimentaciones sonoras, ¿eso encontraremos en el resto del disco?
L: Está lleno de colores y experimentos que teníamos ganas de hacer.
Á: Como no teníamos ninguna presión nos “deschongamos”.

¿En qué forma experimentaron?
S: Con tratar de cambiar algunos sonidos que ya traíamos como el teclado. Teníamos ganas de hacer algo muy orgánico, porque este disco ya lo hicimos con un baterista porque no teníamos en Memo Rex…, aunque Siddartha nos había ayudado en algunas canciones..
L: Las componíamos en ese entonces en Reason.
Á: Como siempre fuimos autocríticos y tratamos de no repetir sin dejar de ser Zoé.

¿Por qué el nombre Reptilectric?
L: Desde 2007 se me ocurrió el nombre y les decía a todos que se debía llamar así nuestro próximo disco. En la grabación de los demos decíamos: “Que suene más reptilectric”. Fue así como caminó en la cuestión sónica. También me empecé a clavar con historias de poesías mayas, y se me ocurrió en el caso de la canción “Reptilectric” relacionarlo con Quetzalcóatl, donde se convierte un personaje, pero en general es un concepto sónico en el disco.

¿Qué tienen preparado para sus nuevas presentaciones?
S: Va a tener que ver con el video y con el arte del disco.
Á: Vamos a renovar el uso de las luces y cosas nuevas para el escenario. Para las canciones vamos hacer nuevas versiones en vivo.
S: Si a una canción si hace falta hacerle un update lo haremos para que no nos de hueva tocarla en vivo. Pero nos morimos de ganas de tocar el disco nuevo.

MP3 /// Zoé - Reptilectric

Foto: BigIdeas (OzCorp)

Una de las bandas que Beck considera como de lo mejor en Latinoamerica regresa con All U Need Is Mosh después de muchos años sin sacar material original. Su cocktail lounge rocker, se ha vuelto una masa de punk, hip hop a la vieja usanza y muchos guitarrazos que para nada descepcionará a los seguidores de “Mr. Pmosh” o “Nalguita”. Más bien este es una nueva etapa en el que el dueto conformado por Rosso y Jonás incluye una banda en vivo más amplia para darle nueva vida a su catálogo y mostrar estas nuevas canciones. Entrevistamos a Jonás para que nos de más detalles de su último álbum.

Desde el año pasado en el Corona Fest, ya se veía que las nuevas canciones tendrían un giro más rockero
J: Es como estamos sonando ahorita. El disco todavía tiene su lado que está compuesto por dos personas en algunos temas. Tiene partes más eclécticas, de electrónica antigua “old school” emulando con Herbie Hancock pero más rocker, por otro lado hay punk rock y canciones amigables para la radio y tele, otras suenan hip hoperas otras new waver onda Falco.

Todos pensaban que habría un disco luego de sus presentaciones de finales del año pasado
J: Eso es una de las cosas que nos dicen nuestros amigos de que nos tardamos un chingo. Se aplazó mucho porque: una, teníamos tiempos que nos daban la compañía disquera; dos, porque nos alargaron el tiempo de sacar este disco porque nos pusieron un recopilatorio en medio y que de alguna forma le fue bien; y tres, porque teníamos que depurar el disco y pensarlo hasta que estar seguros de que estaba bien y que mínimo si no vaya a ser un madrazo yo estaré estoy feliz y puedo poner mi jeta por el disco. En conclusión sacrificamos tiempo por calidad porque es una cuestión de cariño y no tanto de negocio.

Platícanos sobre la grabación del disco All U Need Is Mosh
J: Empezó con la llamada de Rosso diciéndome: “Oye wey ya quiero componer” y yo también ya quería empezar algo nuevo. Empezamos a practicar y obviamente los primeros temas eran horribles y los desechamos, pero empezaron a salir cosas buenas. Luego ya empezamos a ver qué camino estaban tomando las canciones, qué estudio queríamos y qué músicos invitaríamos para cada canción. Lo empezamos a grabar en Monterrey, luego nos fuimos a El Paso, Texas y Los Ángeles. Ahí conocimos a Al Jourgensen de Ministry y lo invitamos, es que somos mega fans, de hecho en un principio queríamos hacer una banda como Ministry. De repente lo conocí en una borrachera, dormí en su casa y grabamos en su estudio donde grabó uno de los discos que más me ha influenciado.

Cuéntanos sobre la colaboración que tuviste en la canción “Paso fino” con Adrián D’Argelos de Babasónicos
J: Es amigo desde hace mucho tiempo, tenemos un cariño y admiración mutua. Hubo un momento en que éramos las bandas incomprendidas de cada hemisferio porque éramos los raritos. Pero con el tiempo ganamos espacios con lo que hacíamos y eso hizo que nuestro lazo se hiciera más especial. Estábamos haciendo los últimos temas del disco y teníamos una maqueta que sonaba muy bien pero no tenía letra; yo venía de componer todo el disco, yo estaba completamente seco y no quería escribir cualquier cagada. Entonces vimos que la canción no necesitaba que fuera cantada, sino que fuera recitada, una onda Serge Gainsbourg muy arrogante. Entonces pensamos: arrogante… argentino… pues Adrián. Le mandamos la maqueta y nos la regresó, quedamos maravillados desde la primera toma.

¿Cómo fue en el caso de Niña Dios?
J: Es una chavita que salió de Monterrey que me presentó un amigo cuando todavía no era conocida, ahora ya está viajando y haciendo cosas interesantes. Hace como tres años me la presentaron y me dijeron que rapeaba muy bien, porque en Monterrey no hay muchas morras que lo hagan bien. La invité a una tocaba y a Rosso le voló la cabeza. Nos hicimos compas, incluso Rosso le hizo un par de maquetas para su demo. Participa en la canción “Danny Trejo”.

¿Sobre la colaboración de Ximena y Paty?
J: Estuvo raro porque yo escribí la canción “Pervert Pop Song” pensando en que una morra la cantara cachondón y rico. Invitamos a Paty Lynn y Ximena, que son amigas. Ximena ya se convirtió en una bomba, y Paty está en una banda que se llama Angora que están apenas comenzando. Mezclamos las voces y quedó una masa cachonda naive perversona.

¿Por qué salió primero el disco en Estados Unidos?
J: Porque decidimos que no queríamos tener otra compañía trasnacional y optamos por una independiente, la que más nos gustó es National Records. También lo hicimos para calentar el terreno en EUA y colocarlo en otros países. En México fue más difícil porque el hecho de que somos mexicanos y de que había más intereses, por eso se tardó más. También salió primero en Chile, Argentina y España, algo que no nos había pasado y que no nos ha caído nada mal. También nos dio chance para ver la magnitud que podría tener el grupo y darnos cuenta de que hay una nueva generación de chavos que nos quieren oír. Hay gente que lo buscaba en internet, comprándolo por iTunes, bajándolo pirata que igual que si lo bajan nos da hasta gusto, hasta tiendas en Monterrey importándolo. Pero pronto lo va a distribuir EMI en diciembre.

¿No has tenido el gusanito de producir más bandas o hacer algo que no pudieras hacer dentro de Plastilina Mosh?
J: No tengo madera, ni paciencia, ni interés. Me gusta enfocarme en cosas que me gustan mas no en cosas que debo enfocarme. Si a lo mejor me dicen que hay una banda que está padre y va a haber billete, y que la produzca por más que quiera no me saldría. Rosso sí tiene esa madera, aunque últimamente ya no tanto porque estuvo concentrado en este disco. A mí me gusta componer, dar unos demos horrible y luego ya que la banda lo grabe bien. Gran parte de esto fue mi colaboración con Los Concorde.

MP3: Plastilina Mosh /// Pervert Pop Song

Ver: Reseña: Plastilina Mosh /// All U Need Is Mosh

Lo único bueno que hizo MTV hace 15 años fue unir musicalmente a Latinoamérica. Es por eso que no es raro que las nuevas propuestas de otros países suenen en México y tengan buena aceptación. Justamente Los Bunkers es un ejemplo de esto, ya que su decisión de usar a México como base de operaciones fue por un encuentro mutuo que se dio de manera natural por su disco Vida de perros. Ahora, ya que el encuentro se dio, y que han firmado un contrato con Universal para sus siguientes discos, lanzan Barrio Estación, el cual es musicalmente más maduro y con nuevos aires que ocultan algo de nostalgia y emoción por igual para esta agrupación chilena.

¿Cómo se formó Los Bunkers?
Francisco: Fue una cosa natural porque tanto Álvaro y Gonzalo son hermanos, así como Mauricio y yo, Mauro es un gran amigo y se juntó con nosotros. Conforme cada uno fue teniendo su proyecto, llegó un momento en que decidimos juntarnos tomar la música en serio y dedicarle tiempo. Creo que había una determinación de hacer las cosas bien.
Mauro: Aparte de las relaciones sentimentales que tenemos entre nosotros, cada uno encontró en la música desde niño una manera de divertirse. Mucho de lo que los une es que disfrutamos escuchar y discutir de música. Nuestros padres nos pusieron la costumbre de escuchar música.

Todas las bandas cuando inician hacen cóvers, pero ustedes han mantenido ese espíritu hasta ahora al tocar uno que otro en sus conciertos…
F: De hecho por otro lado escuchábamos música folklórica chilena que escuchaban nuestros padres, del lado rockero siempre nos ha gustado The Beatles. Cuando conocimos a Mauro ya tenía muchos discos de The Kinks o The Byrds, entre todos nos prestábamos los discos y así comenzamos a compartir los mismos gustos.

Ustedes surgieron en una época en que comenzaba la globalización, en donde el compartir la música es mucho más fácil, antes tenías que esperar a que importaran un disco que era carísimo. Lo interesante es que lo logran combinar con música chilena como Quilapayún, ¿cómo han combinado las raíces musicales chilenas con el gusto que tenían hacia el rock sesentero?
Mauro: Proviene del hogar el gusto hacia la música latinoamericana. En mi caso, en el tiempo de los gobiernos militares, era una música prohibida y no se podían escuchar los discos. De alguna manera esa música sobrevivió y vivió en nuestras casas, ya sea por afán político o lo que sea, nos gustaba Violeta Parra y después nos enteramos de su contexto histórico. Cada uno desarrollo sus gustos musicales, nos incentivaron a la música de las peñas, que eran eventos como colegios o iglesias donde tocaban esa música “prohibida” folklórica.
Mauricio: El hecho de dedicarnos a la música es que nunca hemos dejado de ser fans de la música en general, el asunto de hacer cóvers es de fans. Hay discos en donde se nota más eso que en otros.

¿Cómo eligieron sus canciones para su primer EP, que curiosamente es algo muy de los 60’s?
Mauro: No recuerdo cómo en qué nos basamos, pero queríamos enfocar lo que íbamos a hacer después, en ese momento el EP era muy precario, hacerlo era tomar las cosas en serio.
F: Grabamos el EP en un ensayo con el audio de una cámara de video, la idea era que el demo fuera también un registro visual.

¿Fue para tratar de conseguir un sonido más “en vivo”?
F: Tampoco teníamos medios para conseguir un estudio. Fue el RCA que salió de la cámara y sólo lo ecualizamos.

Ya con el demo bajo el brazo, ¿cómo empezaron a promocionar su música?
Mauricio: Terminamos a grabar el EP, luego le dijimos a un amigo que nos prestara su estudio para grabar y así fue como grabamos nuestro primer disco Los Bunkers y terminamos de grabarlo en dos días. Nuestro amigo lo llevó a una estación de radio (Rock & Pop) y lo empezaron a tocar. Escucharse por primera vez en la radio es uno de los periodos más bonitos de nuestra carrera, es un recuerdo muy feliz.
Mauro: La primera vez que nos escuché en la radio fue cuando me habló la hermana de una amiga con la que estaba viviendo. Cuando escuchamos nuestras canciones nos da mucha emoción, le subo el volumen y la canto, aparte nos sirve porque vemos el tema como fan y lo vemos de otra manera.

Al empezar a hacerse conocidos les dio la oportunidad de conocer a grandes figuras del rock chileno como Los Tres o Los Prisioneros, ¿hubo alguna especie de “apadrinaje”?
F: Más bien comenzó como una colaboración en el caso de Álvaro Henríquez de Los Tres porque le pedimos que produjera nuestro segundo disco.
Mauricio: Por medio de él conocimos músicos más viejos. Nosotros empezamos a verlos en el escenario y ver lo dedicado que eran. Ver su modo de actuar o sus trajes nos ayudó mucho y también nos puso en una posición muy noble al empezar a conocerlos. Fue una manera de ir encontrando la gente precisa gracias a nuestra música, en vez de pensar: “¿En qué nos puede ayudar?”, pensábamos en tener una relación musical con las personas que se nos pusieran en frente por el proceso natural que la música nos daba.

¿Cómo comenzó su relación con México?
F: En una de estos conciertos fueron Café Tacvba e hicieron un palomazo con Los Tres. Ahí los conocimos y Joselo fue el que trajo unos demos a México y lo transmitieron en Reactor. Fue algo bien natural porque lo pusieron y la gente lo pidió porque les gustó el disco sin pedir nada a cambio. Cuando vinimos por primera vez no había una lógica de promoción porque no teníamos el mismo orden de sencillos que en Chile.
Mauro: El disco Vida de Perros salió en Chile por una disquera pequeña llamada La Oreja y estaba empezando a crecer; nunca hubiéramos esperado que el disco se editara en México.
Álvaro: Pensé que la disquera nos había dicho eso para creer que todo iba bien, pero no le creímos mucho hasta que Meme de Café Tacvba nos mandó un mail diciéndonos que estaba sonando nuestro disco en México. Luego nos llegó la edición mexicana del disco con diferente portada, ya que la portada original era la imagen de la bota con un perro, que viene dentro del booklet.
Mauricio: Luego nos invitaron al Vive Latino.
F: Sabíamos que era un festival gigante y recuerdo que antes de subir la gente empezó a gritar nuestro nombre. Cuando tocamos “Ven Aquí”, al grupo se nos salió el corazón, porque fue una emoción gigante ver lo que una canción pude hacer en un lugar que ni siquiera conoces y que consiguió el apoyo.
M: Luego volvimos a Chile pensando que tardaríamos en regresar. Pero pensamos en que acá había mucho trabajo por tiempos más prolongados. Empezamos a dimensionar las cosas y pensamos que fue un encuentro mutuo. Ahora con el lanzamiento del nuevo disco Barrio Estación, creo que tenemos una visión, sabemos lo que estamos haciendo, tenemos proyecto, una línea.

¿Por qué escogieron el título Barrio Estación para su último disco?
F: Es un lugar que está en Concepción, en donde está la estación de trenes y además está lleno de antros… es un lugar donde la gente va a quedarse pedo. No es tan grande, es un lugar a la orilla de un río. Le pusimos así porque refleja la situación actual del grupo: hicimos las maletas y nos vinimos para instalarnos. Las letras del disco tienen que ver mucho con el partir, y las reflexiones que surgen a partir de viajar o de mirar para atrás. Es un toque de nostalgia y una manera de hacer referencia a un lugar de nuestra ciudad.
Mauricio: Es un sentimiento de doble emoción, es como cuando sales de casa para vivir solo. La portada engloba ese sentir.

MP3 /// Los Bunkers - Me Muelen A Palos

Foto: BigIdeas (OzCorp)

Su última presentación en nuestro país se dio en el Manifest del 2006 y fue una verdadera sorpresa tomando en cuenta que para ese entonces venían de una gira por europa y de que se encontraban en su faceta de banda independiente que busca abrir camino. Ahora ya con una nueva disquera y con tres discos ampliamente aceptados por los fans mexicanos, los cuatro integrantes de Delays regresan para presentar formalmente en México su último disco Everything’s the Rush. Pero antes de su presentación tuvimos la oportunidad de convivir con ellos y descubrir que aparte de carisma, la banda tiene muy buena disposición en su contacto con el público y la prensa. En entrevista con Greg Gilbert (voz y guitarra) y Colin Fox (bajo) conocimos un poco más acerca de su disco, inspiración, influencias y hasta de su opinión acerca de su éxito en el extranjero.

¿Para ustedes que es o que significa Everithing’s The Rush?
Greg: Es el primer disco con otra disquera (compañía). Es como empezar de nuevo. Con el primer disco nos esforzamos mucho y obtuvimos muy buen resultado, con el segundo continuamos con el mismo ritmo de trabajo y salieron las cosas, pero con este tercero nos presionamos para que todo saliera perfecto, lo cual esta bien porque escribía mucho. El disco lo grabamos en 18 días, grabábamos un tema diario, fue un proceso muy detallado.
Colin: Nos tomamos en realidad el tiempo necesario para saber que entraba y que se iva. Este álbum es un poco menos espontáneo que los otros  pero con una mayor sensibilidad.

¿Cómo funciona su proceso de creación de temas?  Primero elaboran las letras y después entra la música o surge todo al mismo tiempo.
Greg: Aaron es el que escribe las letras, tiene un muchas ideas para las canciones. Por lo regular primero escribe un fragmento y después piensa en la música. Escribe algo y regresa para pensar que tipo de arreglo le vendría bien a esa letra. Un buen ejemplo de eso es “Love Made Visible” o “Pieces”, la música se basa totalmente en las letras. Primero surgen las frases y después de meditarlas puedes componer.

Siendo ustedes una banda independiente, se han dado a conocer en un país tan lejano y diferente como México. ¿Qué opinan de que su música tenga muy buena aceptación en un país tan diferente y distante al suyo como lo es México?

Greg: Yo creo que es porque nuestra música es honesta, nosotros no sonamos como otra banda y sobretodo no lo buscamos. Cuando empiezas tu carrera tienes influencias de otras personas, pero ya que encuentras tu propio camino, tu personalidad,  tu música es imposible que suene igual a la de otra gente. Somos una banda honesta y no estamos al pendiente de estar siempre en los primeros lugares de las listas de popularidad y yo creo eso es lo que nos conecta con la gente, disfrutamos lo que hacemos y eso le gusta al público.
Colin: Somos una banda muy melódica. No es estrictamente necesario que alguien sepa de que tratan las letras para que le guste realmente lo que hacemos. Nuestra música contiene melodías muy fuertes y eso es apreciado en cualquier parte del mundo.

La crítica los encasilla en el britpop, pero ustedes hacen algo más, mezclan elementos electrónicos y psicodélicos en su música. ¿Cómo definirían su propuesta?
Greg: Creo que no estamos en su totalidad dentro de lo que es el britpop. No nos basamos en los géneros comerciales, si no fuera así no haríamos la música que hacemos. Nosotros sólo ponemos atención a lo que realmente nos gusta y no seguimos los parámetros que nos hagan estar constantemente sonando en la radio.
Colin: Tenemos muchas influencias de lo psicodélico, desde los Beatles hasta los Stone Roses, pero también lo mezclamos con el pop de los 80.

¿Cuales son sus bandas favoritas?
Greg: Nuestros gustos son muy variados, pero Nirvana, The Beatles, Daft Punk, Stone Roses, ABBA, son de nuestras bandas favoritas.

¿Les gusta alguna banda mexicana?
Greg: Escuchamos hace poco a El Gran Silencio y nos gustó mucho. Suenan realmente a lo que es México. Combinan elementos muy folklóricos con rock y eso es fantástico. Su música es una muy buena representación de su país.

¿Qué puede esperar una persona que asista por primera vez a su concierto?
Greg: Es totalmente una actuación en vivo, es decir, no estamos únicamente parados en el escenario viéndonos muy cool y actuando como si no nos importará el público. Bailamos e interactuamos con el público, y ellos a su vez lo hacen con nosotros. No es un concepto de banda y público por separado, en todo momento tratamos de divertirnos y de que la gente se divierta. Buscamos que por unos instantes pases un muy buen rato para que después regreses a tu vida cotidiana.

¿Qué canción les gusta interpretar más en un concierto?
Greg: A mi me gusta interpretar “Friendo Are False”, creo que es muy apta para crear una reacción en la gente.
Colin: “Touch Down” tiene cualidades muy especiales. La distorsión del bajo hace que en ese momento se pueda sentir que la gente realmente esta bailando y esta disfrutando de la canción.

¿Qué opinan del público mexicano?
Greg: Tienen mucha pasión. Las personas que estaban presentes en el soundcheck estaba muy emocionada, eso es algo que no sucede en cualquier parte del mundo.
Colin: La gente tiene mucha pasión. Desde que llegamos al aeropuerto la gente quería tomarse fotos y autógrafos de nosotros, eso es algo increíble.

MP3 /// Delays - Love Made Visible

Ver Delays @ Hard Rock Live

A una semana del lanzamiento de su segunda producción Nueva América, Quiero Club platicó con nosotros para darnos más detalles de esta producción que por mucho superará la maldición del segundo disco por incorporarle ritmos más latinos y experimentar en lugares donde anteriormente no lo habían hecho. Aparte este disco servirá para darse a conocer en Latinoamérica y también para preparar el terreno para su próxima visita a Japón.

¿Qué aprendieron de su primer disco que aplicaron para este segundo?
Bosco: Creo que fue el conocernos más en el estudio. A la hora de empezar Nueva América ya sabíamos justo lo que buscábamos y creo que le sacamos mucho provecho a eso. También el trabajar con más gente nos llevó a llevar todo a un plano más seguro en el aspecto de composición, arreglos y en producción.

¿Habrá una colaboración en este nuevo disco?
Luis: Estamos contentos porque tuvimos la fortuna de hacer una canción con Jorge Gonzáles de Los Prisioneros, en cuatro días hicimos una canción juntos.
Bosco: También tuvimos la fortuna de trabajar más en cuestión de arreglos con un gran músico de Monterrey llamado Luis Ignacio Rosales que es un gran saxofonista, y los Hermanos Caballeronos ayudaron en las percusiones, además, Federico Caballero AKA “La Guayaba” (organista de Los Plebeyos) nos honró con sus habilidades en el tema “Nueva América”, que le da nombre al disco.
Luis: También hicimos una canción con Jason Roberts, al igual que muchas banda de Monterrey.

¿Qué van a implementar en vivo en sus nuevas presentaciones?
Luis: Tenemos muchas inquietudes en vivo, pero eso lo estaremos viendo en los primeros meses que nos estemos presentando con este nuevo disco. Estamos emocionados por tocar estas canciones porque las canciones de WOF las venimos tocando en vivo desde hace 4 años.
Catsup: Ya tenemos un par montadas, pero estamos en una transición y le queremos dar más peso a las nuevas canciones. Se va a poner interesante porque estamos concientes de que queremos hacer algo más interesante para no perder la vibra de comunión con la gente, porque nos gusta mucho convivir. Por eso queremos diseñar el show de cierta forma para no perder la esencia de la banda.

¿WOF les abrió las puertas internacionalmente?
Luis: WOF salió en marzo en Japón. Tenemos muy buena relación el distribuidor allá, incluso 80Kidz nos hizo una mezcla de “Let Da Music”  que salió en la edición japonesa y próximamente el disco nuevo saldrá allá. Tenemos en la mira visitar Japón el próximo año. También tocamos en Rock Al Parque en Colombia, creo que fue muy positivo porque no nos conocían y por lo menos ahora tenemos un antecedente y esperamos volver y seguir bajando.

¿Por qué lanzaron “Showtime” mucho tiempo antes del lanzamiento del disco?
Luis: Creímos que iba a salir el disco dos meses después…
Marcela: Necesitábamos refrescar los oídos de nuestros fans, era merecido porque nos hemos tardado mucho en sacar este segundo disco.

¿Cómo se les ocurrió la idea del video de “Showtime”?
Bosco: Fue Gustavo el que propuso y nosotros le seguimos la corriente.
Catsup: Fue como: “Aquí tenemos una camarita, tenemos un día, saca tu carro y vámonos al centro” ,y entre todos lo hicimos escogiendo un par de bardas que nos inspiraran. Fue como una rally.
Luis: Después de dos horas sabíamos como recoger las luces y la cámara bien rápido porque nada más eramos nosotros cinco y sólo dos amigos más.

¿Han pensado invadir Estados Unidos?
Bosco: Queremos ir para abajo… ah no, para arriba, bueno queremos ir a Sudamérica.
Catsup: Si nos invitan pues vamos.
Luis: Es atractivo aunque realmente estamos concientes que las primeras veces que vayamos allá va a ser sólo para atacar el mercado latino. Aparte tenemos problemas legales para presentarnos allá.

¿Algún mensaje final?
Priscila: Estamos contentos con los resultados creo que dimos un gran paso, nos sentimos mucho más contentos. Vamos a meter canciones más tropicales y electrónicas.
Luis: Cada género se logró más: lo tropical es más tropical y lo electrónico más electrónico.
Marcela: Estamos un poquito más seguros de lo que estamos haciendo, estamos más experimentados.
Catsup: Como que se expandió el sonido.
Priscila: Aparte nos ayudó colaborar con gente muy talentosa.
Luis: Estamos seguros que la gente que nos viene siguiendo les causará mucha emoción el concepto del disco. Les podemos decimos a la gente que tengan mucha expectativa de lo que viene y que pueden llegar a ser parte de algo grande junto con nosotros.

MP3 /// Quiero Club- The Flow

Esta disquera canadiense tiene en su catálogo a grandes grupos como Broken Social Scene, Stars, Los Campesinos!, The Stills y Constantines, y están a punto de embarcarse en una aventura que parecería suicida: poner una sucursal en México a pesar de la piratería. Para explicar este movimiento, quien mejor que Jeff Remedios, su fundador, para explicarnos sobre la dinámica de esta disquera. “Creo que no todo en la piratería es mal, ya que está creando una oportunidad para que los fans de alrededor del mundo puedan conocer a sus artistas. Yo digo que no estamos en la industria discográfica, sino en la industria musical. Es por eso que decidimos traer grupos a México, ya estando aquí nos dimos cuenta que hay una comunidad en cuanto a músicos y espectadores muy emotiva”.

Jeff trabajaba en una compañía grande de discos y se percató de que empezaba a haber muchos cambios en la industria, como el vender discos en la menor cantidad de tiempo: “Pensé que en cualquier momento me despedirían, así que mejor hice una empresa donde pudiera trabajar con mis amigos como Kevin y Brendan de Broken Social Scene me dijeron que les gustaría comenzar la disquera con su primer disco You Forgot It In People”. Los primeros dos años y medio firmaron sólo a grupos que eran recomendados por los que ya estaban firmados, de ahí que se les considere como un “colectivo canadiense”.

Al preguntarle si en México desean hacer un colectivo parecido dijo: “Vayan al sitio y manden su demo o en la oficina, trataremos de escuchar lo que podemos, aunque es poco común porque casi todo viene por recomendación, queremos seguir ese concepto de comunidad. Es como comenzar de nuevo, pero con los mismo principios que tuvimos”.

Al finalizar la entrevista nos alegró el día con la noticia de que tienen planeado traer a Los Campesinos! para su próximo concierto de Arts & Crafts México, que será a principios de 2009.

Por: Mario García

A dos años de haber lanzado su EP homónimo, Satin Dolls regresa con su disco de larga duración titulado Luces y Sombras, un álbum integrado por 10 temas inédito que refleja una clara evolución en su sonido ya que ha dejado sus orígenes marcados del new wave para adentrarse un poco en los terrenos del rock, el pop y la música electrónica. En entrevista con Joe (guitarra), Chanto (teclados), Karen (voz), Diego (bajo) y Ricardo (bateria) nos comentaron un poco acerca de su estilo musical, su nuevo disco y la gente con la que trabajaron.

¿Cómo definen su música?
Chanto: Realmente nosotros no le ponemos una etiqueta, porque en realidad no la hay. La banda tiene tintes de electropop, de new wave, de dark wave, rock. Somos una banda difícil de encasillar.
Joe: Yo creo que nos consideramos más una banda de rock porque es la música que principalmente escuchamos. Alguna vez escuche que Bono (vocalista de U2) define la diferencia entre el pop y el rock es que el rock te hace sentir mal y el pop te hace sentir bien, y nuestras canciones tienden más hacia el lado negativo, que hacia el lado positivo.

En su nuevo disco Luces y Sombras manejan muchos contrastes ¿Cómo llegaron a eso?
Chanto: Quisimos buscar un título que englobara los temas que abordaban las canciones, el desprenderse de alguien, el ser engañado, asuntos relacionados con tu historia, con tu pasado, no en el sentido positivo, y por el otro lado hay dos temas que hablan de la esperanza, de algo bueno que al final puede pasar.

¿Con quién trabajaron en este disco?
Ricardo: Trabajamos con el productor Yamil Rezc (Subdivisión, Payro, LeBaron) y la mezcla corrió a cargo de Phil Vinall (Radiohead, Placebo, Zoé). Yamil fue como un integrante más del grupo,  nos ayudo muchísimo a definir el estilo que queríamos. En la onda de la mezcla la  aportación de Phill fue toda una artesanía, le dio mucho color a las rolas, les dio más profundidad.

¿Qué tipo de música están escuchando actualmente?
Ricardo: Yo estoy escuchando el último disco de Nine Inch Nails y a Black Rebel Motorcicle Club, pero en general a muchas bandas.
Diego: Actualmente es difícil decir que estas escuchando sólo un estilo de música, yo por ejemplo estoy escuchando el último disco de Timbaland, y pues no tiene que ver con lo que hacemos.
Karen: Escuchamos de todo, en realidad tratamos de nutrirnos de varios géneros.

MP3 /// Satin Dolls - No Estás

“Hacer un disco es como fabricar una mesa: buscas la madera, los clavos y martillo, la empiezas a pintar y la adornas como quieres, claro, que a final de cuentas puedes comprar una ya hecha, pero no tiene la esencia de uno”.

No cabe duda que estamos viviendo una de las épocas más prósperas de la música, en la que los artistas comienzan a dejar a un lado las grandes disqueras para que sus obras intelectuales lleguen de la manera más honesta a los fans (eso al eliminar intermediarios para que el costo final de sus obras sea el más justo). Todo esto permite, junto a la tecnología, que un músico pueda crear, distribuir y vender su música a su gusto. Esto se ve reflejado en la cada vez más extensa escena mexicana, donde la descentralización del DF y la exploración y mezcla de distintos géneros es más común.

Es por eso que proyectos como el de Siddhartha salen a la luz: un chico cuyo nombre no fue comercialmente creado, ya que su padre se lo puso inspirándose en libro del mismo nombre de Herman Hesse.

Guadalajara fue el lugar que empezó a tocar instrumentos desde los seis años, especializándose en la batería, que como cualquier curioso primerizo en la música creó pequeñas bandas para divertirse sin saber que se convertiría en su trabajo y modo de vida.

“Empecé a concebir la idea de crear mi propio material, porque después de haber participado en varias bandas, me había quedado la espinita de meter lo que no pude haber hecho en los proyectos que participé”, nos platica Siddartha, cuya primera producción titulada Why You? fue grabada de manera independiente en donde él ejecutó casi todos los instrumentos, y llevó la batuta de producción. En general podíamos decir que él mismo rompió la idea generalizada de que todos se necesita toda una industria para grabar su material: “Es como fabricar una mesa: buscas la madera, los clavos y martillo, la empiezas a pintar y la adornas como quieres, claro, que a final de cuentas puedes comprar una ya hecha, pero a final de cuentas tiene la esencia de uno”.

Uno de los tantos puntos en su curriculum, fue el haber sido baterista de varios proyectos independientes, y músico de apoyo a Zoé en una gira y en la grabación de una canción del famoso disco Memo Rex Commander… Al preguntarle si por ser la batería el instrumento que más domina es el punto de origen o columna vertebral de las canciones, dijo que no siempre es así, que en s primera producción partió desde otra perspectiva, al iniciar la composición con la letras y voz: “Hay veces que te tardas mes y medio en una canción, y otras veces en un segundo se aclara la idea y lo entiendes más fácilmente. No hay un método reglamentado para componer”.

Al crear su propio espacio musical tuvo un proceso inverso al invitar a músicos independientes con quien había participado como Aldo Muñoz (del grupo Enter), Marcelo Salazar (quienes considera importantes en la escena en Guadalajara a pesar de no tener los reflectors encima), y gente más conocida como Richie de Belanova, a quien pensó inmediatamete para que ejecutará el bajo en la canción “Nada”, y también a Chemín Santillán (Plástiko) y Shaboomy (Efecto Simplex).

Su primera producción resume años de experiencia y ganas de crear música, el cual fue agotador por hacerlo completamente por su parte: “Es el cierre de una etapa, de ahí el título Why You?, pregunta que traté de responder a lo largo del proceso… creo que al final en parte contesté parte la pregunta”. Ahora vendrá la etapa de presentarlo en vivo en donde participarán músicos de Plástico, y otros más que participaron en la grabación, el cual garantiza que sonará muy distinto que el disco. esto ha llevado a que su disco Why You? haya ganado el premio a Disco solista del año en la pasada entrega de los Indie-O Awards, y también está nominado al Grammy Latino 2008 para Mejor Album de Rock Vocal.

En este disco, Siddhartha fue muy meticuloso con la producción, se fijó que cada instrumento estuviera perfectamente ecualizado y en su lugar: “Creo que la tecnología y la globalización a la música me ha favorecido, porque puedes escuchar la música original de otra persona que en otro lado del mundo, que sirven de inspiración y motivan a la creación”.

En el resultado final, podemos ver una interesante mezcla de elementos folk como guitarras acústicas con ciertos toques de country, o ritmos funkys como el que encontramos en “Nada”, que se fusionan con arreglos electrónicos que terminan por armonizar perfectamente las canciones. Es interesante escuchar cómo creó distintos niveles en la voz al interpretar con distintas tonalidades, cosa que sólo le queda bien a personalidades como Gustavo Cerati.

Su primer sencillo es “Sacúdeme”, cuyo video fue regalado por Manuel López, quien se dedica a la animación. “Escuchó la canción cuando era una maqueta, le gustó tanto que fue a Guadalajara para filmar en green screen. Pasaron seis meses y me entregó este video que es una gran producción. Afortunadamente lo que ha pasado en este proyecto en general es que la gente se ha acercado por su propia voluntad y por estar interesado, generando un buen resultado”.

En el surrealista caso que Siddhartha te acompañara a la tienda de discos y que te lo recomendara, seguramente te diría: “Es como una artesanía, no es un producto hecho en serie, es íntimo, hecho de canciones transparentes y honestas; quizá esté mal que lo diga, pero tiene muy buena producción porque fui muy cuidadoso y detallista. Es un disco conceptual porque la fotografía, la música y las letras están relacionadas. No tiene altas pretenciones, sólo es una expresión de una persona en particular que plasmó lo que tenía adentro”.

MP3 /// Siddartha - Sacúdeme

www.siddhartha.com.mx

www.myspace.com/iamsiddhartha

Fotos: BigIdeas (OzCorp)

El Teatro de la Ciudad, luego de ser rescatado, es una de las joyas arquitectónicas de la ciudad. Justamente en una de sus salas con una decoración increíble, que ninguna novela de Lucerito tendría, realizamos esta entrevista con la vocalista Kazu Makino de Blonde Redhead, que luego de un largo soundcheck, una noche de desvelo ya que un día anterior fue la presentación de Guadalajara, hizo una entrevista con nosotros. Su rostro no tenía ni un rastro del terrible accidente que tuvo con un caballo hace algunos años (de ahí la inspiración para la explosiva canción “Equus”), pero lucía cansada, desmejorada y un poco nerviosa, pero aún así nos platicó un poco de su visita a México y un poco de su historia.

Platícanos cómo se conocieron

Nos conocimos porque fuimos a un concierto, luego empezamos a componer canciones juntos.

¿En qué forma influenció la producción de miembros de Sonic Youth y Fugazi al sonido de las primeras producciones?

La esencia siempre ha sido la misma, a lo mejor en un inicio tratábamos de hacer algo diferente, muy influenciado por los grupos que escuchábamos en ese entonces, como Sonic Youth. En nuestro primer disco buscábamos un sonido complicado que fuera difícil de imitar. Después quedamos de acuerdo en quedarnos en un sonido que nos hiciera sentir cómodos.

¿En qué momento decidieron agregar instrumentos y sonidos que una banda de rock normalmente no usa, como el clavicordio por ejemplo?

Desde siempre, por ejemplo en nuestro segundo disco incorporamos la citara porque la escuchamos a un músico tocarla en un restaurante hindú y lo invitamos. Me gusta el clarinete, el clavicordio, emiten sonidos muy interesantes y hermosos que nos ayudan a forjar nuestro sonido.

¿Qué opinas del nuevo empuje que han tenido las bandas norteamericanas hoy en día?

Está muy bien, porque siempre ha habido bandas de buena calidad pero que nunca habían tenido promoción y éxito comercial. La gente que se reúne para hacer un grupo se vuelve una especie de sociedad secreta que muchas veces no quieren que su sonido sea escuchado por temor a que se vuelva comercial, ahora hay diferentes medios que logran que no se corrompa la música, eso me agrada.

¿Qué significa el título 23 de tu último disco?

Quería que el título fuera sencillo, como una palabra. Nos dimos cuenta que al hacerlo tan simple se convirtió en algo abstracto que casi nadie entiende, incluso la portada con la chica de las 4 piernas. Creo que por lo abstracto la gente le puede dar el significado que quiera, y es mejor porque se apropian de nuestra creación.

En este último disco le pusieron especial atención a los videos, ¿nos podrías contar sore la colaboración que tuvieron en especial con el director Mike Mills (que no es el miembro de R.E.M.)?

A él le gusta nuestra música, se puso en contacto con nuestra disquera 4AD, y sabemos que es una persona muy creativa por los videos que ha hecho con Air, entre otros. Nos gustó este encuentro porque como accidental, me gusta conocer este tipo de gente para trabajar con ellos.

¿Cómo te sentiste en los conciertos que diste en México?

Fue increíble porque es un público muy diferente a los que hemos tenido. No podía creer que la gente en México conocía nuestra música tan bien y como aceptaron y compartían todas las canciones que tocamos.

Afradecemos a Ache Produciones por las facilidades otorgadas

Por: Josuelo y moonman /// Foto: BigIdeas (OzCorp)

Una de las bandas que a mediados del 2000 causo demasiado furor con el sencillo “Espiral” un EP celebrado: Donde los ponys pastan, el éxito del tema es idudable por su fuerza, aunado a esto los infló demasiado una estación local del DF, causando demasida expectativa cuando en Guadalajara, su propia tierra, nadie los unicaba, todos sus sencillos radiales se posisonaron rápido. Un debut excelentemente recibido: Atemahawke, un disco que destacó por su originalidad y propuesta en el que los convencionalismos y errores de las nuevas bandas independientes no estaban presentes. Su última presentación fue en diciembre de 2007 con una excepción de tocar en Coachella son parte de la historia y causantes de lo que muchos esperabamos el proyecto solista de Juan Son, quien cantó en el Unplugged de julieta Venégas la canción “De mis pasos”.

Esta entrevista es una combinación de dos entrevistas: una se realizó justamente después de que bajó del escenario en su primera presentación en el caótico Festival Colmena (y que saldrá publicada en su totalidad en la Revista Marvin de septiembre), en donde la emoción de presentar estos nuevos sonidos y las preguntas como: “¿Lo habremos hecho bien?” seguían en el aire. La segunda fue hecha recientemente vía Myspace en donde nos actualiza sobre el lanzamiento de su primer disco como solista.

¿Cómo te sientes con este nuevo proyecto en donde supongo que ya tienes mayor control?
Muy contento. Es raro porque la gente me dice: “Ay sí, tenías que independizarte, es lo mismo que hacen todos los vocalistas de una banda”. No es tanto una independencia, mas bien es una democracia pero entre menos gente, porque antes se sometía todo a votación. Ahora hay mucha libertad y se ha hecho una buena mancuerna.

A diferencia de Porter en donde las responsabilidades se repartían, ¿cómo te sientes ahora?
Antes era bien huevón y me quedaba en el carro mientras todos cargaban sus instrumentos, porque yo sólo me ocupaba de mi micrófono. Ahora yo me encargo de todo y es bueno que hayan cambiado las cosas. Creo que ahora en lo artístico es muy libre, cuando escuchen el disco se darán cuenta de que hay canciones de banda, de piratas, o electrónicas, incluso samba.

¿Cuánto tiempo llevas pensando en este proyecto?
Muchas canciones son antes y otras durante Porter en donde exploté mi fama y los usé como un escalón (risas)… Al final ya teníamos muchos problemas. Me caen muy bien, pero a la hora de trabajar ya teníamos muchas diferencias. En diciembre fue el último show y mucha gente que nos había apoyado nos pedían que no nos separáramos.

¿Cómo fue el concierto de Coachella después de cuatro meses de separarse?
Estuvo lleno de sensaciones. En el escenario no puedo pretender que algo me está gustando si no me está gustando, y sí me estaba gustando porque sabía que por un buen rato no habíamos tocado. Fue una sensación cruzada.

¿Cómo fue la invitación para participar en el Unplugged de Julieta Venegas?
Yo la conocía por sus discos y me encanta. Para hacer ejercicios con la elíptica es buenísimo, sobretodo sus canciones pop (risas). Mi amiga Sofía Garza (directora del video de porter “Host Of A Ghost”) nos conectó, y le pidió mi teléfono y cuando hablé con ella me dijo que tenía una propuesta e inmediatamente le dije que sí sin saber que me proponía. Fue muy sobrio todo el proceso… Creo que estoy entrando en una etapa muy sobria de mi vida.

¿Ya tiene fecha de lanzamiento tu disco debut?
Me gustaría contestar con otra pregunta, jajaja no te creas. Parece que ya el sencillo sale el primero de septiembre y se llama “Nada”, la tocamos en el Festival Colmena.

¿Cual fue el nombre que decidiste para el disco?
El nombre definitivo es Mermaid Sashimi, que significa sashimi de sirena, igual y se llamaba así pero creo que sonaba mejor en inglés y tambien quería ganar en dolares… jajaja.

¿Quiénes te están acompañando en esta nueva alineación?
“El Orco” (Alejandro Pérez) que no tocaba en Porter pero era nuestro productor, que es el productor de Porter; Víctor Valverde o “Villor” que también tocaba en Porter la guitarra, y Saúl Figueroa, que curiosamente era el primer bajista de Porter pero se fue al extranjero y al volver Bacter había tomado su lugar. De una forma indirecta todos los de Porter participan. Nos gustó mucho trabajar juntos, porque imprimimos mucha huella en el disco y nos sentimos muy chidos de tocar juntos o al menos yo jajaja… Igual y esperemos que se sumen más en el futuro.

En este proyecto te concentraste en la parte electrónica…
Sí, hay menos batería y cosas medio pop. En el disco se van a dar cuenta de eso, hay dos canciones con batería y en el resto hay cosas sampleados. Hay ritmos que hicimos con sólo agua o con un cu-cú roto, medio fusil de Matmos, pero nos gustó mucho crear ritmos fuera de las formas tradicionales.

¿Los demos que estan en tu Myspace estarán en tu disco?
No, ninguna de las del Myspace saldrán en el disco, es que había tantas que producir y tan poco tiempo que mejor agarramos otras para que sonaran más frescas.

¿Algo más que quieras compartir?
¡Ahhh! que nunca es tarde para mezclarse con la música, y que aprender un instrumento no es algo tan formal o difícil. Creo que todos tenemos algo de músicos y que no debemos de vetar esa área. Creo que el mundo sería mucho más interesante si todos expresaran sus sentimientos por medio de música u otra cosa (jajaja paz mundial).

MP3: Juan Son /// Bonanza

Video: Juan Son /// Nada

Por: Midori

Chetes es uno de los pocos cantantes mexicanos que ha logrado mantenerse en la escena musical desde hace unos años. Su onda rock-pop ha llegado a ser del gusto de muchas personas. Pero la verdad, durante la entrevista sí me sorprendí un poco, porque no refleja la personalidad que tiene en sus canciones, pero bueno, aún así ha logrado tener varios hits. Para quienes no lo sepan, él inició con Zurdok, más tarde se mudó a Vaquero y actualmente se está concentrando en su carrera solista. Con motivo de su segundo álbum titulado Efecto Dominó, tendrá una presentación el el jueves 11 de septiembre en el teatro Metropólitan.

¿Cómo fue el salto de Zurdok a Vaquero?
Fue algo natural que la terminar, con el tercer disco ya no hallábamos la forma de seguir juntos, cada quien estaba con diferentes ideas. Para mí fue muy natural seguir haciendo música con Mauricio, quien es compañero mío desde la primaria. Cuando hicimos el proyecto nos costó mucho trabajo armar y grabar todo el disco, después tuvimos la ayuda de otro productor llamado Peter Reardon quien también trabajó con Zurdok. Realmente la excusa era seguir haciendo música, a la vez, lo hicimos en inglés para que se enmarcara que era algo distinto, que no fuera a pensar al gente que íbamos a hacer algo similar a Zurdok, ya que la mayor parte de las canciones eran de Mauricio y mías, entonces queríamos romper con eso.

¿Qué piensas que Zurdok haya continuado?
No he escuchado nada de lo que han hecho, sé que han estado en algunas tocadas, pero no siento que hayan continuado porque no hicieron ninguna grabación ni nada.

¿Crees que algún día se reintegrará Vaquero?
Sí, porque tengo una muy buena relación con Mauricio y con Guardiola. Tenemos ganas de hacer algo, no ha habido el tiempo ni es el momento. Básicamente sería para divertirnos y ver qué sucede, sería un proyecto independiente sólo que no sabemos cuándo.

¿Te esperabas el éxito de Blanco Fácil?
No sabía qué pensar. Yo nada mas quería seguir adelante y encontrar la forma de vivir de lo que me gusta. Es bueno que haya tenido tan buena aceptación, no pensé en lo que fuera pasar, simplemente me dejé llevar y confié mucho en la gente con la que estaba trabajando, con Camilo Lara, con Federico Ponce de León, entre otros. Todo se armó de una manera muy inesperada, no tenia pensamientos de qué iba a suceder y qué bueno que sí funcionó.

¿Internacionalmente cómo fue aceptado este disco?
Es como dar un primer paso, salio en España en EU, y creo que también en Chile. Estuve en el Vive Latino chileno, y en España fui de promoción. Para mí fue un primer paso, tampoco esperaba gran cosa, básicamente es hacer la lucha y empezar desde abajo, estoy contento de que se haya hecho el esfuerzo de sacar el disco y ojalá que se edite en otros países y que suene un poquito mas y que funcione mejor; con la esperanza que represente algo en otros países.

¿Por qué le pusiste al segundo Efecto dominó?
Compuse una canción que muestra una inquietud: ver cómo se dan las cosas, de cómo algo insignificante a veces modifica tu vida de una manera inesperada. Como me gustó el concepto que engloba por eso le puse así al álbum.

¿Qué cambios hubo en cuanto al sonido en este segundo disco?
Creo que este disco es mas rockero y tiene letras más profundas, también hay temas tranquilos pero en general trae más rock y guitarras eléctricas que el pasado, y tiene más influencia del blues y del country.

¿Qué errores cometiste en Blanco Fácil que evitaste volver a cometer en este segundo?
No pienso tanto en eso, pienso que los discos deben de ser un material que capturen el momento que estás pasando en esa época. Tal vez después de 5 años diría que me hubiera gustado hacer otra cosa, pero creo que lo mejor es capturar lo que se siente en el momento. Todo lo que hago es muy sincero, no pienso que haya cometido algún error del cual me siente apenado, sobre todo con los dos últimos discos, a los que les tengo mucho cariño y son puros temas míos y puedo hacer lo que mas me gusta.

¿Cómo reseñarías tu nuevo disco?
Que está buenísimo, que es el mejor disco del año de rock-pop.

¿Qué sorpresas tendrás en tu próxima presentación?
Tengo planeado, no es sorpresa, incluir más instrumentos en vivo, y un coro que me apoye en algunas canciones, pero más que nada es tocar en vivo y conectar con al gente. No me preocupan mucho las luces o un espectáculo de explosiones, me preocupa más tocar bien y los temas que a la gente le vayan a gustar. Sobre todo que conecte con mi música y pasarla bien. Eso es lo que vamos a hacer, aparte el lugar agrega mucha energía positiva porque es muy bonito, y espero que la gente cante las canciones.

¿Qué metas quieres lograr dentro de cinco años?
Estar feliz y tener salud y seguir haciendo lo que me gusta y encontrar la forma para seguir en esto, porque son tiempos difíciles. No es fácil encontrar una propuesta en la que crees y vivir de esto, siempre está el camino mas fácil, hacer un tipo de música que te hace más sencillo el camino, y cuando haces algo de corazón en estos tiempos es más difícil.