Luego de su masivo hit “Young Folks” y que se volvieran los favoritos de blogs y páginas de música especializadas, Peter Bjorn & John regresan ahora sí, ya que el año pasado lanzaron el disco instrumental Seaside Rock, el cual dejó mucho que desear. El disco saldrá en primavera y se desprende el primer sencillo “Lay It Down” el cual ya tiene un video.

MP3: Peter Bjorn & John /// Lay It Down

Gran parte de la razón de ser de los blogs de música es que se adelantan en el tiempo para decir cuáles serán las bandas que todos estarán escuchando dentro de poco. En Me Hace Ruido decidimos, ya sea por medio de un oráculo o sueño premonitorios, quiénes serán los que estarán haciendo ruido en el 2009. Cada colaborador en base a su gusto por algún género determinado le hizo la apuesta a bandas que por lo menos si no pegan o serán los próximos MGMT o Vampire Weekend, son buenas propuestas que vale la pena escuchar.

Aprovechando la oportunidad les agradecemos a todos los que han pasado por esta página por crear junto con nosotros un espacio de música más. Lo mejor para el 2009 de parte del staff de Me Hace Ruido.

CHELITO dice:

Quedan ya pocos días de este fugaz 2008, año de conciertos a granel, de nuevos promotores que entran al ruedo del booking y los shows con poca experiencia pero mucha actitud, año en el que seguimos viendo las mismas caras de siempre, aunque tímidamente se asoman por ahí nuevos rostros, un año en el que para muchos el balance es más que positivo y para otros fue simplemente desastroso.

Todo este desvarío me sirve como preludio para lanzar los siguientes cuestionamientos al aire, algunos a manera de preguntas retóricas, otros buscando realmente a alguien que tenga la respuesta:

¿Será este 2009 el año en el que realmente esta industria que amamos y a la que le dedicamos tantas horas de nuestras vidas adquiera niveles de profesionalización que nos lleven a un punto más alto?

¿Que camino tomará la industria discográfica? ¿Podrán las disqueras independientes subsistir a través de aquellos nichos que tanto disfrutan la oferta musical que proveen? ¿Los grandes conglomerados, cuyas ostentosas oficinas parecen ahora elefantes blancos estarán a la altura de los tiempos? ¿Entenderan de una vez por todas que las reglas del juego son otras? ¿La gente seguirá bajando discos, apilándolos en una gran repisa virtual hasta que los músicos detrás de las obras consigan day-jobs y dejen de hacer lo que tanto nos llena porque simplemente el dinero no llega a donde debe?

¿Seguiremos esta misma tendencia en la que surgen grupos con beats repetitivos y ropas fosforescentes uno detrás de otro? ¿Parecerán los conciertos fiestas faranduleras en las que el público hipster con actitudes despreocupadas se enreda en profundas conversaciones mientras la banda en cuestión sirve como mero acompañamiento musical en tercer plano?

2008 fue un año de promesas cumplidas, de crecimiento constante, de democracias chinas y refrescos para todos, de nuevas propuestas, de conciertos memorables, de discos que serán considerados obras maestras en diez años, de tenues acercamientos hacia nuevos modelos de distribución y consumo de información, un año donde las barreras geográficas se borraron a través de un revival ochentero que trajo a nuestro país a artistas de diferentes latitudes, un año, en pocas palabras, camaleónico.

Espero que todo lo construido durante 2008 funcione como base para crear una nueva industria, habrá que ver que sucede cuando los directores de marketing de todas las marcas que invirtieron millones en la música que tanto nos gusta se volteen hacia sus directores revelándoles que el indie (en su más amplia definición) no es lo de hoy, ¿Se habrá cimentado el camino hacia la autosuficiencia? ¿Seguiremos con esta increíble andanada de conciertos sin el omnipresente patrocinador detrás? Espero que todas la gente que invirtió en la música este año vea que todo ha funcionado, que las propuestas han aumentado exponencialmente y que la única manera de llegarle a los jóvenes es aceptando sus gustos y cobijándolos más allá de imponerles gustos y patrones de consumo. Es la hora del fan empowerment, asi que hay que apapacharlo.

En fin, una serie de interrogantes para recibir el 2009 con los brazos abiertos…

JOSUELO augura:

Passion Pit
Banda proveniente de Estados Unidos, porque no todo lo que suene a electropop con onda tiene que venir de Australia. Su música está cargada de sintetizadores y samplers hiceron mucho ruido con un EP titulado Chunk of Change el cual salió en septiembre del 2008 y del cual “Sleepyhead” es la rola que les ha abierto las puertas para el primer trimestre se espara su debut.
Myspace

Pacific!
Originarios de Suecia, este dúo electropop está compuesto por Danny y Bjorn, los dos de 35 años, muy en la onda ambietes y texturas nostalgicas del funk y disco setetenro como los francesces de Air. Cuentan con tres EPs y un disco debut que esta por editarse en varias países fuera de Londres. Su estética gráfica les da puntos extra
Myspace

Cheap Time
Trio de punk garage de Tennessee, su sonido esta en el mismo canal que el de Jay Reatard rolas cortas con excedente de energia, guitarras y distorsiones sus vinules y eps son ya catalogados como de culto ya que muchos de ellos ya estan agotados ademas aún no deciden con que disquera sacar su larga duracion por el temor de perder el control de musica,
Myspace

Florence and the Machine
El fenómeno de cantautoras inglesas está por desgastarse ya que siempre hay una nueva Lilly Allen, o una nueva Kate Nash. Ahora es el turno es para Florence and the Machine, una chica que con pop que se aleja un poco de las dos antes sitadas y se asemeja mas a Bat For Lashes. Tiene una muy banda de apoyo y un par de singles editados con el mitico sello de Moshi Moshi. En mayo de 2009 se espera el debut.
Myspace

Stricken City
Sin duda mis favoritos son este cuarteto del Reino Unido. Rockcito indie lidereado por Rebekah Raa con una potencial fuerza temas melancólicos y buenas estrectruas rìtmicas sin ser rebuscados, dan un pop similar al de Holy Hail.
Myspace

Amazing Baby
Duo de Broklyn integrado por Will Roan (voz) y Simon O’Connor (guitarra). Son de la camada de MGMT, Chairlift, Boy Crisis. Es rock con toques electro y sicodélico, esperemos que ya entreguen un album completo.
Myspace

Heartsrevolution
Este es un trio, salvo que son dos personas las que den la cara, entran en la corriente electro de New York. Han sido mezclados por Crystal Castles y han formado parte de los compilados de Kitsuné. Aún siguen trabajando arduamente en sacar su debut porque se han clavado mas en el diseño y mercancia inspirados de su hit musical “C.Y.O.A.”
Myspace

MOONMAN augura:

We Have Band
Esta banda es la perfecta candidata para que aparezca en por lo menos 3 portadas de la NME el próximo año. ¿Por qué? Porque tiene ese sonido electrónico con toques rock (como un buen bajo) con vocales que combinan graves y agudos como lo hace Hot Chip, aparte de que la voz del vocalista da cierto aire a la de Bloc Party. Este trío conformado por Thomas WP, Dede WP y Darren Bancroft hacen una extraña combinación atemporal musical que va desde Talking Heads con ESG pasando por New Young Pony Club, aparte de que son cuates de buenos remixeadores como Metronomy y otros nuevos talentos que darán de qué hablar en las pistas de baile el próximo año. La verdad esta banda debería tener promoción para que en una de esas pise tieras mexicanas.
Myspace

Frankmusik
Simbólicamente su primer disco Complete Me saldrá a la venta el 1 de enero de este año. Previo a esto sacó un EP titulado 3 Little Words. Él es la nueva apuesta que ha hecho Stewart Price (aka Les Rytmes Digitales y Zoot Woman) que produjo el grandioso regreso de Madonna (Confessions On The Dancefloor) y el horripilante Day & Age de The Killers. Lo bueno, es que este proyecto se asemeja más a lo que Price hace en sus proyectos solistas al hacer un electropop muy bueno, onda Calvin Harris, pero más pop. Su experiencia previa a este disco ha sido el remezclar a Mika, Radiohead y CSS.
Myspace

Suave As Hell
Lo que la escena mexicana necesita es un grupo que no sólo se amarre de la generación independiente para medio copiar un sonido para estar en onda. Este grupo afortunadamente cuenta con una muy buena variedad de instrumentos que le dan diversidad a su música ya sea por las flautas o por un órgano que le da cierto aire sicodélico como alguna vez lo hizo el dueto francés Air. Aparte la dulzura de la voz del vocalista es increíble, algo que no veíamos desde Porter con Juan Son. Ojalá den el salto rápido de banda telonera a una banda fuerte, como lo hizo Austin TV y Porter. Aquí pueden ver unas fotos que le tomamos en su presentación el El Imperial. recuerden que abrirán los conciertos de The Dears en México.
Myspace

ARCHIE augura:

Pavement
El maestro Stephen Malkmus nos anda engañando desde hace dos años con la reformación de una de las mejores bandas “Indie Weeee!” que ha existido. Pavement, sin embargo, dice que aún falta un disco más de su actual proyecto Stephen Malkmus And The Jicks, pero cada vez se hace más latente este rumor. Será de lo mejor del próximo año definitivamente.
Myspace

The Phenomenal Handclap Band
Cada vez  captan más la atención proyectos que integran sonidos eclécticos y una gran diversidad de instrumentos, fusionando el pop y el electroclash, este combo neoyorquino conformado por casi 30 elementos, entre ellos varios que tienen otras bandas, llamará la atención de la crítica. Aun no tienen un disco completo pero hay varias rolas sonando en la red. No se si sean la sensación masivamente pero si los recomiendo bastante.
Myspace

En cuanto a géneros:
El regreso del thrash!
Desde hace unos años el metal y sus derivados han retomado fuerza y este genero viene con todo y es algo que agradecemos de sobremanera!!!!. Si no, preguntenle a Metallica.

Britpop
Blur ya confirmó su regreso, Oasis sigue dando tumbos, talvez Pulp reaparezca (¡Ojalá!) y de un poco antes, The Smiths que andan entre que sí y que no, así que no nos sorprendamos con bastante sonido inglés en el 2009.

MARIO augura:

Bombay Bicycle Club
Aún no tienen un disco en forma, pero su EP Evening/Morning les ha dado reconocimiento en Europa y próximamente en América. Son muy jóvenes y eso da para pensar en lo que se viene con estos cuatro chicos ingleses. Por el momento su sonido es muy fresco, pero falta ver que presentarán cuando salga su disco debut. Los han etiquetados  como: indie, british, indie rock, indie pop y alternativo, en realidad es una de esas propuestas que hay que escuchar para poder generar un criterio propio. Algo de llamar la atención en su música son las guitarras, tienen muy buena energía. “Evening Morning” es el primer sencillo que promocionan y del cual ya hasta tienen video. Al principio la voz te remite a Iinterpol, pero eso es sólo como referencia, ya que su estilo es muy diferente.

En el 2009 sin duda sabremos más de esta banda, ya que además de tener talento tienen una cierta dosis de carisma.
Myspace
ROJA augura:

A nivel nacional creo que bandas como Vicente Gayo ganarán un buen lugar. Así como The Plastics Revolution se harán un poco más conocidos.

En cuanto al folkcito, le doy muchas esperanzas al nuevo disco, recién estrenado estos días, de unos de mis grupos favoritos los glasgowegians My Latest Novel.

La onda electrosa estoy segura que seguirá con mucho punch, como con la chica que realmente me grada mucho Little Boots.

Magistrates van a sonar bastante, aunque serán una bandita más de este año.

La onda popera tipo Lilly Allen tendrán un éxito asegurado pero no pasará de la típica receta y mismas ventas que en su primer disco.

Beirut con su visita a México y su último disco será muy sonado, como cuando vinieron por primera vez Kings Of Convenience. Va a resultar que a todo mundo siempre le gusto Beirut.

PESINA SILLER augura:

En el 2009 habrá más música de bajos: más dubstep, new rave, grime, etc. Y no tardará en aparecer un género nuevo salido de los productores de breakcore, pues últimamente están muy influenciados por el dubstep y esa música de baile.

Los tapatíos Pony Rex (finalistas de Cuervo And Roll) serán el hit, cuando graben su disco producido por Paco Huidobro de Fobia.

Coco Solid es una chica de Nueva Zelanda, este año fue como participante a la Red Bull Music Academy. Hicimos un track juntos, el cual está Myspace.

El new rave se masificará aún más, tal vez llegue a ser tan popular como el psy trance, y se escuchará más de esos DJs que producen sus propios mashups.

Espero que haya más pop electrónico raro como Gang Gang Dance o Larytta, a los que les va muy bien visualmente eso de la sicodélica digital como la de MGMT o Paper Rad, como en este video de Okyo.

ALINA augura:

Como nueva propuesta de este año dentro de los géneros comerciales a nivel global, los ritmos africanos hicieron muy bien su trabajo, por lo que valdrá la pena voltear a ver el siguiente trabajo de Vampire Weekend y Amadou & Mariam, quienes bajo producción de Damon Albarn (de vuelta a Blur) reafirmaron el gusto del momento por los ritmos tribales.

Que el 2008 hay terminado con el cierre de MTV México, abre posibilidades a nuevos medios alternativos como blogs y canales de televisión transmitidos por internet para la promoción de videos musicales, a menos que queramos quedarnos con Telehit como el único medio hecho en México con ese propósito. Además de que iremos a Argentina para la próxima entrega de los premios MTV 2009.

Los revivals musicales que causaron furor los doce meses anteriores, nos dejan ver que para los doce siguientes “lo de hoy” serán el metal y el britrock y pop, pues todos los reencuentros y giras regresando a grandes eminencias del olvido han apuntado y apuntarán a estos géneros. Cabe mencionar que el sonido actual agrega más voces agudas, por lo que podríamos pensar que los Bee Gees volverán también (espero que no), y más guitarras estruendosas que muestran claramente que los 70 y 80, son los “early 2000″. Es difíicil mencionar alguna banda como gran favorita del 2009, pero Blur y Metallica nos dan un ejemplo perfecto de lo que sucederá en el próximo año, habrá que revisar las propuestas que saldrán a raíz de esto en nuestro país.

Por último: ¡Morrisey, aprovéchale y regresa con los Smiths!

Fotos: Roja

Años y meses de espera con un boleto muy caro en la mano valieron hasta el último centavo para ver a la Reina del pop . Uno de los conciertos de mi vida sin lugar a dudas (por lo que mi reseña-crónica seguro esta sesgada).La percepción del concierto varía mucho dependiendo de si son hardcore fans o no, pero definitivamente todos disfrutaron de un espectáculo impresionante, con un juego de luces únicas, bailarines que parecían de goma y animaciones increíbles.

Muchos comentarios mencionan que cantó mucho de su última producción Hard Candy y poco de lo anterior, pero si hubiera hecho lo contrario estaríamos quejándonos de que se quedo atorada en los ochentas y algo que caracteriza a Madonna es su constante renovación e innovación. Es cierto que no vino en más de 15 años pero hay que ser realistas, tiene un show ya establecido que no se puede adaptar a cada país.

Fueron pocos los momentos en los que interactuó con el público mexicano, pero en los que hablo el dio las gracias por recibirlos después de tantos años “Thank you for having us”. Para la segunda fecha tanto Madonna como el público se vieron más animados, ella invitaba a las personas seguir gritando y aplaudiendo, ha no bajar los brazos, incluso dijo “I’m the boss, who told you to put your hands down”

Canción por canción fue más o menos así.

• “Candy Shop” fue el tema con el cual en trono de su majestad Madonna salió del suelo, ella con las piernas abiertas y una sonrisa de boca a boca.

• Human Nature fue el segundo tema seguido por una mezcla de Vogue y 4 minutes.
• En “Jump” brincó la cuerda y en “She’s Not Me” sus bailarines se disfrazaron de las diversas Madonnas y fue de una a una a jalarles el cabello e incluso beso a una.
• “Hung Up” se caracterizó por impresionantes visuales del metro que los bailarines movían haciendo que las puertas del “metro” abrieran y cerraran.
• “La Isla Bonita” fue una combinación con ritmos gitanos muy a la Gogol Bordello, recordemos que en una de sus presentaciones el mismo Gogol la acompaño en dicha canción.
• “Like A Prayer” y la versión rocker “Borderline” fueron de los temas clave de la noche con los cuales todo el Foro Sol cantó con ella.
• “Músic” y “Ray of Light” animaron al público y lo hicieron bailar y gritar.
• La canción del público -por más que lleve mi pancarta que decía “Secret” no la cantó- fue la de “Sorry” en el primer concierto y “Express Yourself” en el segundo. La petición de la primera fecha fue “Deeper And Deeper” pero Madonna le dijo que escogiera una canción que todos se supieran; “Toño” de la segunda fecha pidió “Cherish” y Madonna le dijo “Fuck Off” y una segunda petición fie “Hollywood”.
• En “Spanish Lesson” todos le contestamos a la diva cuando dijo: “Do you speak Spanish” – “¡Si!”
• Finalizó con un largo mix de “Give It 2 Me” con boomboxes en los monitores. Al terminar salió un letrero de “Game Over” y tocaron “Holiday” para desalojar al público.

Jamás podré olvidar este tipo de concierto. El estar tan cerca te permiten ver la realidad de una artista que uno nunca imagine ver. Músculos impresionantes, se le salen las venas de las manos y los brazos, ojos azules muy claros, boca un poco caída, uñas cortas, en su mano izquierda portaba su hilo rojo del Kabbalah (buena suerte, o no se, se puso muy de moda hace algunos años).

Simplemente WOW.

Más fotos: Aquí

Fotos: BigIdeas (OzCorp)

En Inglaterra todas las miles de nacientes bandas están buscando ser la próxima sensación (o “the next big thing” como bien decía Dan Le Sac VS Scroobius Pip). En México aún no existe este tipo de cultura, pero si la adaptáramos, Zoé definitivamente ocuparía este lugar. ¿Por qué? Porque son una banda que ha creado su propio sonido evitando mucho de los lugares comunes que todos los de la generación indie caen.

Desde sus primeros días en Cuernavaca han creado una legión de fans que se han ganado a pulso por sus constantes presentaciones. El clímax de esto fue su presentación en el Palacio de los Deportes hace un año, que quedó inmortalizado en el disco 281107. Ahora para seguir en este punto alto, lanzan el disco Reptilectric, una producción en la cual experimentan llevando su sonido a donde no habían imaginado.

En el caso de Zoé, ¿cómo fue el proceso de integración?
León: Creo que como cualquier otro. Nos conocimos casi todos en la prepa en Cuernavaca, menos Rodrigo porque vivía en Monterrey. Ángel tenía su grupo, por otro lado yo tenía otro con Chucho y Sergio, nos llamábamos El Clan, luego tuvimos que cambiar el nombre porque nos enteramos que había uno que se llamaba así.

En casi todo inicio de un grupo hay un periodo de covers…
Sergio: Nosotros nunca tuvimos uno.
L: Sergio y yo siempre nos sentábamos a escribir las canciones.

¿Qué discos son los que tenían como gusto compartido?
S: Nos gustaba mucho The Beatles, pero sin duda la primer banda que nos abrió la puerta musicalmente al hacer algo más sofisticado y contemporáneo fueron The Charlatans, especialmente la canción “Weirdo”, al igual que The Cure y todo lo que fue la escena de Manchester.

En la década de los 90, el rock mexicano tenía muy tatuada el águila en el pecho en el sentido de que debía sonar muy “latino” para encajar en la escena, ¿por qué optaron por un camino distinto?
S: Nunca nos latió la onda del misticismo y los nopales.
L: Queríamos hacer una música que sonara a nivel internacional.
Ángel: Por eso nos gustaba Fobia porque eran los únicos que sonaban distintos a todos.

Supongo que en esa época de aprendizaje fueron a muchos conciertos para aprender cómo una banda se mueve en el escenario
L: En esa época México estaba muy castigado en ese sentido, sólo íbamos a conciertos de Fobia o Caifanes. Creo que hoy en día hay gran faceta para la nueva generación de rockeros ir a ver a grupos que tardaban años en venir.

Normalmente previo a ser masivamente descubiertos, un grupo lanza un EP, o disco corto, ¿cómo fue en el caso de ustedes?
L: Hubo un disco que eran una serie de demos de canciones que luego salieron en nuestro primer disco. Esas grabaciones las vendíamos en nuestros conciertos… Creo que en el Chopo aún consigues copias.
S: Las primeras grabaciones las hicimos en 4Track, en cassette, todavía no teníamos acceso a las computadoras. Teníamos un amigo que le gustaba la grabación y gracias a él y a un tío que es músico tuvimos acceso en grabar en PC, creo que eso fue en nuestra tercera camada de demos.

En las primeras veces que se metían al estudio de grabación, ¿qué diferencia sintieron a comparación de tocar en vivo?
S: Nos aventamos a algo que no conocíamos bien. Decidimos hacer el disco financiado con la lana de un amigo que nos apoyó. Era una experiencia nueva, pero ya teníamos algo de experiencia al hacer los demos. Canciones como “Miel” se transformaron y se definieron a la hora de grabar.
L: Algunas otras canciones que tocábamos en nuestros inicios les pasó lo contrario, no se escuchaban bien, así que las descartamos.

¿Ustedes mismos se producían?
S: Sí, en varias canciones nos ayudó un amigo llamado Uriel, que nos ayudó en canciones que tenían más orientación al sonido electrónico, por ejemplo en “Deja te conecto”.
L: Ahí fue cuando conocimos a Phil Vinall, quien se volvió nuestro productor de cabecera. Les mandamos las rolas sin mezclar y nos fuimos a Londres para terminar la mezcla con él.

Cuando comenzaron su carrera, hace más de 10 años, no había tantas herramientas de promoción como Myspace, ¿cómo empezaron a promocionar el disco?
L: Cuando regresamos de Londres, empezamos a ver quien lo quería editar. Nuestra opción fue Sony, ya que ellos sí creyeron que nuestro proyecto sería un hitazo, lamentablemente en esa época canciones como “Deja te conecto” era productos muy extraños. Nos ayudaron mucho a ser masivamente conocidos.

Un momento mágico para un grupo es cuando escuchan por primera vez su sencillo en la radio, ¿cómo fue en su caso?
L: Increíble, no lo podíamos creer.
S: Fue una sensación bonita, pero breve, porque cuando sacamos “Asteroide” Radioactivo no la quería tocar. Creo que la banda fue creciendo de show en show y los medios comenzaron a voltear a nosotros por la convocatoria que teníamos. Me acuerdo que el primer concierto donde nos dimos cuenta que a la gente le gustaba nuestra música fue cuando nos invitó Jumbo y Zurdok a abrir su gira “Odisea” en el Salón 21.

Una de las cosas que llaman mucho la atención de Zoé es la relación que tienen con sus fans, ¿cómo han mantenido esa buena relación?
L: Cuando tocas es cuando los fans confirman que eres su banda favorita. Ese cariño surgió a través de las tocadas en vivo.
S: Algo que también lo hace una relación especial y emotiva son las letras de León, ya que les llega de una manera más profunda. Hemos tratado de hacer obras completas, que a lo mejor en el primer o segundo disco no lo logramos tal cual, pero tenemos la fortuna de tener fans de discos y no nada más de sencillos.

¿Qué aprendieron del primer disco para darle dirección a Rocanlover?
L: Hay tres diferencias importantes: la primera es que el primer disco era una compilación de canciones de todos los años que llevábamos y que no habíamos tenido la oportunidad de sacar, hay canciones del 93 o 97; segunda: en Rockanlover por primea vez ya era un conjunto de canciones hechas y destinadas para este proyecto; y por último tuvimos acceso a un estudio más pro al que habíamos tenido acceso.

¿Ustedes llegan con cosas hechas al estudio?
L: Llegamos con los demos. Del Rockanlover para acá Phil nos ha felicitado porque llegamos con cosas más armadas. Nos confesó recientemente que con los primeros demos con los que llegamos le deban risa.
S: Ahora ya llegamos con algo más armado, hay canciones que están muy bien y otras que estaban pésimas y le dábamos otra vuelta.
L: Desde que mezclamos con él, se ha convertido en nuestro maestro. Todos lo que hemos aprendido de lo que debemos o no hacer ha sido por él.
S: No es una persona clínica o académica, sino que se mueve más por intuición e instinto, aunque tiene una formación más técnica y clásica como ingeniero. Él trata de romper las reglas y no le importa que los niveles estén en rojo, ni nada de lo que el manual dice. Siempre nos dice: “Confía en tus oídos, no en tus ojos”.

El gran salto de su carrera fue lanzar el EP The Room, ¿para ustedes cómo fue el cambio de Sony a Noiselab?
L: Fue la segunda vez que Sony nos daba una carta de retiro: en la primera lloramos y en la segunda lo celebramos. Estábamos muy libres y después de “Love” las cosas se empezaron a balancear a nuestro favor y empezamos a construir lo que sería Memo Rex… pero nos colgamos mucho y decidimos sacar unas canciones antes y probar la independencia con Noiselab. Fue un experimento para ver que podía pasar.

A partir de la exposición mediática por el sencillo “Dead”, ¿no sintieron un cambio en sus vidas al convertirse en la próxima gran banda de México?
L: Cuando tocamos en el Vive Latino ahí sí decíamos: “Órale, que pasó”.
S: Nuestro manager nos propuso hacer un Metropólitan, y nosotros le decíamos: “Estás loco, no lo vamos a llenar jamás”, y cuando nos dimos cuenta ya teníamos dos fechas. Esos fueron los indicios de la gran convocatoria que “Dead” provocó.

Con el concierto y disco 281107, cerraron el ciclo de Memo Rex. ¿Después no sintieron presión por dar el siguiente paso?
S: Era lo lógico, pero no nos sentimos presionados de superarnos a nosotros mismos al hacer mejores canciones. A lo mejor en Memo Rex.. sí sentimos más ese tipo de presión.
L: Ese concierto en el Palacio de los Deportes fue como cerrar el ciclo de 10 años y nos sentíamos frescos para empezar de nuevo.

Desde que concibieron Reptilectric, ¿quisieron hacerlo fuera de México?
L: Teníamos ganas de grabarlo en otro estudio y otra ciudad. Al final lo logramos porque lo grabamos otra vez en Texas, donde hicimos Memo Rex… es un lugar ideal para relajarse y trabajar. La mezcla la hicimos en Los Ángeles… fue una experiencia nueva… No sé si la volveríamos a hacer ahí.

Por ser un entorno texano, ¿no hubo cierta influencia del lugar?
S: Este lugar está aislado de todo, es un rancho en la frontera con Juárez, a media hora de El Paso. Te sientes tan aislado que no puedes ni quieres salir a ningún lado.
L: El estudio es de ensueño, el dueño del rancho es un amor y tiene una colección de guitarra que vale cientos de miles de dólares. Si necesitas un instrumento hablaba y te lo conseguía. Dormíamos y comíamos ahí, y por mo mismo se volvió una experiencia muy intensa.
S: Parecía que estábamos atrapados en la película El día de la marmota.
Á: A final de cuentas el lugar dio buenos resultados.

En la canción “Reptilectric” se nota que quisieron hacer más experimentaciones sonoras, ¿eso encontraremos en el resto del disco?
L: Está lleno de colores y experimentos que teníamos ganas de hacer.
Á: Como no teníamos ninguna presión nos “deschongamos”.

¿En qué forma experimentaron?
S: Con tratar de cambiar algunos sonidos que ya traíamos como el teclado. Teníamos ganas de hacer algo muy orgánico, porque este disco ya lo hicimos con un baterista porque no teníamos en Memo Rex…, aunque Siddartha nos había ayudado en algunas canciones..
L: Las componíamos en ese entonces en Reason.
Á: Como siempre fuimos autocríticos y tratamos de no repetir sin dejar de ser Zoé.

¿Por qué el nombre Reptilectric?
L: Desde 2007 se me ocurrió el nombre y les decía a todos que se debía llamar así nuestro próximo disco. En la grabación de los demos decíamos: “Que suene más reptilectric”. Fue así como caminó en la cuestión sónica. También me empecé a clavar con historias de poesías mayas, y se me ocurrió en el caso de la canción “Reptilectric” relacionarlo con Quetzalcóatl, donde se convierte un personaje, pero en general es un concepto sónico en el disco.

¿Qué tienen preparado para sus nuevas presentaciones?
S: Va a tener que ver con el video y con el arte del disco.
Á: Vamos a renovar el uso de las luces y cosas nuevas para el escenario. Para las canciones vamos hacer nuevas versiones en vivo.
S: Si a una canción si hace falta hacerle un update lo haremos para que no nos de hueva tocarla en vivo. Pero nos morimos de ganas de tocar el disco nuevo.

MP3 /// Zoé - Reptilectric

Foto: BigIdeas (OzCorp)

Una de las bandas que Beck considera como de lo mejor en Latinoamerica regresa con All U Need Is Mosh después de muchos años sin sacar material original. Su cocktail lounge rocker, se ha vuelto una masa de punk, hip hop a la vieja usanza y muchos guitarrazos que para nada descepcionará a los seguidores de “Mr. Pmosh” o “Nalguita”. Más bien este es una nueva etapa en el que el dueto conformado por Rosso y Jonás incluye una banda en vivo más amplia para darle nueva vida a su catálogo y mostrar estas nuevas canciones. Entrevistamos a Jonás para que nos de más detalles de su último álbum.

Desde el año pasado en el Corona Fest, ya se veía que las nuevas canciones tendrían un giro más rockero
J: Es como estamos sonando ahorita. El disco todavía tiene su lado que está compuesto por dos personas en algunos temas. Tiene partes más eclécticas, de electrónica antigua “old school” emulando con Herbie Hancock pero más rocker, por otro lado hay punk rock y canciones amigables para la radio y tele, otras suenan hip hoperas otras new waver onda Falco.

Todos pensaban que habría un disco luego de sus presentaciones de finales del año pasado
J: Eso es una de las cosas que nos dicen nuestros amigos de que nos tardamos un chingo. Se aplazó mucho porque: una, teníamos tiempos que nos daban la compañía disquera; dos, porque nos alargaron el tiempo de sacar este disco porque nos pusieron un recopilatorio en medio y que de alguna forma le fue bien; y tres, porque teníamos que depurar el disco y pensarlo hasta que estar seguros de que estaba bien y que mínimo si no vaya a ser un madrazo yo estaré estoy feliz y puedo poner mi jeta por el disco. En conclusión sacrificamos tiempo por calidad porque es una cuestión de cariño y no tanto de negocio.

Platícanos sobre la grabación del disco All U Need Is Mosh
J: Empezó con la llamada de Rosso diciéndome: “Oye wey ya quiero componer” y yo también ya quería empezar algo nuevo. Empezamos a practicar y obviamente los primeros temas eran horribles y los desechamos, pero empezaron a salir cosas buenas. Luego ya empezamos a ver qué camino estaban tomando las canciones, qué estudio queríamos y qué músicos invitaríamos para cada canción. Lo empezamos a grabar en Monterrey, luego nos fuimos a El Paso, Texas y Los Ángeles. Ahí conocimos a Al Jourgensen de Ministry y lo invitamos, es que somos mega fans, de hecho en un principio queríamos hacer una banda como Ministry. De repente lo conocí en una borrachera, dormí en su casa y grabamos en su estudio donde grabó uno de los discos que más me ha influenciado.

Cuéntanos sobre la colaboración que tuviste en la canción “Paso fino” con Adrián D’Argelos de Babasónicos
J: Es amigo desde hace mucho tiempo, tenemos un cariño y admiración mutua. Hubo un momento en que éramos las bandas incomprendidas de cada hemisferio porque éramos los raritos. Pero con el tiempo ganamos espacios con lo que hacíamos y eso hizo que nuestro lazo se hiciera más especial. Estábamos haciendo los últimos temas del disco y teníamos una maqueta que sonaba muy bien pero no tenía letra; yo venía de componer todo el disco, yo estaba completamente seco y no quería escribir cualquier cagada. Entonces vimos que la canción no necesitaba que fuera cantada, sino que fuera recitada, una onda Serge Gainsbourg muy arrogante. Entonces pensamos: arrogante… argentino… pues Adrián. Le mandamos la maqueta y nos la regresó, quedamos maravillados desde la primera toma.

¿Cómo fue en el caso de Niña Dios?
J: Es una chavita que salió de Monterrey que me presentó un amigo cuando todavía no era conocida, ahora ya está viajando y haciendo cosas interesantes. Hace como tres años me la presentaron y me dijeron que rapeaba muy bien, porque en Monterrey no hay muchas morras que lo hagan bien. La invité a una tocaba y a Rosso le voló la cabeza. Nos hicimos compas, incluso Rosso le hizo un par de maquetas para su demo. Participa en la canción “Danny Trejo”.

¿Sobre la colaboración de Ximena y Paty?
J: Estuvo raro porque yo escribí la canción “Pervert Pop Song” pensando en que una morra la cantara cachondón y rico. Invitamos a Paty Lynn y Ximena, que son amigas. Ximena ya se convirtió en una bomba, y Paty está en una banda que se llama Angora que están apenas comenzando. Mezclamos las voces y quedó una masa cachonda naive perversona.

¿Por qué salió primero el disco en Estados Unidos?
J: Porque decidimos que no queríamos tener otra compañía trasnacional y optamos por una independiente, la que más nos gustó es National Records. También lo hicimos para calentar el terreno en EUA y colocarlo en otros países. En México fue más difícil porque el hecho de que somos mexicanos y de que había más intereses, por eso se tardó más. También salió primero en Chile, Argentina y España, algo que no nos había pasado y que no nos ha caído nada mal. También nos dio chance para ver la magnitud que podría tener el grupo y darnos cuenta de que hay una nueva generación de chavos que nos quieren oír. Hay gente que lo buscaba en internet, comprándolo por iTunes, bajándolo pirata que igual que si lo bajan nos da hasta gusto, hasta tiendas en Monterrey importándolo. Pero pronto lo va a distribuir EMI en diciembre.

¿No has tenido el gusanito de producir más bandas o hacer algo que no pudieras hacer dentro de Plastilina Mosh?
J: No tengo madera, ni paciencia, ni interés. Me gusta enfocarme en cosas que me gustan mas no en cosas que debo enfocarme. Si a lo mejor me dicen que hay una banda que está padre y va a haber billete, y que la produzca por más que quiera no me saldría. Rosso sí tiene esa madera, aunque últimamente ya no tanto porque estuvo concentrado en este disco. A mí me gusta componer, dar unos demos horrible y luego ya que la banda lo grabe bien. Gran parte de esto fue mi colaboración con Los Concorde.

MP3: Plastilina Mosh /// Pervert Pop Song

Ver: Reseña: Plastilina Mosh /// All U Need Is Mosh

Lo único bueno que hizo MTV hace 15 años fue unir musicalmente a Latinoamérica. Es por eso que no es raro que las nuevas propuestas de otros países suenen en México y tengan buena aceptación. Justamente Los Bunkers es un ejemplo de esto, ya que su decisión de usar a México como base de operaciones fue por un encuentro mutuo que se dio de manera natural por su disco Vida de perros. Ahora, ya que el encuentro se dio, y que han firmado un contrato con Universal para sus siguientes discos, lanzan Barrio Estación, el cual es musicalmente más maduro y con nuevos aires que ocultan algo de nostalgia y emoción por igual para esta agrupación chilena.

¿Cómo se formó Los Bunkers?
Francisco: Fue una cosa natural porque tanto Álvaro y Gonzalo son hermanos, así como Mauricio y yo, Mauro es un gran amigo y se juntó con nosotros. Conforme cada uno fue teniendo su proyecto, llegó un momento en que decidimos juntarnos tomar la música en serio y dedicarle tiempo. Creo que había una determinación de hacer las cosas bien.
Mauro: Aparte de las relaciones sentimentales que tenemos entre nosotros, cada uno encontró en la música desde niño una manera de divertirse. Mucho de lo que los une es que disfrutamos escuchar y discutir de música. Nuestros padres nos pusieron la costumbre de escuchar música.

Todas las bandas cuando inician hacen cóvers, pero ustedes han mantenido ese espíritu hasta ahora al tocar uno que otro en sus conciertos…
F: De hecho por otro lado escuchábamos música folklórica chilena que escuchaban nuestros padres, del lado rockero siempre nos ha gustado The Beatles. Cuando conocimos a Mauro ya tenía muchos discos de The Kinks o The Byrds, entre todos nos prestábamos los discos y así comenzamos a compartir los mismos gustos.

Ustedes surgieron en una época en que comenzaba la globalización, en donde el compartir la música es mucho más fácil, antes tenías que esperar a que importaran un disco que era carísimo. Lo interesante es que lo logran combinar con música chilena como Quilapayún, ¿cómo han combinado las raíces musicales chilenas con el gusto que tenían hacia el rock sesentero?
Mauro: Proviene del hogar el gusto hacia la música latinoamericana. En mi caso, en el tiempo de los gobiernos militares, era una música prohibida y no se podían escuchar los discos. De alguna manera esa música sobrevivió y vivió en nuestras casas, ya sea por afán político o lo que sea, nos gustaba Violeta Parra y después nos enteramos de su contexto histórico. Cada uno desarrollo sus gustos musicales, nos incentivaron a la música de las peñas, que eran eventos como colegios o iglesias donde tocaban esa música “prohibida” folklórica.
Mauricio: El hecho de dedicarnos a la música es que nunca hemos dejado de ser fans de la música en general, el asunto de hacer cóvers es de fans. Hay discos en donde se nota más eso que en otros.

¿Cómo eligieron sus canciones para su primer EP, que curiosamente es algo muy de los 60’s?
Mauro: No recuerdo cómo en qué nos basamos, pero queríamos enfocar lo que íbamos a hacer después, en ese momento el EP era muy precario, hacerlo era tomar las cosas en serio.
F: Grabamos el EP en un ensayo con el audio de una cámara de video, la idea era que el demo fuera también un registro visual.

¿Fue para tratar de conseguir un sonido más “en vivo”?
F: Tampoco teníamos medios para conseguir un estudio. Fue el RCA que salió de la cámara y sólo lo ecualizamos.

Ya con el demo bajo el brazo, ¿cómo empezaron a promocionar su música?
Mauricio: Terminamos a grabar el EP, luego le dijimos a un amigo que nos prestara su estudio para grabar y así fue como grabamos nuestro primer disco Los Bunkers y terminamos de grabarlo en dos días. Nuestro amigo lo llevó a una estación de radio (Rock & Pop) y lo empezaron a tocar. Escucharse por primera vez en la radio es uno de los periodos más bonitos de nuestra carrera, es un recuerdo muy feliz.
Mauro: La primera vez que nos escuché en la radio fue cuando me habló la hermana de una amiga con la que estaba viviendo. Cuando escuchamos nuestras canciones nos da mucha emoción, le subo el volumen y la canto, aparte nos sirve porque vemos el tema como fan y lo vemos de otra manera.

Al empezar a hacerse conocidos les dio la oportunidad de conocer a grandes figuras del rock chileno como Los Tres o Los Prisioneros, ¿hubo alguna especie de “apadrinaje”?
F: Más bien comenzó como una colaboración en el caso de Álvaro Henríquez de Los Tres porque le pedimos que produjera nuestro segundo disco.
Mauricio: Por medio de él conocimos músicos más viejos. Nosotros empezamos a verlos en el escenario y ver lo dedicado que eran. Ver su modo de actuar o sus trajes nos ayudó mucho y también nos puso en una posición muy noble al empezar a conocerlos. Fue una manera de ir encontrando la gente precisa gracias a nuestra música, en vez de pensar: “¿En qué nos puede ayudar?”, pensábamos en tener una relación musical con las personas que se nos pusieran en frente por el proceso natural que la música nos daba.

¿Cómo comenzó su relación con México?
F: En una de estos conciertos fueron Café Tacvba e hicieron un palomazo con Los Tres. Ahí los conocimos y Joselo fue el que trajo unos demos a México y lo transmitieron en Reactor. Fue algo bien natural porque lo pusieron y la gente lo pidió porque les gustó el disco sin pedir nada a cambio. Cuando vinimos por primera vez no había una lógica de promoción porque no teníamos el mismo orden de sencillos que en Chile.
Mauro: El disco Vida de Perros salió en Chile por una disquera pequeña llamada La Oreja y estaba empezando a crecer; nunca hubiéramos esperado que el disco se editara en México.
Álvaro: Pensé que la disquera nos había dicho eso para creer que todo iba bien, pero no le creímos mucho hasta que Meme de Café Tacvba nos mandó un mail diciéndonos que estaba sonando nuestro disco en México. Luego nos llegó la edición mexicana del disco con diferente portada, ya que la portada original era la imagen de la bota con un perro, que viene dentro del booklet.
Mauricio: Luego nos invitaron al Vive Latino.
F: Sabíamos que era un festival gigante y recuerdo que antes de subir la gente empezó a gritar nuestro nombre. Cuando tocamos “Ven Aquí”, al grupo se nos salió el corazón, porque fue una emoción gigante ver lo que una canción pude hacer en un lugar que ni siquiera conoces y que consiguió el apoyo.
M: Luego volvimos a Chile pensando que tardaríamos en regresar. Pero pensamos en que acá había mucho trabajo por tiempos más prolongados. Empezamos a dimensionar las cosas y pensamos que fue un encuentro mutuo. Ahora con el lanzamiento del nuevo disco Barrio Estación, creo que tenemos una visión, sabemos lo que estamos haciendo, tenemos proyecto, una línea.

¿Por qué escogieron el título Barrio Estación para su último disco?
F: Es un lugar que está en Concepción, en donde está la estación de trenes y además está lleno de antros… es un lugar donde la gente va a quedarse pedo. No es tan grande, es un lugar a la orilla de un río. Le pusimos así porque refleja la situación actual del grupo: hicimos las maletas y nos vinimos para instalarnos. Las letras del disco tienen que ver mucho con el partir, y las reflexiones que surgen a partir de viajar o de mirar para atrás. Es un toque de nostalgia y una manera de hacer referencia a un lugar de nuestra ciudad.
Mauricio: Es un sentimiento de doble emoción, es como cuando sales de casa para vivir solo. La portada engloba ese sentir.

MP3 /// Los Bunkers - Me Muelen A Palos

Foto: BigIdeas (OzCorp)

Su última presentación en nuestro país se dio en el Manifest del 2006 y fue una verdadera sorpresa tomando en cuenta que para ese entonces venían de una gira por europa y de que se encontraban en su faceta de banda independiente que busca abrir camino. Ahora ya con una nueva disquera y con tres discos ampliamente aceptados por los fans mexicanos, los cuatro integrantes de Delays regresan para presentar formalmente en México su último disco Everything’s the Rush. Pero antes de su presentación tuvimos la oportunidad de convivir con ellos y descubrir que aparte de carisma, la banda tiene muy buena disposición en su contacto con el público y la prensa. En entrevista con Greg Gilbert (voz y guitarra) y Colin Fox (bajo) conocimos un poco más acerca de su disco, inspiración, influencias y hasta de su opinión acerca de su éxito en el extranjero.

¿Para ustedes que es o que significa Everithing’s The Rush?
Greg: Es el primer disco con otra disquera (compañía). Es como empezar de nuevo. Con el primer disco nos esforzamos mucho y obtuvimos muy buen resultado, con el segundo continuamos con el mismo ritmo de trabajo y salieron las cosas, pero con este tercero nos presionamos para que todo saliera perfecto, lo cual esta bien porque escribía mucho. El disco lo grabamos en 18 días, grabábamos un tema diario, fue un proceso muy detallado.
Colin: Nos tomamos en realidad el tiempo necesario para saber que entraba y que se iva. Este álbum es un poco menos espontáneo que los otros  pero con una mayor sensibilidad.

¿Cómo funciona su proceso de creación de temas?  Primero elaboran las letras y después entra la música o surge todo al mismo tiempo.
Greg: Aaron es el que escribe las letras, tiene un muchas ideas para las canciones. Por lo regular primero escribe un fragmento y después piensa en la música. Escribe algo y regresa para pensar que tipo de arreglo le vendría bien a esa letra. Un buen ejemplo de eso es “Love Made Visible” o “Pieces”, la música se basa totalmente en las letras. Primero surgen las frases y después de meditarlas puedes componer.

Siendo ustedes una banda independiente, se han dado a conocer en un país tan lejano y diferente como México. ¿Qué opinan de que su música tenga muy buena aceptación en un país tan diferente y distante al suyo como lo es México?

Greg: Yo creo que es porque nuestra música es honesta, nosotros no sonamos como otra banda y sobretodo no lo buscamos. Cuando empiezas tu carrera tienes influencias de otras personas, pero ya que encuentras tu propio camino, tu personalidad,  tu música es imposible que suene igual a la de otra gente. Somos una banda honesta y no estamos al pendiente de estar siempre en los primeros lugares de las listas de popularidad y yo creo eso es lo que nos conecta con la gente, disfrutamos lo que hacemos y eso le gusta al público.
Colin: Somos una banda muy melódica. No es estrictamente necesario que alguien sepa de que tratan las letras para que le guste realmente lo que hacemos. Nuestra música contiene melodías muy fuertes y eso es apreciado en cualquier parte del mundo.

La crítica los encasilla en el britpop, pero ustedes hacen algo más, mezclan elementos electrónicos y psicodélicos en su música. ¿Cómo definirían su propuesta?
Greg: Creo que no estamos en su totalidad dentro de lo que es el britpop. No nos basamos en los géneros comerciales, si no fuera así no haríamos la música que hacemos. Nosotros sólo ponemos atención a lo que realmente nos gusta y no seguimos los parámetros que nos hagan estar constantemente sonando en la radio.
Colin: Tenemos muchas influencias de lo psicodélico, desde los Beatles hasta los Stone Roses, pero también lo mezclamos con el pop de los 80.

¿Cuales son sus bandas favoritas?
Greg: Nuestros gustos son muy variados, pero Nirvana, The Beatles, Daft Punk, Stone Roses, ABBA, son de nuestras bandas favoritas.

¿Les gusta alguna banda mexicana?
Greg: Escuchamos hace poco a El Gran Silencio y nos gustó mucho. Suenan realmente a lo que es México. Combinan elementos muy folklóricos con rock y eso es fantástico. Su música es una muy buena representación de su país.

¿Qué puede esperar una persona que asista por primera vez a su concierto?
Greg: Es totalmente una actuación en vivo, es decir, no estamos únicamente parados en el escenario viéndonos muy cool y actuando como si no nos importará el público. Bailamos e interactuamos con el público, y ellos a su vez lo hacen con nosotros. No es un concepto de banda y público por separado, en todo momento tratamos de divertirnos y de que la gente se divierta. Buscamos que por unos instantes pases un muy buen rato para que después regreses a tu vida cotidiana.

¿Qué canción les gusta interpretar más en un concierto?
Greg: A mi me gusta interpretar “Friendo Are False”, creo que es muy apta para crear una reacción en la gente.
Colin: “Touch Down” tiene cualidades muy especiales. La distorsión del bajo hace que en ese momento se pueda sentir que la gente realmente esta bailando y esta disfrutando de la canción.

¿Qué opinan del público mexicano?
Greg: Tienen mucha pasión. Las personas que estaban presentes en el soundcheck estaba muy emocionada, eso es algo que no sucede en cualquier parte del mundo.
Colin: La gente tiene mucha pasión. Desde que llegamos al aeropuerto la gente quería tomarse fotos y autógrafos de nosotros, eso es algo increíble.

MP3 /// Delays - Love Made Visible

Ver Delays @ Hard Rock Live

A una semana del lanzamiento de su segunda producción Nueva América, Quiero Club platicó con nosotros para darnos más detalles de esta producción que por mucho superará la maldición del segundo disco por incorporarle ritmos más latinos y experimentar en lugares donde anteriormente no lo habían hecho. Aparte este disco servirá para darse a conocer en Latinoamérica y también para preparar el terreno para su próxima visita a Japón.

¿Qué aprendieron de su primer disco que aplicaron para este segundo?
Bosco: Creo que fue el conocernos más en el estudio. A la hora de empezar Nueva América ya sabíamos justo lo que buscábamos y creo que le sacamos mucho provecho a eso. También el trabajar con más gente nos llevó a llevar todo a un plano más seguro en el aspecto de composición, arreglos y en producción.

¿Habrá una colaboración en este nuevo disco?
Luis: Estamos contentos porque tuvimos la fortuna de hacer una canción con Jorge Gonzáles de Los Prisioneros, en cuatro días hicimos una canción juntos.
Bosco: También tuvimos la fortuna de trabajar más en cuestión de arreglos con un gran músico de Monterrey llamado Luis Ignacio Rosales que es un gran saxofonista, y los Hermanos Caballeronos ayudaron en las percusiones, además, Federico Caballero AKA “La Guayaba” (organista de Los Plebeyos) nos honró con sus habilidades en el tema “Nueva América”, que le da nombre al disco.
Luis: También hicimos una canción con Jason Roberts, al igual que muchas banda de Monterrey.

¿Qué van a implementar en vivo en sus nuevas presentaciones?
Luis: Tenemos muchas inquietudes en vivo, pero eso lo estaremos viendo en los primeros meses que nos estemos presentando con este nuevo disco. Estamos emocionados por tocar estas canciones porque las canciones de WOF las venimos tocando en vivo desde hace 4 años.
Catsup: Ya tenemos un par montadas, pero estamos en una transición y le queremos dar más peso a las nuevas canciones. Se va a poner interesante porque estamos concientes de que queremos hacer algo más interesante para no perder la vibra de comunión con la gente, porque nos gusta mucho convivir. Por eso queremos diseñar el show de cierta forma para no perder la esencia de la banda.

¿WOF les abrió las puertas internacionalmente?
Luis: WOF salió en marzo en Japón. Tenemos muy buena relación el distribuidor allá, incluso 80Kidz nos hizo una mezcla de “Let Da Music”  que salió en la edición japonesa y próximamente el disco nuevo saldrá allá. Tenemos en la mira visitar Japón el próximo año. También tocamos en Rock Al Parque en Colombia, creo que fue muy positivo porque no nos conocían y por lo menos ahora tenemos un antecedente y esperamos volver y seguir bajando.

¿Por qué lanzaron “Showtime” mucho tiempo antes del lanzamiento del disco?
Luis: Creímos que iba a salir el disco dos meses después…
Marcela: Necesitábamos refrescar los oídos de nuestros fans, era merecido porque nos hemos tardado mucho en sacar este segundo disco.

¿Cómo se les ocurrió la idea del video de “Showtime”?
Bosco: Fue Gustavo el que propuso y nosotros le seguimos la corriente.
Catsup: Fue como: “Aquí tenemos una camarita, tenemos un día, saca tu carro y vámonos al centro” ,y entre todos lo hicimos escogiendo un par de bardas que nos inspiraran. Fue como una rally.
Luis: Después de dos horas sabíamos como recoger las luces y la cámara bien rápido porque nada más eramos nosotros cinco y sólo dos amigos más.

¿Han pensado invadir Estados Unidos?
Bosco: Queremos ir para abajo… ah no, para arriba, bueno queremos ir a Sudamérica.
Catsup: Si nos invitan pues vamos.
Luis: Es atractivo aunque realmente estamos concientes que las primeras veces que vayamos allá va a ser sólo para atacar el mercado latino. Aparte tenemos problemas legales para presentarnos allá.

¿Algún mensaje final?
Priscila: Estamos contentos con los resultados creo que dimos un gran paso, nos sentimos mucho más contentos. Vamos a meter canciones más tropicales y electrónicas.
Luis: Cada género se logró más: lo tropical es más tropical y lo electrónico más electrónico.
Marcela: Estamos un poquito más seguros de lo que estamos haciendo, estamos más experimentados.
Catsup: Como que se expandió el sonido.
Priscila: Aparte nos ayudó colaborar con gente muy talentosa.
Luis: Estamos seguros que la gente que nos viene siguiendo les causará mucha emoción el concepto del disco. Les podemos decimos a la gente que tengan mucha expectativa de lo que viene y que pueden llegar a ser parte de algo grande junto con nosotros.

MP3 /// Quiero Club- The Flow

Esta disquera canadiense tiene en su catálogo a grandes grupos como Broken Social Scene, Stars, Los Campesinos!, The Stills y Constantines, y están a punto de embarcarse en una aventura que parecería suicida: poner una sucursal en México a pesar de la piratería. Para explicar este movimiento, quien mejor que Jeff Remedios, su fundador, para explicarnos sobre la dinámica de esta disquera. “Creo que no todo en la piratería es mal, ya que está creando una oportunidad para que los fans de alrededor del mundo puedan conocer a sus artistas. Yo digo que no estamos en la industria discográfica, sino en la industria musical. Es por eso que decidimos traer grupos a México, ya estando aquí nos dimos cuenta que hay una comunidad en cuanto a músicos y espectadores muy emotiva”.

Jeff trabajaba en una compañía grande de discos y se percató de que empezaba a haber muchos cambios en la industria, como el vender discos en la menor cantidad de tiempo: “Pensé que en cualquier momento me despedirían, así que mejor hice una empresa donde pudiera trabajar con mis amigos como Kevin y Brendan de Broken Social Scene me dijeron que les gustaría comenzar la disquera con su primer disco You Forgot It In People”. Los primeros dos años y medio firmaron sólo a grupos que eran recomendados por los que ya estaban firmados, de ahí que se les considere como un “colectivo canadiense”.

Al preguntarle si en México desean hacer un colectivo parecido dijo: “Vayan al sitio y manden su demo o en la oficina, trataremos de escuchar lo que podemos, aunque es poco común porque casi todo viene por recomendación, queremos seguir ese concepto de comunidad. Es como comenzar de nuevo, pero con los mismo principios que tuvimos”.

Al finalizar la entrevista nos alegró el día con la noticia de que tienen planeado traer a Los Campesinos! para su próximo concierto de Arts & Crafts México, que será a principios de 2009.

Por: Mario García

A dos años de haber lanzado su EP homónimo, Satin Dolls regresa con su disco de larga duración titulado Luces y Sombras, un álbum integrado por 10 temas inédito que refleja una clara evolución en su sonido ya que ha dejado sus orígenes marcados del new wave para adentrarse un poco en los terrenos del rock, el pop y la música electrónica. En entrevista con Joe (guitarra), Chanto (teclados), Karen (voz), Diego (bajo) y Ricardo (bateria) nos comentaron un poco acerca de su estilo musical, su nuevo disco y la gente con la que trabajaron.

¿Cómo definen su música?
Chanto: Realmente nosotros no le ponemos una etiqueta, porque en realidad no la hay. La banda tiene tintes de electropop, de new wave, de dark wave, rock. Somos una banda difícil de encasillar.
Joe: Yo creo que nos consideramos más una banda de rock porque es la música que principalmente escuchamos. Alguna vez escuche que Bono (vocalista de U2) define la diferencia entre el pop y el rock es que el rock te hace sentir mal y el pop te hace sentir bien, y nuestras canciones tienden más hacia el lado negativo, que hacia el lado positivo.

En su nuevo disco Luces y Sombras manejan muchos contrastes ¿Cómo llegaron a eso?
Chanto: Quisimos buscar un título que englobara los temas que abordaban las canciones, el desprenderse de alguien, el ser engañado, asuntos relacionados con tu historia, con tu pasado, no en el sentido positivo, y por el otro lado hay dos temas que hablan de la esperanza, de algo bueno que al final puede pasar.

¿Con quién trabajaron en este disco?
Ricardo: Trabajamos con el productor Yamil Rezc (Subdivisión, Payro, LeBaron) y la mezcla corrió a cargo de Phil Vinall (Radiohead, Placebo, Zoé). Yamil fue como un integrante más del grupo,  nos ayudo muchísimo a definir el estilo que queríamos. En la onda de la mezcla la  aportación de Phill fue toda una artesanía, le dio mucho color a las rolas, les dio más profundidad.

¿Qué tipo de música están escuchando actualmente?
Ricardo: Yo estoy escuchando el último disco de Nine Inch Nails y a Black Rebel Motorcicle Club, pero en general a muchas bandas.
Diego: Actualmente es difícil decir que estas escuchando sólo un estilo de música, yo por ejemplo estoy escuchando el último disco de Timbaland, y pues no tiene que ver con lo que hacemos.
Karen: Escuchamos de todo, en realidad tratamos de nutrirnos de varios géneros.

MP3 /// Satin Dolls - No Estás

“Hacer un disco es como fabricar una mesa: buscas la madera, los clavos y martillo, la empiezas a pintar y la adornas como quieres, claro, que a final de cuentas puedes comprar una ya hecha, pero no tiene la esencia de uno”.

No cabe duda que estamos viviendo una de las épocas más prósperas de la música, en la que los artistas comienzan a dejar a un lado las grandes disqueras para que sus obras intelectuales lleguen de la manera más honesta a los fans (eso al eliminar intermediarios para que el costo final de sus obras sea el más justo). Todo esto permite, junto a la tecnología, que un músico pueda crear, distribuir y vender su música a su gusto. Esto se ve reflejado en la cada vez más extensa escena mexicana, donde la descentralización del DF y la exploración y mezcla de distintos géneros es más común.

Es por eso que proyectos como el de Siddhartha salen a la luz: un chico cuyo nombre no fue comercialmente creado, ya que su padre se lo puso inspirándose en libro del mismo nombre de Herman Hesse.

Guadalajara fue el lugar que empezó a tocar instrumentos desde los seis años, especializándose en la batería, que como cualquier curioso primerizo en la música creó pequeñas bandas para divertirse sin saber que se convertiría en su trabajo y modo de vida.

“Empecé a concebir la idea de crear mi propio material, porque después de haber participado en varias bandas, me había quedado la espinita de meter lo que no pude haber hecho en los proyectos que participé”, nos platica Siddartha, cuya primera producción titulada Why You? fue grabada de manera independiente en donde él ejecutó casi todos los instrumentos, y llevó la batuta de producción. En general podíamos decir que él mismo rompió la idea generalizada de que todos se necesita toda una industria para grabar su material: “Es como fabricar una mesa: buscas la madera, los clavos y martillo, la empiezas a pintar y la adornas como quieres, claro, que a final de cuentas puedes comprar una ya hecha, pero a final de cuentas tiene la esencia de uno”.

Uno de los tantos puntos en su curriculum, fue el haber sido baterista de varios proyectos independientes, y músico de apoyo a Zoé en una gira y en la grabación de una canción del famoso disco Memo Rex Commander… Al preguntarle si por ser la batería el instrumento que más domina es el punto de origen o columna vertebral de las canciones, dijo que no siempre es así, que en s primera producción partió desde otra perspectiva, al iniciar la composición con la letras y voz: “Hay veces que te tardas mes y medio en una canción, y otras veces en un segundo se aclara la idea y lo entiendes más fácilmente. No hay un método reglamentado para componer”.

Al crear su propio espacio musical tuvo un proceso inverso al invitar a músicos independientes con quien había participado como Aldo Muñoz (del grupo Enter), Marcelo Salazar (quienes considera importantes en la escena en Guadalajara a pesar de no tener los reflectors encima), y gente más conocida como Richie de Belanova, a quien pensó inmediatamete para que ejecutará el bajo en la canción “Nada”, y también a Chemín Santillán (Plástiko) y Shaboomy (Efecto Simplex).

Su primera producción resume años de experiencia y ganas de crear música, el cual fue agotador por hacerlo completamente por su parte: “Es el cierre de una etapa, de ahí el título Why You?, pregunta que traté de responder a lo largo del proceso… creo que al final en parte contesté parte la pregunta”. Ahora vendrá la etapa de presentarlo en vivo en donde participarán músicos de Plástico, y otros más que participaron en la grabación, el cual garantiza que sonará muy distinto que el disco. esto ha llevado a que su disco Why You? haya ganado el premio a Disco solista del año en la pasada entrega de los Indie-O Awards, y también está nominado al Grammy Latino 2008 para Mejor Album de Rock Vocal.

En este disco, Siddhartha fue muy meticuloso con la producción, se fijó que cada instrumento estuviera perfectamente ecualizado y en su lugar: “Creo que la tecnología y la globalización a la música me ha favorecido, porque puedes escuchar la música original de otra persona que en otro lado del mundo, que sirven de inspiración y motivan a la creación”.

En el resultado final, podemos ver una interesante mezcla de elementos folk como guitarras acústicas con ciertos toques de country, o ritmos funkys como el que encontramos en “Nada”, que se fusionan con arreglos electrónicos que terminan por armonizar perfectamente las canciones. Es interesante escuchar cómo creó distintos niveles en la voz al interpretar con distintas tonalidades, cosa que sólo le queda bien a personalidades como Gustavo Cerati.

Su primer sencillo es “Sacúdeme”, cuyo video fue regalado por Manuel López, quien se dedica a la animación. “Escuchó la canción cuando era una maqueta, le gustó tanto que fue a Guadalajara para filmar en green screen. Pasaron seis meses y me entregó este video que es una gran producción. Afortunadamente lo que ha pasado en este proyecto en general es que la gente se ha acercado por su propia voluntad y por estar interesado, generando un buen resultado”.

En el surrealista caso que Siddhartha te acompañara a la tienda de discos y que te lo recomendara, seguramente te diría: “Es como una artesanía, no es un producto hecho en serie, es íntimo, hecho de canciones transparentes y honestas; quizá esté mal que lo diga, pero tiene muy buena producción porque fui muy cuidadoso y detallista. Es un disco conceptual porque la fotografía, la música y las letras están relacionadas. No tiene altas pretenciones, sólo es una expresión de una persona en particular que plasmó lo que tenía adentro”.

MP3 /// Siddartha - Sacúdeme

www.siddhartha.com.mx

www.myspace.com/iamsiddhartha