Fotos por Roja

Sebastian Tellier en El Salón Covadonga // 12 de diciembre 2008

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Fotos: BigIdeas (OzCorp)

Una final más del Cuervo and Roll y un invitado más de lujo. Los encargados de cerrar el evento fueron los neoyorquinos de !!! (CHK CHK CHK), una de las bandas que mejor saben adueñarse del escenario.

Antes de su presentación se realizó la contienda para sacar al ganador y los elegidos fueron Ponyrex, una agrupación dentro lo convencional, pero que por momentos llamó la atención arriesgándose con algunos arreglos. Todos pasaron desapercibidos, porque los asistentes en su mayoría iban por la banda estelar y por el alcohol gratis, algo que también pudo haber afectado en que los presentes no tomáramos la debida atención para cada una de las bandas, pero bueno que se le va a hacer.

Al terminar este desfile de participantes, los reflectores y la atención se centraron en !!!, una agrupación norteamericana totalmente desinhibida y libre en el escenario. En el Corona Fest del 2007 se presentaron, y al igual que en este concierto, el buen ambiente se dio sin problemas. A pesar de que no cuentan con mucho material (sólo tienen tres discos), no dejaron la impresión de quedar a deber en tiempo y mucho menos en espectáculo. La improvisación se dio en todo momento, no faltaron los momentos de bailes raros y sobretodo de cambiar un poco las versiones conocidas de sus temas, algo que fue muy apreciado por la audiencia.

El punk dance se escucho muy bien en ellos, sobretodo con “Heart Of Hearts”, “Yadnus” o “Must Be The Moon” en donde nadie se quedo quieto,  y lograron que todos se prendieran y armaran una buena fiesta. Un acierto haber traído a esta show band, porque la verdad son muy buenos en vivo y sobretodo extremadamente espontáneos.

Fotos: Roja

Años y meses de espera con un boleto muy caro en la mano valieron hasta el último centavo para ver a la Reina del pop . Uno de los conciertos de mi vida sin lugar a dudas (por lo que mi reseña-crónica seguro esta sesgada).La percepción del concierto varía mucho dependiendo de si son hardcore fans o no, pero definitivamente todos disfrutaron de un espectáculo impresionante, con un juego de luces únicas, bailarines que parecían de goma y animaciones increíbles.

Muchos comentarios mencionan que cantó mucho de su última producción Hard Candy y poco de lo anterior, pero si hubiera hecho lo contrario estaríamos quejándonos de que se quedo atorada en los ochentas y algo que caracteriza a Madonna es su constante renovación e innovación. Es cierto que no vino en más de 15 años pero hay que ser realistas, tiene un show ya establecido que no se puede adaptar a cada país.

Fueron pocos los momentos en los que interactuó con el público mexicano, pero en los que hablo el dio las gracias por recibirlos después de tantos años “Thank you for having us”. Para la segunda fecha tanto Madonna como el público se vieron más animados, ella invitaba a las personas seguir gritando y aplaudiendo, ha no bajar los brazos, incluso dijo “I’m the boss, who told you to put your hands down”

Canción por canción fue más o menos así.

• “Candy Shop” fue el tema con el cual en trono de su majestad Madonna salió del suelo, ella con las piernas abiertas y una sonrisa de boca a boca.

• Human Nature fue el segundo tema seguido por una mezcla de Vogue y 4 minutes.
• En “Jump” brincó la cuerda y en “She’s Not Me” sus bailarines se disfrazaron de las diversas Madonnas y fue de una a una a jalarles el cabello e incluso beso a una.
• “Hung Up” se caracterizó por impresionantes visuales del metro que los bailarines movían haciendo que las puertas del “metro” abrieran y cerraran.
• “La Isla Bonita” fue una combinación con ritmos gitanos muy a la Gogol Bordello, recordemos que en una de sus presentaciones el mismo Gogol la acompaño en dicha canción.
• “Like A Prayer” y la versión rocker “Borderline” fueron de los temas clave de la noche con los cuales todo el Foro Sol cantó con ella.
• “Músic” y “Ray of Light” animaron al público y lo hicieron bailar y gritar.
• La canción del público -por más que lleve mi pancarta que decía “Secret” no la cantó- fue la de “Sorry” en el primer concierto y “Express Yourself” en el segundo. La petición de la primera fecha fue “Deeper And Deeper” pero Madonna le dijo que escogiera una canción que todos se supieran; “Toño” de la segunda fecha pidió “Cherish” y Madonna le dijo “Fuck Off” y una segunda petición fie “Hollywood”.
• En “Spanish Lesson” todos le contestamos a la diva cuando dijo: “Do you speak Spanish” – “¡Si!”
• Finalizó con un largo mix de “Give It 2 Me” con boomboxes en los monitores. Al terminar salió un letrero de “Game Over” y tocaron “Holiday” para desalojar al público.

Jamás podré olvidar este tipo de concierto. El estar tan cerca te permiten ver la realidad de una artista que uno nunca imagine ver. Músculos impresionantes, se le salen las venas de las manos y los brazos, ojos azules muy claros, boca un poco caída, uñas cortas, en su mano izquierda portaba su hilo rojo del Kabbalah (buena suerte, o no se, se puso muy de moda hace algunos años).

Simplemente WOW.

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Fotos: BigIdeas (OzCorp)

En sus tres visitas a nuestro país nunca han dejado de sorprender o han caído en la monotonía. Los Hives en verdad se toman muy en serio los comentarios de que son la mejor banda del mundo en vivo, si aún no lo son están haciendo méritos para poder lograrlo, y es que su concepto de contrastes, mucha energía y desenvolvimiento en unos trajes tan elegantes y serios, es muy bien transmitido y sobretodo aceptado por el público.

Los músicos de trajes blanco y negro fueron los encargados de cerrar las actividades en el Rockampeonato Telcel. El evento tuvo una excelente entrada para ser un concurso de bandas amateur, pero obviamente mucho influyó en que The Hives, Six Million Dollar Weirdo y HKBO eran parte del show. La mecánica fue un poco distinta en esta ocasión, primero se presento Six Million, después siguió el desfile de bandas amateurs para después cerrar con los oriundos de Fagersta, Suecia.

Nuevamente “Howlin’” Pelle Almqvist (vocalista de la banda) volvió a adueñarse del escenario, poco a poco se ganó a todos los que por primera vez escuchaban y presenciaban lo que es esta agrupación en vivo. Su personalidad divertida, su buen y casi fluido español y sobretodo la seguridad que tiene en el escenario fueron los elementos que le ayudaron a crear la química con los asistentes. Todos son muy buenos en su papel de roqueros con estilo jet set, pero su líder sigue siendo uno de los atractivos principales. Su repertorio en general prendió, pero en “Walk Idiot Walk”, “Tick Tick Boom” y “Hate To Say I Told You So”, la gente se les entrego. De los mejores momentos también fue cuando se quedaron congelados (un sello característico de la agrupación) a la mitad de “You Got It All…Wrong”, la despedida de la banda integrante por integrante cuando interpretaban “Tick Tick Boom” y los frecuentes saltos de Almqvist para bajar del escenario y estar en contacto con los fans.

Dos presentaciones en un mismo año, dos despliegues de talento musical y creatividad en el escenario. Bien por los Hives.

Fotos: BigIdeas (OzCorp)

Aun cuando todo parecía perfecto para una gran noche, algo no terminó de cuajar (como gelatina marca libre). Un lugar muy agradable, una banda con cierto renombre y un par de visitas anteriores a la ciudad como teloneros de los conciertos de Depeche Mode, una barra con pirámides de botellas, inclusive una fuente de tequila, (ni en Xanadu soñaron esas perversiones). Pero se quedó un sentimiento de insuficiencia en el aire. Tal vez fue la acústica del lugar, tal vez fue que ahora si la gente le presto más atención a la barra que a lo que estaba tocando en el escenario, quien sabe, lo que es definitivo es que se sentía cierta desidia en el aire. Inclusive los ganadores de esta edición, los cancunenses de Monroe, se escucharon mejor en el Covadonga, los otros ganadores, 3 Dudes & A Mullet también tuvieron una intervención un poco accidentada. A diferencia también del Covadonga, al finalizar She Wants Revenge, que tocó alrededor de 50 minutos terminando con la gran conocida “Tear you Apart”, todo mundo tenía prisa por irse del recinto, tal vez presentíamos los fríos que se avecinaban para esto días.

Agadecemos las facilidades otorgadas por Ache Producciones y Cuervo & Roll

Fotos: Salvador Bonilla / OCESA

Algo raro pasa entre R.E.M. y México. Tuve la oportunidad de ir al concierto del 2004 y a este y el público la verdad no está a la altura de lo que Michael Stipe y compañía. Es muy triste porque son una GRAN banda que no sé por qué padecen una especie de virus “one hit wonder” que ni al caso, o por que la gente sólo sigue escuchando “Losing My Religion” en estación que sólo tocan música de los 80s. Ellos son una de las bandas americanas más importantes que fueron impulsadas por las radios universitarios, fenómeno que grupos como Vampire Weekend sufrieron este año, justo 15 años después del lanzamiento del álbum debut de R.E.M.

El concierto de la ciudad de México fue el último del año, así que fue bastante especial para ellos y para nosotros. Y qué mejor que para promocionar el disco Accelarate, el cual es un magnífico regreso después del pésimo Around The Sun. En un inicio extrañamente la sección de $1,950 no estaba llena en un inicio, pero mágicamente se fue llenando, no sabemos si hubo remate de boletos.

Al inicio del concierto Michael Stipe salió entregando todo con sus clásicos bailes contorsionados, mostrando que es uno de los mejores frontmen que hay hoy en día. La selección de temas fue increíble, ya que a diferencia de su concierto de hace 4 años se concentró en discos más clásicos como Automatic For The People, o algunos de sus hits previos a que firmaran con Warner, ignorando el disco Up y Reveal, del cual sólo cantó “Imitation Of Life”.

Stipe dijo al público que una era oscura en el gobierno de Estados Unidos está por terminar, y dedicó la trilogía hacia lo que estaba pasando en Estados Unidos con las canciones de “Man-Sized Wreath”, “Ignoreland” y “Disturbance At The Heron House”. También cabe resaltar que hicieron una versión acústica del melodramático “Let Me In” del disco Monster, que le dio una nueva vida a esta canción.

Sólo en dos canciones Stipe dijo que eran sus favoritas: la primera fue “Hollowman”, la cual dijo que era una de las mejores letras que había escrito; y “Country Feedback”, una de las sorpresas de la noche que casi nunca la tocan y que les gusta mucho tocar en vivo.

En general el setlist complementó perfectamente lo que escuchamos la vez anterior que vinieron por tocar canciones más viejas de su repertorio como “Fall On Me”. Afortunadamente por ser el último del año tuvimos la suerte de que cantaran 4 canciones más de lo que tocaron en la gira sudamericana. Ojalá transmitan el mensaje de que R.E.M. es más que “Losing My Religion”, “Everybody Hurts” o “Man On The Moon” y que es una de las que han marcado una gran influencia en Estados Unidos y que hasta hoy en día con el gran resurgimiento de bandas americanas se darán más cuenta de esto.

Setlist
1. Living Well Is The Best Revenge
2. I Took Your Name
3. What’s The Frequency, Kenneth?
4. Fall On Me
5. Drive
6. Man-Sized Wreath
7. Ignoreland
8. Disturbance At The Heron House
9. Hollowman
10. Imitation Of Life
11. Electrolite
12. The Great Beyond
13. Everybody Hurts
14. The One I Love
15. Find The River
16. Let Me In
17. Bad Day
18. Horse To Water
19. Orange Crush
20. It’s The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)

ENCORE:

21. Supernatural Superserious
22. Losing My Religion
23. I Believe
24. Country Feedback
25. Life And How To Live It
26. Man On The Moon

Foto: BigIdeas (OzCorp)

Una de las bandas que Beck considera como de lo mejor en Latinoamerica regresa con All U Need Is Mosh después de muchos años sin sacar material original. Su cocktail lounge rocker, se ha vuelto una masa de punk, hip hop a la vieja usanza y muchos guitarrazos que para nada descepcionará a los seguidores de “Mr. Pmosh” o “Nalguita”. Más bien este es una nueva etapa en el que el dueto conformado por Rosso y Jonás incluye una banda en vivo más amplia para darle nueva vida a su catálogo y mostrar estas nuevas canciones. Entrevistamos a Jonás para que nos de más detalles de su último álbum.

Desde el año pasado en el Corona Fest, ya se veía que las nuevas canciones tendrían un giro más rockero
J: Es como estamos sonando ahorita. El disco todavía tiene su lado que está compuesto por dos personas en algunos temas. Tiene partes más eclécticas, de electrónica antigua “old school” emulando con Herbie Hancock pero más rocker, por otro lado hay punk rock y canciones amigables para la radio y tele, otras suenan hip hoperas otras new waver onda Falco.

Todos pensaban que habría un disco luego de sus presentaciones de finales del año pasado
J: Eso es una de las cosas que nos dicen nuestros amigos de que nos tardamos un chingo. Se aplazó mucho porque: una, teníamos tiempos que nos daban la compañía disquera; dos, porque nos alargaron el tiempo de sacar este disco porque nos pusieron un recopilatorio en medio y que de alguna forma le fue bien; y tres, porque teníamos que depurar el disco y pensarlo hasta que estar seguros de que estaba bien y que mínimo si no vaya a ser un madrazo yo estaré estoy feliz y puedo poner mi jeta por el disco. En conclusión sacrificamos tiempo por calidad porque es una cuestión de cariño y no tanto de negocio.

Platícanos sobre la grabación del disco All U Need Is Mosh
J: Empezó con la llamada de Rosso diciéndome: “Oye wey ya quiero componer” y yo también ya quería empezar algo nuevo. Empezamos a practicar y obviamente los primeros temas eran horribles y los desechamos, pero empezaron a salir cosas buenas. Luego ya empezamos a ver qué camino estaban tomando las canciones, qué estudio queríamos y qué músicos invitaríamos para cada canción. Lo empezamos a grabar en Monterrey, luego nos fuimos a El Paso, Texas y Los Ángeles. Ahí conocimos a Al Jourgensen de Ministry y lo invitamos, es que somos mega fans, de hecho en un principio queríamos hacer una banda como Ministry. De repente lo conocí en una borrachera, dormí en su casa y grabamos en su estudio donde grabó uno de los discos que más me ha influenciado.

Cuéntanos sobre la colaboración que tuviste en la canción “Paso fino” con Adrián D’Argelos de Babasónicos
J: Es amigo desde hace mucho tiempo, tenemos un cariño y admiración mutua. Hubo un momento en que éramos las bandas incomprendidas de cada hemisferio porque éramos los raritos. Pero con el tiempo ganamos espacios con lo que hacíamos y eso hizo que nuestro lazo se hiciera más especial. Estábamos haciendo los últimos temas del disco y teníamos una maqueta que sonaba muy bien pero no tenía letra; yo venía de componer todo el disco, yo estaba completamente seco y no quería escribir cualquier cagada. Entonces vimos que la canción no necesitaba que fuera cantada, sino que fuera recitada, una onda Serge Gainsbourg muy arrogante. Entonces pensamos: arrogante… argentino… pues Adrián. Le mandamos la maqueta y nos la regresó, quedamos maravillados desde la primera toma.

¿Cómo fue en el caso de Niña Dios?
J: Es una chavita que salió de Monterrey que me presentó un amigo cuando todavía no era conocida, ahora ya está viajando y haciendo cosas interesantes. Hace como tres años me la presentaron y me dijeron que rapeaba muy bien, porque en Monterrey no hay muchas morras que lo hagan bien. La invité a una tocaba y a Rosso le voló la cabeza. Nos hicimos compas, incluso Rosso le hizo un par de maquetas para su demo. Participa en la canción “Danny Trejo”.

¿Sobre la colaboración de Ximena y Paty?
J: Estuvo raro porque yo escribí la canción “Pervert Pop Song” pensando en que una morra la cantara cachondón y rico. Invitamos a Paty Lynn y Ximena, que son amigas. Ximena ya se convirtió en una bomba, y Paty está en una banda que se llama Angora que están apenas comenzando. Mezclamos las voces y quedó una masa cachonda naive perversona.

¿Por qué salió primero el disco en Estados Unidos?
J: Porque decidimos que no queríamos tener otra compañía trasnacional y optamos por una independiente, la que más nos gustó es National Records. También lo hicimos para calentar el terreno en EUA y colocarlo en otros países. En México fue más difícil porque el hecho de que somos mexicanos y de que había más intereses, por eso se tardó más. También salió primero en Chile, Argentina y España, algo que no nos había pasado y que no nos ha caído nada mal. También nos dio chance para ver la magnitud que podría tener el grupo y darnos cuenta de que hay una nueva generación de chavos que nos quieren oír. Hay gente que lo buscaba en internet, comprándolo por iTunes, bajándolo pirata que igual que si lo bajan nos da hasta gusto, hasta tiendas en Monterrey importándolo. Pero pronto lo va a distribuir EMI en diciembre.

¿No has tenido el gusanito de producir más bandas o hacer algo que no pudieras hacer dentro de Plastilina Mosh?
J: No tengo madera, ni paciencia, ni interés. Me gusta enfocarme en cosas que me gustan mas no en cosas que debo enfocarme. Si a lo mejor me dicen que hay una banda que está padre y va a haber billete, y que la produzca por más que quiera no me saldría. Rosso sí tiene esa madera, aunque últimamente ya no tanto porque estuvo concentrado en este disco. A mí me gusta componer, dar unos demos horrible y luego ya que la banda lo grabe bien. Gran parte de esto fue mi colaboración con Los Concorde.

MP3: Plastilina Mosh /// Pervert Pop Song

Ver: Reseña: Plastilina Mosh /// All U Need Is Mosh

Fotos: BigIdeas (OzCorp)

Por tercer año consecutivo se realiza el concurso de bandas Cuervo & Roll el cual arrancó sus eliminatorias desde hace unas semanas. El viernes pasado se hizo una eliminatoria más en el Covadonga.

Las bandas ganadoras de esta fueron: Los Monroe de Cancún y Vesspa del DF.

El gran acto de la noche fueron Plastilina Mosh, ya que fue la primera vez que se presentaron el el DF luego de estar en el Corona Music Fest, donde nos ya nos avisaban que su sonido sería más rocker. Tuvimos la oportunidad de escuchar algunas canciones de su nuevo disco All U Need Is Mosh, su primer disco original luego de dos acoplados. Las que destacaron fueron “Let U Know”, “Toll Free” y “Pervert Pop Song”. En vivo están acompañados de un músico de Jumbo, y una chava en los teclados ue hizo las voces para “Pervert Pop Song” y ” Millionaire”.

Las nuevas versiones de “Niño Bomba” y “Mr. Pmosh” sonaron bastante bien, mientras que todos bailaron “Peligroso Pop”, “Human Disco Ball” y “Nalguita”.

Con esta presentación quedó claro Plastilina regresó con todo, aparte de que ya tienen un largo repertorio de 10 años de discografía que lo hacen bastante dinámico y nada aburrrido. Sólo tendremos que esperar a que en el próximo mes salga la edición mexicana de su nuevo disco para no washashear las nuevas canciones.

Agadecemos las facilidades otorgadas por Ache Producciones y Cuervo & Roll

Foto: BigIdeas (OzCorp)
Pocos artistas logran hacernos recordar lo que el concepto concierto engloba, ya que es más que ir a un foro y ver al artista en cuestión ejecutar las canciones en vivo. Crystal Castles nos recordó que un concierto es un encuentro y que confronta a su público, casi como un reclamo para quitarse de encima la telas hipster y light que muchos medios le han dado.

Antes del concierto hubo una conferencia de prensa en la que sólo asistió Ethan Kath, ya que son muy celosos para las entrevistas. Varias personas tuvimos la oportunidad de hacerles preguntas de lo que sólo obtuvimos respuestas monosilábicas. De las pocas cosas que contó fue que una de sus influencias es New Order, que el proceso creativo de producción de las canciones comienza con Ethan y que después se lo da a Alice para que las “deshaga”, que su primer disco es (como en muchos artistas sucede) un acoplado de todos los demos que habían ealizado hasta el momento, y que les gustaría hacer un remix para Iggy & The Stooges. También ellos definieron su música como trash, no sabemos si el referente era musical o simplemente hacia la palabra basura. Lo más interesante que salió de este encuentro fue su versión de cómo se conocieron: Ethan estaba en una banda de heavy metal y querían salir de gira fuera de Canadá pero no podía, ya que tenía antecedentes penales, así que fue con un abogado y le recomendó que hiciera varias horas de servicio social para que se limpiara su historial, así que escogió una institución para leerle libros a los ciegos y ahí fue donde conoció a Alice, quien también estaba haciendo el servicio para igual borrar su historial delictivo.

Ya en el concierto, tuve la impresión de que tanto los organizadores nunca supieron acerca la intensidad de Crystal Castles en el escenario, y eso que esta es su segunda visita ya que el año pasado vinieron al Root’s. Más que ser un concierto creo que fue un performance de Alice Glass, quien fue catalogada este año como la persona más cool del año, según la revista británica NME; no importó si tiene 20 años y que de la impresión de que está más drogada que Amy Winehouse, tampoco importaba que se golpeara con el micrófono la cabeza entre las canciones, o que sólo lanzara alaridos en vez de cantar… su presencia en el escenario es impactante ya que tenía una relación de frente, directa y retadora hacia el público ya que se aventaba, les tomaba las manos, y retaba a los fotógrafos al retratarla. Por el lado musical, me recordó mucho lo que en el documental Part Of The Weekend Never Dies de Soulwax mencionaba uno de los herrmanos Dewaele: “Para ser DJ debes estar por lo menos un año en una banda de metal”, ya que justamente es una muy buena traducción de lo que sería en electrónico. El repertorio fue corto: entre las que cantaron estuvieron “Untrust Us”, “Crimewave” (que extrañamente fue la más coreada), “Magic Spells”, XXZXCUZX Me”, Air War”, “Courtship Date”, “Love And Caring” o “Mother’s Know Best”. Y en especial cuando cantaron “Alice Practice” entendimos el concepto de grabación que comentaba Ethan, que sólo le pasaba las pistas para que ella cantara, de ahí el título de la canción, en el sentido de que que Alice sólo practicara sobre la canción, y que a final de cuentas fue la versión que quedó. Por lo mismo que Alice, que lleveba puesta una playera de Bart Simpson, estaba en su rol de electronic femme fatale, empezó a mover una torre de luz, asustando a los organizadores y mandando a los de seguridad que debían contener a la gente para que la contuvieran a ella, también en una ocasión perdió el micrófono, haciendo que desde la consola (que se enconraba muy lejos) mandaran un nuevo micrófono.

Desafortunadamente el concierto se tuvo que acabar cuando Alice agarró el bombo de la batería para dársela al público, pero una persona de seguridad se lo quitó y Alice lo empezó a golpear y patear, acabando así uno de los conciertos más impresionntes de este año. Lástima que no tocaron “Vanished”…

El concierto fue organizado entre J&B, Sicario y Noiselab, y prometen que será el primero de muchos eventos más de este tipo.

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Fotos: Fernando Aceves / OCESA

Otra fecha más de la semana indie que ha tenido una asistencia no tan mala como todos hubiéramos pensado. Ahora les tocó el turno a Band Of Horses, uno de los consentidos de Pitchfork, que curiosamente ellos mismos son sus propios mánagers y son de la creencia de que las disqueras y todo lo que rodea a la promoción es negocio porque sólo es para quitárle dinero al artista.

En el concierto, que inició de súbito con “Is There A Ghost” de su último disco Cease To Begin. A lo largo del concierto cantaron “The Great Salt Lake”, “Older”, “St. Augustine” o “Marry Song” con el que recorrieron desde un rock muy nostálgico hasta el tan de moda folk americano (rescatado también por otros grandes como Black Rebel Motorcycle Club) con ciertos tintes de country.

Obviamente las más coreadas fueron “Is There A Ghost”, “No One’s Gonna Love You” y la grandiosa “Funeral”.

El vocalista Ben Bridwell a cada rato comentaba que el concierto era fantástico, y la verdad lo fue.

Foto por: Roja

Hace algunas semanas en el Myspace me añadieron Plastics Revolution, no tenía el gusto de conocerlos, me metí a su perfil y me llamaron mucho la atención los colores de su espacio y las canciones que tienen en él. Me invitaron a tomarles fotos al Pasagüero el 1º de noviembre y definitivamente no era algo que se pudiera rechazar.

The Plastics Revolution son 5 jóvenes con una propuesta rítmica, divertida y colorida que lo logran con la ayuda de melódicas, trompetas (corno…un instrumento de viento) y las tradicionales guitarras, teclado, bajo y batería. Sus canciones, en inglés, asemejan a Broken Social Scene y Architecture in Helsinki.
Durante la presentación en vivo se vistieron de momias, el Tío Cosa y Alex De Large de Naranja Mecánica. Atrayendo la atención total y entrega del público quien aplaudió, grito, brinco y bailo durante todas las canciones.
En lo personal me gustó mucho su sonido pero mejor júzguenlos ustedes mismos en su Myspace.

Canciones que recomiendo: “Light of Day”, “Money Talks” y “So They Want”.

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Foto: Thito

El concierto de los Delays en el Hard Rock Live fue una buena presentación. Pero empecemos comentando un aspecto muy bueno de la banda, son súper sencillos y sumamente accesibles en su trato con los fans y los medios.

Tuve la oportunidad de entrevistarlos (próximamente se publicará aquí) después de la sesión de entrevistas que ofrecieron para distintos medios de televisión (entre ellos los del programa Transfusión de canal 11, hay que estar al pendiente para ver la entrevista), y los cuatro integrantes siempre tuvieron la mejor disposición en todo momento. No hubo ningún tipo de restricción para con los reporteros y nunca apresuraron el tiempo de las entrevistas. Otro detalle amable que tuvieron fue que antes del concierto salieron a convivir un poco con la gente que estaba esperando para entrar, algo que de verdad no es muy común. Se tomaban fotos, firmaban autógrafos, todo sin ningún problema.

Pasando a lo que fue el concierto, el grupo logró echarse a la bolsa al público mexicano sin problemas. Empezaron con la canción “Wonderlust”, al igual que en el Manifest del 2006, y la respuesta fue muy buena. Los gritos y brincos no faltaron. Desde el principio se notaba que tanto la banda como los presentes estaban dispuestos a disfrutar del evento y sin duda fue lo que pasó. Los asistentes eran casi en su totalidad verdaderos fanáticos de la banda, dominaban las letras de las canciones y eso lo demostraron todas las veces que Aaron Gilbert (vocalista de la banda) los puso a prueba cediéndoles el micrófono.

Durante todo el evento los Delays buscaron interactuar con el público. Constantemente pedían gritos, agradecían a los presentes y hasta organizaron una pequeña hola que la verdad no tuvo mucho éxito. El ambiente fue muy bueno para ser una banda extranjera independiente que la verdad no tiene una difusión tan masiva en nuestro país. De los mejores momentos fueron cuando interpretaron “Nearer Than Heaven”, “Lost In A Melody”, “Valentine” y sobretodo “Long Time Coming”. Todo podría haber sido redondo de no ser por el único detalle de la noche, los problemas de sonido que tuvieron, pero la disposición y carisma de la banda logro sobrellevar el inconveniente. Delays pueden estar más que satisfechos con su segunda actuación en nuestro país, ya que difícilmente una banda pequeña puede jactarse de tener una verdadera afición en un país tan lejano geográficamente al suyo.

Ver Entrevista con Delays